Curioso pero de Cine

CENSURA EN LOS CINES ESPAÑOLES

2009-10-22T14:31:00.007+01:00

Lo siento chicos, pero esto me parece ya el colmo.

Aviso, esta va a ser una entrada muy fuerte y no apta para menores.

.
.
.
.
.
.
..
...
....

YO YA HE AVISADO.

Esto se emitió en los cines normales. Era Lucía y el sexo.

Esto se emitió en los cines normales. Era Crimen ferpecto.

Esto se emitió en los cines normales. Era Jamón, jamón.

Esto se emitió en los cines normales. Era Amor, curiosidad, prozac y dudas

En fin, no sigo, porque no creo que haga falta.

¿Por qué esta sucesión de porno en este blog tan respetable? Porque es la mejor manera que se me ha ocurrido para protestar contra esto (versión Elmundo) esto (versión Elpaís). Vamos, que ahora porque al ICAA (o sea, al Ministerio de "Kultura") le sale de ahí, resulta que si yo quiero ver la última película de la saga de SAW, me tengo que meter en un cine porno. ¡Manda carajo!

En serio, ya no sabéis cómo promocionar las películas españolas. Vale (QUE NO)que uséis mis impuestos para pagarlas aunque no las vea nadie. Vale (QUE NO) que promulgarais una ley obligando a los cines exhibir un porcentaje mínimo de películas españolas, haciendo quebrar y cerrar a los cines de una sola sala (que por porcentaje sólo podía poner la española, y claro, no iba nadie). Pero que ahora empecéis a impedirme ver lo que quiero ver, o a meterme en un cine cochambroso lleno de salidos, me está empezando a tocar las narices.

POR FAVOR, SENTIDO COMÚN YA.

¡Quién te ha visto y quién te ve!

2009-10-12T17:51:00.007+01:00

Cómo han cambiado los ídolos de nuestra infancia. Algunos no tanto en cuanto a aspecto, pero físicamente están bastante mal (hablo de mi queridísimo Michael J. Fox), otros están irreconocibles (Mel Gibson), y otros no han cambiado apenas (Depp o Clooney). Los que no han cambiado, tienen menos misterio. Pero ¿qué ha sido de...?

¿Os acordáis de esa piloto taaaan guapa que protagonizaba junto al doctor Fleischmann la serie Doctor en Alaska? Al médico, Joel, le tenemos localizado en Numb3rs, pero ¿qué pasó con O'Connell?

Yo he llegado a oír rumores sobre su homosexualidad. Pues bien, no es así. Janine Turner siguió haciendo televisión, es madre soltera de una preciosa niña, y ha resultado una activista política, republicana, y admiradora de Sarah Palin. No, no me lo invento, lo dice ella misma en este vídeo.

A mi parecer, le sentaba mejor el pelo corto. A lo mejor no, pero es que ¡era tan graciosa Maggie O'Connell!

Pero es que el tiempo pasa para todos. Si no, pinchad aquí y mirad cómo estaban todos por lo menos un lustro después de finalizar la serie

Big Bang

2009-10-01T13:34:00.001+01:00

Nuestro universo entero se encontraba en un estado caliente y denso.
Entonces hace casi 14 mil millones de años empezó la expansión, espera... La Tierra empezó a enfriarse, los seres autótrofos comenzaron a babear, los neandertales inventaron las herramientas, construimos una muralla(construimos las pirámides),
matemáticas, ciencias, historia, desentrañando los misterios ¡y que todo empezó con el big bang!

A quién no le suena ya esta canción dicharachera, y es que los personajes de la serie Big Bang Theory han hecho mella en nuestros corazones. Quizá porque son una panda de frikis creíbles (lo siento por los seguidores de IT Crowd, que aunque graciosos, provocan poca empatía), con una mente privilegiada y un corazón casi virgen, aunque adorables.

El planteamiento es el siguiente: dos amigos y colegas (de alto cociente intelectual), Sheldon Cooper y Leonard Hofstadter, viven en un edificio de esos tan neoyorkino donde se comparten lavadoras. Descubren un buen día que tienen una nueva vecina, la potente y no tan inteligente Penny. Trabaja de camarera y su aspiración es ser actriz. Para Sheldon no es ningún acontecimiento importante, probablemente a causa de su síndrome de Asperger (enfermedad que ya aparece en otras series como Boston Legal, o Bones, y que se está convirtiendo en la muletilla cómica de Hollywood). Pero para Leonard supondrá todo un flechazo. Sea como sea, la relación entre vecinos supone el eje argumental de esta hilarante serie, aderezada con dos personajes más que le dan ese toque tan geek: Howard el judío -un donjuán frustrado-, y Rajesh el indio, que debido a cierto trastorno que no sé explicar, es incapaz de hablar a las mujeres (de hecho es incapaz de hablar en voz alta cuando hay una mujer delante).

Dato curioso: A pesar del horrible aspecto de Leonard, se trata de un chico bastante agraciado que tuvo, hace un tiempo, un papel en la serie Roseanne, protagonizada por John Goodman.

Este era, más o menos, su aspecto.

Clash of the Titans

2009-08-30T13:06:00.004+01:00

Si me preguntan por el Olimpo, inevitablemente me viene a la cabeza algo de mi más (y menos) tierna infancia, y no me refiero al "Olimpo de los Diésel" de Guillermo Summers e Ignacio Salas. Me viene a la cabeza Laurence Olivier y Ursula Andress (entre otros). Exacto, hablo de Furia de Titanes (Clash of the Titans, 1981).

Es por eso que no pude/quise resistirme cuando lo vi en la estanteria de mi hipermercado. Podría hacer la crítica después de más de 15 años sin verla, pero confieso que soy demasiado indulgente con estas cosas de mi infancia, y perdono las licencias en el argumento (Pegaso no pudo ser el animal de compañía de Perseo y Kraken no pertenece a la mitología griega), y perdono esos adorables y mega-cutres efectos especiales que parecen salidos de King Kong. Pero todo eso lo podemos dejar para futuras entradas.

de izquierda a derecha: Bubo, el búho mecánico, Calibo, uno de los malos de mi infancia y Kraken (creo, porque todos estos monstruos marinos son iguales)

Y ¡es que están haciendo un re-make! El estreno está previsto para 2010, y cuenta con un reparto de lujo. En el papel de Perseo nos encontramos a Sam Wortington (Terminator 4), Andromeda será Alexa Davalos (Las Crónicas de Riddick), Gemma Arterton (Quantum of Solace) hará de Io y Ralph Fiennes es Hades. Y como el rey de los dioses (o como diría un amigo mio, el máquina del Olimpo), Liam Neeson dará vida a Zeus.

Esperemos que sepan conservar el encanto de la original. Mientras tanto, y a falta de un trailer de la nueva, os dejo con el de la vieja. Seguiremos informando. Estreno, según imdb, para el 26 de Marzo de 2010.

PD: el Gato Cuantico sale de nuevo de su caja.

El Adiós del Indomable

2009-08-02T19:00:00.002+01:00

La vida de Curioso pero de Cine parece estar apunto de extinguirse. Entono el mea culpa por ello, no le he dedicado el tiempo que debería. El pasado mes de octubre publiqué aquí la primera parte de un reportaje sobre la vida y carrera de Paul Newman, con motivo de su fallecimiento. No quiero abandonar definitivamente el blog (aunque un blog nunca se abandona para siempre) sin publicar el reportaje al completo. Aquí va.

* * *

EL ADIÓS DEL INDOMABLE

Se fue. Paul Newman, el último mito de Hollywood, falleció a causa de un cáncer de pulmón el pasado fin de semana. Atrás quedan decenas de actuaciones memorables y un sin fin de premios y alabanzas. Una leyenda formada con talento y personalidad en una carrera sin parangón en la historia del cine

Los primeros pasos
Paul Leonard Newman nació el 26 de enero de 1925 en Shaker Heights, Cleveland, Ohio. Los ojos azules más famosos del cine echaron su primer vistazo en el frío invierno de Cleveland, en el seno de una familia acomodada. A Paul, nunca le faltó de nada, aunque su padre le educó para que conociera el valor de las cosas. Durante su niñez, no mostró ninguna inclinación importante por la interpretación, salvo dos pequeñas obras teatrales cuando aún iba al colegio de primaria. Durante su adolescencia, tuvo diferentes trabajos, mientras nacían en él los primeros brotes de rebeldía: vendió sandwiches en el Palacio de la Carne y, poco después, incluso se puso a vender enciclopedias de casa en casa. Ganó, con estos trabajos insustanciales, 500 dólares que invirtió en montar una obra teatral (por entretenimiento, casi sin vocación) en la que gastó 495, los otros cinco dólares le valieron para tomar su primera copa.

En 1941, cuando los japoneses atacaron Pearl Harbour, Newman, como muchos jóvenes de la época, abandonó temporalmente sus estudios de Económicas y Dirección de Empresas y se alistó a la Marina. Como voluntario para piloto, fue enviado a Yale para recibir un curso especializado. Ese era el lugar que Paul necesitaba. Newman encontró en Yale un aire nuevo, un universo mucho más amplio que nada de lo que había conocido. Pero le duró poco. A los cuatro meses, una revisión rutinaria reveló un defecto en sus ojos (¡en sus ojos!): era daltónico. Este asunto le apartó del sueño aéreo y fue destinado al Pacífico como operador de radio. La guerra pasó, para Newman, tan rápido como había llegado. Tras el conflicto, en 1946, y con una beca militar del gobierno, se dispuso a reanudar sus estudios, pero, esta vez, en el Kenyon College.

Apuntando maneras
Por suerte para el cine, la guerra le había hecho madurar y aclarar sus ideas. Tenía claro que el teatro era el camino. La Universidad estaba organizando una obra de teatro llamada Primera Plana y Paul echó el resto. Se presentó a la prueba para el papel principal y lo consiguió; papel que Newman recuerda muy bien: “Tuvimos una gran acogida. Me incliné varias veces y, por primera vez, tuve conciencia de estar actuando”. Paul se volcó en la actuación y apareció en varias producciones de la Universidad, y, pese a que la actuación sólo había sido, en principio, una escapada, Newman encontró su camino sobre las tablas.
-
Ya con el título en sus manos (papel que poco le importaba), en 1949 se dirigió a Williams Bay, Wisconsin, con un contrato para una gira teatral de verano. Tras la gira, Newman se unió a otra compañía teatral, The Woodstock Players, donde intervino en obras como Cyrano de Bergerac, Suspect, El Zoo de Cristal (que, 40 años después, él mismo llevaría al cine) y John y Mary, donde, dándole la réplica como actriz principal, conoció a una rubia de ojos castaños llamada Jackie White. Fue un flechazo. Tras un romance relámpago, en la primavera de 1950, la pareja se escapó para casarse y, al final del verano, volvieron a unirse a la compañía. Newman actuó en 16 obras después de su boda y, tras esto, decidió tomarse un descanso del teatro para trabajar en una granja cercana a Woodstock, mientras Jackie esperaba el nacimiento de su primogénito, el malogrado Scott.
-
Ese mismo año, el padre de Paul cayó gravemente enfermo. Newman regresó a Shaker Heights y cogió las riendas del negocio familiar, olvidando por un tiempo la actuación. Los negocios se le daban bien y la tienda prosperaba. Unos meses más tarde, Arthur murió. Paul resolvió vender el negocio y, mientras se completaba la transacción, trabajó en diversos lugares, entre ellos, recogiendo pelotas de golf en un club, para limpiarlas y devolverlas a un saco. La clase de rutina que le sacaba de sus casillas.
-
En 1951, Newman decidió cambiar de vida y, con Jackie y el pequeño Scott al lado, dejó Shaker Heights para siempre. Con sus modestos ahorros, volvió a Yale y se matriculó en la Escuela de Arte Dramático. Allí, participó en varias obras (nada importante); pero su talento era evidente para los demás. Presentes en una de las obras (una función sobre la vida de Beethoven), estaban los agentes teatrales Liebling y Wood, que elogiaron, olvidándose de los demás, el trabajo de Newman como sobrino del músico. Quizá con este encuentro empezó todo. Paul sabía que estaba en el camino correcto y, aunque eso suponía dejar sus estudios, se fijó el objetivo que cambió su vida: Broadway.

Comienza la leyenda
Paul y Jackie se lanzaron a la aventura de la Gran Manzana y se dieron un año de plazo para averiguar si él tenía algo que hacer en el feroz mundo de Broadway. Paul se marchaba cada mañana a New York con su mejor traje (el único decente que tenía) para lograr encontrar un trabajo. Newman era un hombre afortunado. Con asombro para el propio Paul, encontró su primer trabajo en la televisión: una breve aparición en el telefilme The March of Time, donde interpretaba a un anciano y por lo que cobró 65 dólares (quién le iba a decir a él entonces que llegaría a ser el actor mejor pagado del año repetidas veces). Tras pequeños papeles en otras producciones de televisión como Tales of tomorrow o Suspense, no tardó mucho en llegar su primer papel fijo en una serie, The Aldrich Family. Poco a poco se estableció en la televisión trabajando regularmente y su rostro se tornó familiar para el público. Para entonces, Jackie ya había alumbrado a la segunda hija de la pareja, Susan, y casi a la par, Newman logró un papel en el musical Our Town.

De mano de unos viejos conocidos (Liebling y Wood) que le pusieron en contacto con el dramaturgo William Inge, Newman accedió a un casting y logró un papel en Picnic, la obra de teatro que marcaría el inicio de la leyenda. Su papel no era el protagonista, sino el de un universitario inexperto que pierde la novia (y su orgullo) ante un compañero de clase más baja; pero las críticas fueron inmejorables. El New York Daily News declaraba: “El niño rico ha sido muy bien interpretado por Paul Newman”; el New York Post afirmó: “El joven Paul Newman ha hecho un estupendo trabajo”; y R. Coleman, del New York Daily Mirror, sucumbió a Newman con un simple y rotundo “excelente”.

Picnic se representó en el teatro durante catorce meses y, con la seguridad económica que eso le daba, podía plantearse la idea de entrar en el Actors Studio, el sueño de cualquier actor. La suerte le acompañaría también aquí. La admisión dependía de dos pruebas: una frente al público y la otra frente a críticos tan notables como Elia Kazan. Una chica que también realizaba las pruebas para entrar en la prestigiosa academia necesitaba un chico para un papel de apoyo, y se lo pidió a Newman. Paul aceptó y la ayudó a que funcionase. El mundo giró inesperadamente y pocos días después de la prueba de la actriz, Paul recibió la noticia de su ingreso en el Actors. Técnicamente, él no había realizado la prueba, pero su papel de apoyo le había asegurado la plaza en la academia del Método. Talento en estado puro.

En el Actors, Newman aprendería todo lo que se puede aprender y entablaría amistad con estudiantes como Geraldine Page, Eli Wallack o Rod Steiger. Pero la amistad más importante de su vida la estableció con Joanne Woodward, una hermosa y talentosa actriz. La conoció poco antes de pisar las tablas de Picnic, y ninguno se llevó una buena impresión del otro. Sin embargo, el destino les volvió a juntar en esa obra de teatro (ella sustituía a dos de las actrices) y ambos recordaron su primer encuentro, se conocieron mucho mejor y floreció entre ellos una gran amistad personal y profesional.

Mientras tanto, Newman empezó a llamar la atención de las figuras de Hollywood, siempre en busca de caras nuevas. Newman era ya bastante conocido en New York y Hollywood parecía el siguiente paso. Pero Paul era reticente a la meca del cine. Muchos de sus compañeros del Actor’s hablaban de Hollywood con desdén, aunque en el fondo envidiaban a los elegidos. Era el momento. Newman tenía entonces 30 años, toda una carrera por delante y un contrato con la Warner Brothers para 7 años. Poco después de clausurarse Picnic, Paul decidió marcharse a California. Jackie y los niños se quedaron en Long Island, y Paul, no sin recelo, se marchó hacia el estrellato.

Un actor en la meca del cine
Los temores de Paul con respecto a Hollywood se confirmaron en cuanto puso los pies en el estudio de la Warner. A los ejecutivos les preocupaba más el color de su pelo y el dinero que podía recaudar, que su nivel de actuación. El talento de los actores y que se adecuaran a los papeles que se les daba era secundario; Hollywood estaba en el negocio del lucro. Newman no se encontraba a gusto, él se sentía actor más que estrella. Además, todos allí se regían por el “star system”, y el alcoholismo, la drogadicción y la pérdida de dignidad estaban a la orden del día. Por supuesto, había actores que se rebelaban contra eso: Humphrey Bogard, Kirk Douglas, Jack Lemmon, John Houston… Newman no se iba a dejar seducir por Hollywood y se unió a estos rebeldes, iba a ser un nuevo indomable.
-
Por si esto fuera poco, lo primero que la Warner le tenía preparado podía haber acabado con su carrera antes de empezar: El cáliz de plata (The Silver Chalice, 1955), donde Newman interpretaba el papel secundario de un esclavo griego llamado Basil. Fue, sin duda, una de las peores películas de los 50 y uno de los mayores fracasos de la Warner. Años después, cuando la televisión emitió este filme, Newman publicó un anuncio en la prensa pidiendo perdón a los espectadores por la horrible película.
-
Paul consiguió este papel tras un casting con el malogrado James Dean. James se quedó con Al este del edén y Newman se quedó con el cáliz. Paul se arrepentía cada día más de haberse ido a Hollywood. Las cosas no funcionaban en la pantalla grande, pero, por suerte, el teatro le rescató. Durante la última semana de rodaje, Paul consiguió el papel protagonista en la obra Horas desesperadas, y su trabajo logró apartar la pesadilla griega; las críticas a su interpretación fueron inmejorables.
-
El Cáliz de Plata fue un fracaso rotundo para la taquilla y para la crítica (tuvieron que emborrachar a Paul para que fuera a verla al cine), y, mientras la Warner se pensaba qué hacer con su nuevo fichaje, Newman continuó con el teatro y yendo al Actors dos veces por semana. En los años 50, las películas para televisión era de gran calidad, y Newman encontró en ellas un buen lugar para demostrar su talento, por lo que grabó varios filmes para la pequeña pantalla.
-
Ese mismo año la Warner cedió a Newman a la Metro-Goldwyn-Mayer y éstos le reclamaron para un nuevo proyecto llamado Traidor a su patria (The Rack, 1956), donde Newman interpretaría a un oficial americano acusado de colaborar con los comunistas en Corea. Esta jugada salió bien. La película tuvo un aceptable éxito de crítica y público y Paul se reconcilió con el cine.
-
Un desgraciado accidente ocurrido el 30 de septiembre de 1955 cambió las perspectivas laborales de Newman. James Dean, el actor de moda de Holywood, murió al volante de su Porche Spyder, dejando un gran hueco en la meca del cine. Paul y James iban a trabajar juntos en un telefilme llamado The Battler, en el que Paul secundaba al boxeador que interpretaría Dean. La muerte del “rebelde sin causa” fue un duro golpe para Paul, habían sido grandes amigos desde que llegó a Hollywood, y su primera impresión era que The Battler no podía continuar sin James. Sin embargo, los productores le ofrecieron el papel de Dean en el filme, y Newman, tras ciertas dudas, lo aceptó como homenaje a su difunto amigo. Todo su mundo estaba apunto de cambiar.

Y llegó el momento
The Battler se emitió de costa a costa y muchos directores, entre ellos Robert Wise, se fijaron en Newman. Con un ojo morado fruto de una pelea en un bar tras la emisión de The Battler (Paul era un actor del Método) acudió Newman a una reunión con Wise. El director había visto la película y tenía un papel para él, papel escrito en un principio para Dean y que cambiaría la vida de Newman para siempre dando inicio a la leyenda. El rebelde pasando el testigo al indomable.

Se trataba de Marcado por el odio (Somebody up there likes me, 1956), la biografía de un famoso boxeador, Rocky Graziano. Durante varios días antes de la filmación, Newman convivió con Graziano de la mañana a la noche. Estudió su manera de hablar, moverse, boxear… Paul entrenó con sparrings profesionales y se sumergió en el gimnasio; ponía todas sus energías en perfeccionar el retrato de Rocky.

Para el verano del 56, la película estaba ya preparada. Muchas fueron las comparaciones con Brando, pero con Marcado por el odio nacería una nueva leyenda del cine. “El joven actor interpreta tan acertadamente a Graziano que consigue que no se le distinga de Brando (New York Times)”. La sombra de Marlon Brando se resistía a abandonarle, pero su talento iba a llevar su figura más allá, eliminando etiquetas injustas. “Para Newman, Marcado por el odio es un recital que lo libera del handicap de su parecido con Brando. Su talento es enorme y flexible. (Variety)”

El primer éxito en el cine había llegado y desde aquí, todo subiría como la espuma. Y ahora que había llegado el éxito, ¿cómo se sentía Paul? Mal. A Jackie le costaba adaptarse al éxito de su marido, aunque era lo que siempre había deseado para él. Las vidas de actor de éxito y hombre de familia convivían con dificultad. La vida personal de Newman estaba convulsa, ya que Paul sólo pensaba en Joanne Woodward, y ésta chocaba en su mente con su familia, que le esperaba en Long Island. Quería a Jackie, pero realmente ya tenía muy poco en común con ella. Newman viajaba, conocía a gente, gente con sus mismas inquietudes y, poco a poco, Jackie y Paul se habían distanciado.

Poco después de que Newman llegara a Hollywood, Joanne consiguió un contrato con la 20th Century Fox y era, como Paul, una actriz de éxito. Amigos desde Picnic, pasaban más tiempo juntos del que el matrimonio de Paul y Jackie podía soportar. Sin embargo, la educación y los valores inculcados en Newman le alejaban de la infidelidad. No pensaba ni por un momento engañar a Jackie; pero era incapaz de negar sus sentimientos hacia Joanne, y cada día que pasaba sin ella le hacía más desdichado. En el mejor momento de su vida se sentía hundido en la miseria.

La Warner Bros. le pagaba por entonces 1.000 dólares a la semana, y se llevaba 75.000 en concepto de arrendamiento. Además, las dos películas que llegarían tras Marcado por el odio y a las que estaba obligado por contrato fueron realmente horribles: Mujeres culpables (Until they sail, 1957) y Para ella un solo hombre (The Helen Morgan story, 1957).

Newman ahogó sus penas en el alcohol, llegando a ser detenido, en 1956, por conducir borracho. No quería ver a Joanne para no romper su matrimonio, pero la echaba terriblemente de menos. El sentido común afloró y recurrió al psicoanálisis, que le ayudó a seguir adelante. Sin embargo, el destino no entendía de divanes. La Warner, continuando con su explotación, arrendó a Newman a la 20th, que buscaba un actor para la adaptación de una obra de Faulkner titulada El largo y cálido verano. Newman pasó la prueba y fue elegido, y (bendito destino) la actriz que protagonizaría el filme con él era Joanne Woodward, actriz en alza tras su interpretación (valedora de un Oscar) en Las tres caras de Eva.

El destino les había juntado, trabajarían por primera vez en la misma película y su amor estaría a la vista de todos. Newman y Woodward trabajaban bien juntos y Martin Ritt, director del filme, aprovechó su química para el romance de la historia. Paul le pidió el divorcio a Jackie (que ya se sentía muy lejos de su marido) y éste se produjo sin problemas. La película fue un éxito y Newman ya estaba aposentado en Hollywood. En enero de 1958, Paul y Joanne se casaron en una pequeña capilla de Las Vegas y han sido uno de los matrimonios más estables de Hollywood, sólo truncado por la muerte de Paul; 50 años de feliz matrimonio. En marzo del mismo año se estrenó la película, y poco después Joanne recibió el Oscar por Las tres caras de Eva, y Paul fue galardonado, por El largo y cálido verano (The Long, Hot Summer, 1958), con el Premio al Mejor Actor en Cannes (el primero concedido a un americano). La pareja esperaba su primer hijo, y el siguiente filme de Paul, El zurdo (The left handed gun, 1958), obtuvo un éxito aceptable. Todo parecía ir bien para Newman.

Su siguiente película fue una joya: La gata sobre el tejado de zinc (Cat on a hot tin roof, 1958), donde compartía cartel con Elisabeth Taylor. Por su interpretación en este filme, Paul ganó 17.500 dólares y consiguió su primera nominación a los Oscar, aunque no se llevó el premio (la codiciada estatuilla de le resistió hasta seis veces antes de conseguirla). La película funcionó a la perfección y Newman empezó a notar el precio de la fama. La prensa le acosaba y le atribuía romances con Taylor y otras actrices. Esto no iba con él.

Para evitar encasillarse en el drama, Paul probó suerte, junto a su esposa, con una comedia titulada Un marido en apuros (Rally’ round the flag, boys, 1959), pero la crítica no le respaldó. Volvió al drama con La ciudad frente a mí (The young philadelphians, 1959), película de guión y dirección bastante mejorables que Newman salvó con su interpretación. Esta fue la última película que rodaría con la Warner, ya que en 1959 se pudo permitir el lujo de comprar los tres años que le quedaban de contrato pagando la considerable cifra de 500.000 dólares. En estas, nació Elionor Theresa, la cuarta hija de Newman y primera con Joanne; e, inesperadamente, Paul decidió marcharse a Broadway, a probar suerte de nuevo en el teatro con una obra llamada Dulce pájaro de juventud. “La representación es magnífica. El muchacho interpretado por Newman es el centro perfecto de la obra (Brooks Atkinson)”. “Memorable, excelente (Coleman, New York Daily Mirror)”. El talento de Newman arrasaba allá donde iba.

La siguiente película que protagonizó fue una extraña elección del propio Newman, el drama lacrimógeno Desde la terraza (From the terrace, 1960), la tercera interpretación junto a su esposa. Bien en taquilla, pero nada más. Quizá Newman solamente quería algo relajado antes de entrar de pleno en la década de los 60, sus años gloriosos.

El éxito
Tras Éxodo (Exodus, 1960), película por la que cobró 200.000 dólares y donde, con serios problemas con el director, interpretaba a un oficial del movimiento clandestino judío sito en Palestina, le llegó el papel que le marcaría para toda su carrera, y que, a la larga, le iba a reportar un Oscar: El buscavidas (The Hustler, 1961), una oportunidad que lo consagraría como el gran actor que era. “Con este tuve buena impresión desde el principio” afirmaba Newman.

Era su alter ego cinematográfico, un tipo de personaje que siempre ha sobrevolado por su filmografía: el antihéroe solitario, rebelde e indomable, pero sin malas intenciones. Eddie “el rápido” Felson, un jugador de billar que engañaba a los pardillos por un puñado de dólares, y que, irremediablemente, se tiene que enfrentar, tras la tragedia, a sus fantasmas y a la moralidad en una partida interminable con Minnesotta Fats, el que decían que era el mejor. Los elogios a la interpretación de Newman (y, en realidad, a toda la película) fueron increíbles. Era la mejor interpretación de Newman hasta la fecha. “Esta vez hay algo más en su intenso ardor como el hombre que hace trampas en el juego con fervor religioso. Su listón estaba muy alto, pero esta vez lo ha superado (Alton Cook, Time)”.

De entre las nueve nominaciones a los Oscar de El buscavidas, surgió la segunda para Newman como mejor actor, pero tampoco lo consiguió en esta ocasión. Sin embargo, ganó el premio de la Academia Británica por su actuación, y El buscavidas se convirtió en un clásico del cine.

Sus dos siguientes películas, Un día volveré (Paris blues, 1961) y Cuando se tienen 20 años (Hemingway’s adventure of a young man, 1962), estuvieron eclipsadas por la sombra de Eddie Felson, aunque, en realidad, eran dos filmes sin grandes pretensiones. Después, en 1962, interpretó, ahora en la gran pantalla, el personaje principal de Dulce pájaro de juventud (Sweet bird of youth, 1962), éxito que sirvió de adelanto de otra de las célebres películas de Newman, Hud (1963), donde interpretaba a otro antihéroe, un ganadero amargado, ambicioso y egoísta. De nuevo la crítica y el público aplaudió a Paul. Acababa de tener a su segunda hija con Joanne y era el actor más demandado del momento. ¿Qué más podía pedir? Un Oscar, aunque, de nuevo, solamente consiguió una nominación. Parecía tener una maldición, era su tercera nominación en cinco años.

Newman seguía empeñado en romper clichés y trabajar en una comedia. Lo hizo, junto a su mujer, en Samantha (A new kind of love, 1963), pero la comedia parecía no ser lo suyo. Tras este proyecto fallido llegaron películas sin mucho fuste como El premio (The Prize, 1963), entretenida, pero que no lograba sus pretensiones; Ella y sus maridos (What a way to go!, 1964), Cuatro confesiones (The Outrage, 1964) y Lady L (1965). Entre tanto, antes del nacimiento de su sexto retoño, Clea, estrenó (junto a su mujer) una comedia en Broadway, Baby want a kiss, demostrando que sí podía ser un buen comediante.

Tras estos proyectos, llegaría el personaje de Harper en Harper, investigador privado (Harper, the moving target, 1966), otro de los éxitos de los 60. Tras ésta trabajó con Hitchcock en Cortina rasgada (Torn Curtain, 1966) y con su viejo amigo Martin Ritt (El largo y cálido verano, Hud) en Hombre (1967)

Fue en este año, 1967, tras Hombre, cuando llegaría un nuevo título y un nuevo personaje para el recuerdo en la filmografía de Newman: La leyenda del indomable (Cool Hand Luke, 1967). Un papel que sólo Newman podía interpretar. Luke es encerrado en una dura prisión durante dos años por un delito menor (en realidad, casi surrealista). Pero él no puede vivir enjaulado. Es un indomable. Diversos intentos de fuga, alguno que otro fructífero, bravuconadas con los compañeros (“¿a que no eres capaz de comerte 50 huevos duros de una sentada?”) y un final fantástico, que Newman regó con una interpretación sobresaliente, con una sonrisa cínica llevada hasta el final en un filme carcelario tan atípico como trágico y divertido. Sólo Newman podía hacerlo, y, al parecer, sólo a Newman, de nuevo nominado por esta excepcional interpretación, se le podía escapar el Oscar por cuarta vez. “Se consideró una injusticia que Newman no se llevase el Oscar. La aclamación de la crítica rozaba la veneración. La vitalidad, destreza y sensibilidad de Newman se reconocían como únicas” apuntaba en 1990 J.C. Landry, amigo y biógrafo de Paul.

Tenía entonces 42 años (muy bien llevados) y el éxito le perseguía. Pero Newman era obstinado y volvió a probar suerte con otra comedia Comando secreto (The secret war of Harry Frigg, 1968); pero seguía sin parecer ese su sendero. En 1966 fue nombrado, en los Globos de Oro, Actor Favorito Mundial y, un año más tarde, fue nominado a Mejor Actor del año por la Asociación Nacional de Propietarios de Cines.

En 1968, siendo ya uno de los actores más aclamados de Hollywood, Newman continuaba siendo indomable. Cambió de lado y se situó detrás de las cámaras para dirigir su primer filme: Rachel, Rachel (1968). “Casi disfruto más de esto que de subir a un escenario o de plantarme delante de una cámara”, llegó a admitir Newman tras el estreno del filme. Las productoras no confiaban en el proyecto (que interpretaría Woodward) y la Warner (precisamente la Warner) solamente aportó 700.000 dólares (producir un filme en un estudio de Hollywood costaba alrededor de dos millones y medio de dólares). La película, inesperadamente, fue un éxito en todos los sentidos. Se aclamó la película (nominada al Oscar al mejor filme del año), el trabajo de Joanne e, incluso, la dirección de Newman; tanto que la revista Life destacó “los matices emocionales y la seguridad técnica, algo muy destacable para una primera película” y ganó el Globo de Oro a la mejor dirección y el premio del New York Critics Circle. Newman era imparable. Ahora le llovían ofertas para dirigir, pero prefería esperar a un proyecto que valiera la pena. Joanne fue rescatada de su inactividad laboral con esta película y recibió varios premios por su interpretación.

A finales de los 60, Newman ya cobraba 1.000.000 de dólares por película. En junio de 1969 formó una sociedad con Sydney Poitier y Barbara Streisand (en 1971 se uniría a ellos Steve McQueen) y la llamaron First Artists Productions Company. Un tiempo antes, junto a su esposa y John Foreman, había formado también otra asociación, la Newman-Foreman Company, productora del siguiente filme de Paul, Quinientas Millas (Winning, 1969), un drama inmerso en el mundo de las carreras de coches. A raíz de este filme, la pasión de Newman por los coches de carreras creció, llegándolo a convertir, con el tiempo, en una segunda (o tercera, si consideramos la dirección como algo a aparte) profesión. No quiso usar un doble y se matriculó en la escuela de Bob Bondurant. Éste percibió el don natural de Newman tras el volante. Newman fue cogiendo más y más afición a las carreras. En una semana, Paul progresó hasta dominar los mismos modelos que usaban los profesionales, y, en unos pocos meses, ya tenía el nivel suficiente para competir (aunque tardó cuatro años desde la finalización de Quinientas Millas en obtener el permiso especial que le permitía correr en carreras de competición). Más tarde formó su propio equipo, ganando con él numerosas carreras e, incluso, Paul (con más de 50 años, un auténtico viejo dentro del mundo automovilístico) ganó, en 1977, al volante de un Datsun, dos campeonatos nacionales. Pese a todos estos éxitos, el punto más álgido de su carrera y su popularidad estaba aún por llegar.

En lo más alto
Las críticas para Quinientas millas fueron realmente buenas, pero nada comparado con lo que le vendría encima con su siguiente película: Dos hombres y un destino (Butch Cassidy and The Sundance Kid, 1969), donde formó un legendario equipo junto a George Roy Hill y Robert Redford. El guión de este western tan atípico había rodado por Hollywood durante muchos meses sin que nadie le hiciera demasiado caso. Sin embargo, Newman se interesó por él, le gustaba la relación de amistad que se formaba entre los dos protagonistas. De repente, al revelarse que Newman le había echado el ojo, toda la industria del cine se interesó por el proyecto, convirtiéndose en el guión más preciado del momento. Para entonces la Newman-Foreman ya le había echado el guante a los derechos. Con Newman en el papel de Butch, el jefe de la banda, el papel de Sundance Kid fue para Robert Redford y el de la chica para Katherine Ross, dirigiendo el film Roy Hill y componiendo Burt Bacharach el tan tarareado tema principal “Raindrops keep falling on my head”.

Dos hombres y un destino cosechó un éxito sin precedentes en la historia del cine. La química de Newman y Redford en pantalla era espectacular; al público, el filme le llegó al corazón; Ross ganó el Oscar a la mejor actriz; la carrera de Redford resurgió reportándole este filme varios premios y nominaciones; y en cuanto a Newman… Newman era de otro planeta. La admiración se tornó devoción y Paul alcanzó el estatus de superestrella. El Oscar se le volvió a resistir, pero era, sin duda, además de uno de los actores de más talento del momento, la estrella Número Uno Mundial en Taquillas. El filme reportó unos 30.000.000 de dólares y fue el western más taquillero de la historia del cine.

El mundo estaba a los pies de Newman, pero él los tenía bien pegados al suelo. A principios de esta década se le ofrecieron dos papeles (ahora reconocidos) que rechazó: el Padre Karras en El exorcista y Harry en Harry el sucio. Paul tenía otras cosas en mente. Newman siempre había estado interesado en los temas sociales y políticos de su país, y sus dos siguientes filmes, Un hombre de hoy (WUSA, 1970) y Casta invencible (Sometimes a great notion, 1971) fueron dos películas comprometidas de la Newman-Foreman, y en esta última Paul realizó la doble labor de actor/director con Joanne como protagonista. Después, de manos de la First Artists llegaron Los indeseables (Pocket money, 1972), El juez de la horca (The life and time of Judge Roy Bean, 1972) de John Houston, El hombre de Mackintosh (The Mackintosh man, 1973) también de Houston… ninguna con gran éxito. Ninguna salvo el tercer trabajo de Newman como director: El efecto de los rayos gamma sobre las margaritas (The effect of the gamma rays on Man-on-the-moon marigolds, 1972), un filme realmente mal titulado, pero admirable, que protagonizó Joanne Woodward, y que le brindó a Paul una nominación al mejor director en el festival de Cannes.

Las cosas, sin embargo, no iban bien. Una de seis era un mal promedio para la estrella más grande del momento. Necesitaba una película que le reestableciera como actor y superestrella; pero esto no iba a suceder. Su siguiente filme no le iba a reestablecer como superestrella, sino que iba a sobrepasar todos los listones conocidos. En 1973 llegó El golpe (The sting, 1973), la película que marcó su pìco de popularidad y le colocó más allá de cualquier estrella conocida, un éxito rotundo. La Academia de Hollywood, aunque no nominó a Newman, no le dio la espalda al filme y le concedió 7 estatuillas: mejor película, director, guión, montaje… un éxito. En esta película, Paul se reencontraba con sus compañeros de Dos hombres y un destino, Hill y Redford. La fórmula que tan bien había funcionado en el filme de 1969 volvió a funcionar aquí. Newman en el papel de Henry Gondorf y Redford en el del novato pero talentoso Johnny Hooker formaban una estupenda pareja en la gran pantalla, y Hill y Ward (guionista) trabajaron de manera sobresaliente.

Los golpes de la vida
A la historia de estos dos estafadores que dan el golpe de su vida al vengarse de Doyle Lonnegan con un estupendo y estudiado guión, le secundó una película espectacular (literalmente) que obedecía a la nueva moda de Hollywood, las películas de catástrofes. El coloso en llamas (The towering inferno, 1974) reunió a Newman con su socio Steve McQueen, también una gran estrella del momento, y, pese a su éxito, fue el inicio de los años malos de Newman, la segunda mitad de los 70.

Fueron años sin éxitos cinematográficos, unidos al tremendo golpe que supuso el fallecimiento, en 1978, de su hijo Scott, víctima de los fármacos y el alcohol. Aunque Paul, Joanne y Jackie intentaron que el divorcio se produjera de la forma menos dañina para los niños, Scott siempre había sido el más vulnerable. Él ya tenía siete años en el momento de la separación, y le afectó más que a sus hermanas. Su adolescencia fue problemática, debido al desarraigo y a la sensación de fracaso de Scott frente a su padre. La depresión se apoderó de él, y Paul y Jackie, aunque hicieron lo posible para ayudarle, no pudieron solucionarlo.

Para Newman, este fue un duro golpe personal inmerso en su peor momento laboral. En este bajón, Newman se refugió en los coches y en torpes proyectos cinematográficos. Fue a finales de esta década cuando se le ofreció el papel de Teniente Ripley (protagonista de la saga Alien), pero Newman lo rechazó. Fueron cinco años sin éxitos que habrían acabado con la carrera de cualquiera. La semi-secuela de Harper Con el agua al cuello (The drowning pool, 1975), un cameo en La última locura de Mel Brooks (Silent Movie, 1976), Buffalo Bill (Buffalo Bill and the indians, 1976), El castañazo (Slap shot, 1977) -esta, al menos, fue taquillera-, Quinteto (Quintet, 1978), El día del fin del mundo (When time ran out, 1979)… desidia.

El renacer de una estrella
Distrito apache (Fort Apache - The Bronx, 1981) fue el guión que necesitaba para salir del bache setentero, con Newman encarnando a un policía cincuentón en una historia que hacía honor a su nombre. A partir del moderado éxito de este filme, aconteció el renacer de Newman. Salió del agujero y de nuevo el público y la crítica le abrazó. La carrera de Paul se relanzó como ninguna lo había hecho jamás. Su increíble talento seguía estando ahí, y la década de los 80 fue testigo de ello.

En 1981 llegó Ausencia de Malicia (Absence of malice, 1981), un drama sobre la responsabilidad de la prensa que no solamente fue un éxito comercial, sino que fue aclamado como un filme reflexivo y valeroso. Newman interpretaba al hijo de un gangster (20 años después encarnaría al padre de uno de éstos) que se ve inmerso en un gran conflicto tras la muerte de su progenitor. Este papel le valió su quinta nominación a los Oscar (sexta si contamos la de mejor película por Rachel, Rachel), pero se le volvió a escapar. No importaba. Con su siguiente película consiguió otra nominación de la Academia de Hollywood al mejor actor principal. La sexta. El filme en cuestión era Veredicto final (The veredict, 1982), un drama judicial dirigido por Sydney Lumet que consiguió una gran interpretación de Newman. Otro éxito, tres de tres en dos años; pero el Oscar resbaló de nuevo entre sus manos. “¿Qué diablos tiene que hacer Paul Newman para conseguir un Oscar?”, publicaba Variety a toda página. La gente no entendía que la Academia no le premiara; pero Newman no desesperaba.

En 1984 dirigió y protagonizó Harry e hijo (Harry and son, 1984), una película necesaria para Newman que le sirvió para aplacar los fantasmas por la muerte de su hijo y como homenaje a éste, sin importar la repercusión en taquilla o la crítica. Después de esto se volvió a refugiar en los coches esperando un buen proyecto en el que trabajar.

En la ceremonia de los premios de la Academia de Hollywood de 1986, Paul Newman recibió un Oscar honorífico “en reconocimiento a sus numerosas y memorables interpretaciones y su dedicación a este oficio”. Aunque dudó (eran migajas, pago atrasado para quedar bien) fue a recogerlo, y en su discurso se tomó ciertas licencias: “Agradezco de forma muy especial que este premio no esté envuelto en un certificado de defunción. Espero que mi mejor trabajo esté aún por llegar”. En la gala del año siguiente, Paul ganó el Oscar al Mejor Actor Principal por su interpretación en El color del dinero.

El color del dinero (The color of money, 1986) era el proyecto por el Paul había esperado desde Harry e hijo. Fue el propio Newman quien decidió rescatar a Eddie “el buscavidas” Felson escribiendo él mismo un guión (posteriormente mejorado por Richard Price) según las líneas de la nueva novela de Walter Tevis, cuya obra inspiró también El buscavidas. Newman se volvía a armar con el taco de billar que había tirado al final de El buscavidas, donde comprendía que la moralidad estaba por encima del dinero, y arrancó una sobria y brillante interpretación haciendo madurar 25 años al personaje que encarnó en 1961 y que le reportó su segunda nominación a los Oscar. La Academia no se pudo resistir. “Acertada reflexión generacional. Brillante puesta en escena e inteligente guión (...) De la interpretación de Paul Newman, premiada con el Oscar, sólo puede decirse una cosa: impresionante”, rezaba desde nuestro país Fernando Morales del diario El País. Martin Scorsese se encargó de la dirección, como Paul quería (aunque en la carta adjunta al guión, Newman le llamara Michael en vez de Martin) y se contó para el papel del novato y talentoso principiante con un muchacho que acababa de empezar, pero al que Newman ya le había pronosticado un gran futuro, llegándole a decir “seguro que serás uno de los grandes de Hollywood”; se trataba de Tom Cruise. Éste y su posterior trabajo en Top Gun ese mismo año, lanzaron su carrera.

Tras la vuelta al tapete de Eddie, Newman volvió a la dirección, con su mujer ante las cámaras en El zoo de cristal (The Glass menagerie, 1987), su última película como director, e intervino en tres filmes casi consecutivos: Creadores de sombras (Fat man little boy, 1989), El escándalo Blaze (Blaze, 1989) y Esperando a Mr. Bridge (Mr. And Mrs. Bridge, 1990), último filme junto a su mujer, Joanne Woodward, tras 14 colaboraciones.

Casi con 70 años, en 1993, la Academia de Hollywood le galardonó con el Jean Hersholt Humanitarian Award por su labor en obras benéficas y su labor humanitaria en el campo del alcohol y la droga.

Volvió al cine en 1994 con El gran salto (The Hudsucker Proxy, 1994), un filme de los hermanos Coen donde Newman interpretó a un supervillano; y protagonizó, también en 1994, Ni un pelo de tonto (Nobody’s fool, 1994), un personaje hecho a medida, un compendio de Luke Jackson, Eddie Felson, Butch Cassidy o, incluso, el Henry Gondorf de El golpe, pero con unos cuantos años más y la frustración de un paro forzado. Todo un pillo sin un pelo de tonto que Newman interpretaría con maestría y que le reportaría su octava nominación a los Oscar como Mejor Actor. Para seguir con la tradición (sólo interrumpida en 1987) no le dieron la estatuilla; pero Newman ya estaba de vuelta. Además, en 1996, su hija menor, Melissa, le hizo abuelo dando a luz al primer nieto de Paul: Peter Elkind.

Pasaron cuatro años hasta que Newman volviera a actuar. No había prisa para escoger proyecto, y Al caer el sol (Twilight, 1998) parecía el correcto. Un gran papel, un reparto de excepción (Gene Hackman, Susan Sarandon, James Garner) y una historia de detectives a la vieja usanza, quizá demasiado clásica para gustar a la generación postmoderna de finales del siglo XX. La década de los 90 terminó con Mensaje en una botella (Message in a bottle, 1999), secundando y adoptando a Kevin Costner, en una historia sobre un romance marino donde Newman lograba aportar un poquito de personalidad.

El ocaso de una leyenda
Dos filmes y un homenaje han sido el legado de Newman para el último milenio. En un personaje que sin duda podía haber sido Butch Cassidy con 75 años y viviendo en nuestros días, Paul interpretó a un ladrón de bancos que simula una apoplejía (magistralmente) para salir de la cárcel y seguir haciendo de las suyas en Donde este el dinero (Where the money is, 2000). Este film, aunque divertido y entretenido, y con una buena interpretación de Newman y Linda Fiorentino, hubiera sabido a poco como última película de la gran leyenda que era ya Paul Newman. Numerosas ofertas llegaron a sus manos para volver a actuar, pero fue Spielberg como productor y Sam “American beauty” Mendes tras la cámara, quienes le convencieron. Newman tenía olfato, y su papel, y el proyecto en sí, era una delicia. En Camino a la Perdición (Road to perdition, 2002), Newman interpretó brillantemente a John Rooney, el padrino de una importante banda mafiosa que tiene como protegido a Michael Sullivan (Tom Hanks), hombre, que bajo un gran respeto hacia Rooney, realiza el trabajo sucio que le permite mantener a su familia. La crítica le respaldó. “Obra maestra (...) extraordinaria, reinventa el mejor cine negro sin traicionar los códigos de este glorioso género (...) Newman y Hanks bordan sus papeles” (Carlos Boyero, Diario El Mundo).

Newman tenía 77 años, y su interpretación le valió una nueva nominación a los Oscar, esta vez como Mejor Actor Secundario, aunque al final se hizo con la estatuilla Chris Cooper por su actuación en Adaptation. Camino a la perdición sería la última aparición del legendario actor de Ohio en la gran pantalla, ya que, posteriormente, actuó en tres producciones para televisión: Freedom: A History of Us (2003) Our Town (2003) y Empire Falls (2005).

El último adiós
En 1976, en pleno apogeo de su éxito, Richard Warren Lewis le preguntó en una entrevista como le gustaría ser recordado tras su muerte; esto fue lo que Newman respondió: “Me gustaría ser recordado como un hombre que trató de ser de su tiempo, de ayudar a la gente a comunicarse, que trató de producir algo decente en su propia vida. El recuerdo de alguien que ha sabido crecer sin celebrar demasiado sus victorias, que nunca estuvo totalmente satisfecho consigo mismo. El recuerdo de alguien que no fue amilanado por los fracasos. Porque hay que seguir intentándolo. Siempre. Eso es lo más importante”.

En 2006, Paul Newman estrenó una obra atípica en su filmografía, ultimada en los estudios de Disney/Pixar. Se trató de una película de animación sobre coches de carreras llamada Cars. Paul cedía su voz al automóvil protagonista del filme, igual que James Dean cedió su leyenda a Newman en The Battler. Una última aportación en el año de las bodas de oro de su debut como actor de cine. Un homenaje a una de sus más grandes pasiones, en el medio que creo su leyenda. El último adiós del indomable.

Teología y civilización, y una despedida

2009-04-09T17:01:00.002+01:00

Hay melodías que, por cualquier razón, uno encuentra maravillosas. Algún día te visitan, quizá en mitad de alguna película. Por espacio de unos te días te conviertes en su compañero y las veneras. Las repites durante días, andando por la calle, al entrar al trabajo con una sonrisa o al ir a la cama. Finalmente desaparecen. Y sin embargo, no se han ido; permanecerán en algún rincón oculto de la mente y, el día menos pensado, te asaltarán para hacerte de nuevo compañía.

Hace relativamente poco me reencontré con una de ellas. Se metió en mi cabeza por primera vez hace mucho, mucho tiempo, cuando Internet ni siquiera existía para mí. Ni siquiera conocía su nombre, pero sí su procedencia. Aquella melodía que me entusiasmaba formaba parte de la banda sonora de Conan el Bárbaro. Ni más ni menos: la hipermuscolosa película del no menos gobernador de la actual California.

Digo lo de Internet para que quede claro. Quizá la primera vez no pudiera atrapar aquella melodía, pero esta vez sí. Esta vez tenía las armas.

La banda sonora de Conan el Bárbaro fue compuesta por Basil Poledouris. En un principio se barajó la idea de ambientar la película con temas pop (¿Queen sonando en Conan, tal vez?). Al final triunfó la cordura y Poledouris se encargó de elaborar la temática de corte épico que acompaña al héroe durante la mayor parte de sus andanzas.

Entre todos los temas, Teología y Civilización emerge en el instante que más valoro de una película en exceso hipertrofiada. Me ha costado encontrar el momento en Tutubo. Al parecer, los legionarios fans de Conan prefieren el instante en que Arnold desea almorzar con las tripas de sus enemigos o cuando plantea a Crom una interesante disyuntiva: o bien le ayuda a alcanzar su venganza, o bien se marcha al infierno. Pero les pongo en antecedentes y ya me dicen si opinan lo mismo que yo.

Conan ha sido abandonado por su amo. Ya no es esclavo, y sin embargo, vaga como un perro de pelea por los desiertos. Sin apenas haber cruzado jamás dos palabras con nadie, poco recuerda de su infancia, más allá del culto a Crom, y la veneración de lo que le enseño su padre. Y es entonces, sólo entonces, cuando se encuentra con Subotai.

http://www.youtube.com/watch?v=-Jm-tH706qw

(la inserción del video se encuentra deshabilitada, lo siento)

Conan ha salvado a Subotai de perecer bajo las fauces de los lobos, pero sólo porque le ha parecido graciosa su respuesta. Quizá no tengan mucho en común, pero, a la noche, Conan inquiere: "¿a qué Dios rezas?". Subotai reza a los Cuatro Vientos y Conan a Crom, aunque no le escuche. Crom se ríe, desde su montaña, de los Cuatro Vientos. Subotai replica: los Cuatro Vientos son eternos, y viven por encima de Crom.

Ante la magnitud de la discusión teológica y visto el empaque dialéctico de los contendientes uno esperaría que, o bien el cimmerio austriaco machacara al recién rescatado colega o bien el arquero oriental tuviera a bien poner una flecha en el ojo del primero. Sin embargo, ambos ríen y dan por terminada la discusión teológica. Como deberían terminar todas.

Y a través de la teología, la civilización, con sus hedores y sus placeres, se le descubre a Conan por primera vez. La música de Poledouris se nos aparece entonces plena y maravillosa.

A lo largo de la película, la melodía vuelve a aparecer, con cuentagotas, alguna que otra vez. No importa: la mejor escena ya ha pasado. Y lo mejor es que, gracias a Internet, podemos disfrutar una y otra vez del momento, de ésta y de mil películas más. Eso, le pese a quien le pese.

Y atrapar la melodía, esquiva y revoloteadora y compartirla una y otra vez, con todos ustedes.

Y con esto me despido. No quería dejar este blog sin mandar un último adiós. Quizá algún día retome la escritura aquí, ya que tan bien me lo he pasado compartiendo mis opiniones. Pero eso será sólo si mis compañeros virtuales deciden darle un impulso a este moribundo CPC. Sólo no sólo no puedo, es que no me apetece: este blog es mucho mejor con todos.

PD: Por cierto, ¡ésta es la entrada número 200!

Homenaje a Edgar Allan Poe

2009-01-19T15:43:00.004+01:00

Hola.

Es posible que el blog este algo muerto, así que ya que es el día en que se conmemora el 200 aniversario del nacimiento de Edgar Allan Poe pues vamos a intentar una pequeña resucitación.

Aquí os dejo un corto animado del año 1953 sobre su obra "El corazón delator" que tiene como narrador a James Mason.

Yo lo vi de pequeñito cuando la TVE-1 emitía en blanco y negro. Puedo aseguraros que aquella noche no dormí y que estuvo presente en mis pesadillas infantiles durante algún tiempo.

Os recomiendo que lo veáis a oscuras.

Si os interesa la relación del cine y Poe os recomiendo que vayais a esta página del blog de Ramón Monedero.

Hasta la próxima.

De la que me he librado

2008-12-14T18:48:00.001+01:00

Eso es lo que debió de pensar más de uno al recordar aquel guión que le ofrecieron como "el futuro gran éxito del séptimo arte" o "la película que marcaría un antes y un después en el cine" y que una vez estrenada se convirtió en un rotundo fracaso.

Los anglosajones utilizan el término "flop" para definir a aquellas películas en las que se ha invertido una gran cantidad de dinero, esfuerzo y que luego resultan un fiasco. No hay que confundirlas con películas de serie Z o realizadas con pocas pretensiones. Dudo mucho que Peter George esperase su reconocimiento en el festival de Sundance por su "Surf nazis must die" o que George Clooney ganara el oscar al mejor actor por su papel en "Return of the Killer Tomatoes!". Los "flops" suelen ser superproducciones con un gran director, un elenco de actores de prestigio, y un gran guión, pero por alguna razón todos esos elementos se mezclan para producir una catástrofe. Y como suele decirse, cuanto más grandes son, más ruido hacen al caer.

Empecemos por el flop más clásico y probablemente mejor conocido por todos. "Cleopatra"

La primera actriz que se pensó para el papel de la mítica reina de Egipto fue Susan Hayward, pero dijo que no. Entonces se lo ofrecieron a Joan Collins, pues había protagonizado "Tierra de faraones" e incluso se realizó un spot publicitario con su nombre. Sin embargo parece que decidió finalmente que no quería verse encasillada en el papel de egipcia. La segunda estrella en la que se pensó fue la dulce Audrey Hepburn, pero también dijo que no. Así que el productor Walter Wanger le ofreció el papel a Elizabeth Taylor, que en ese momento estaba rodando "De repente, el último verano". Quien cogió la llamada del productor fue Eddie Fisher, el marido de la Taylor en ese momento. Éste le comunicó a su esposa la oferta y Elizabeth en plan broma dijo "Seguro, dile que por un millón de dólares". Wanger aceptó el salario y la Taylor se convirtió en la primera estrella en tener un sueldo de 1 millón de dólares.

Tampoco estuvieron las cosas claras para el papel masculino. Para Marco Antonio se pensó en Marlon Brando, pero este estaba ya comprometido para "El motín de la Bounty". Otros que fueron tanteados fueron Richard Johnson, Peter O'Toole, Laurence Harvey aunque quien se lo llevó fue Stephen Boyd. Para Julio Cesar se contrató a Peter Finch. Pero lo que ocurrió es que el comienzo del rodaje comenzó a retrasarse y Boyd y Finch se vieron obligados a dejarlo. Así que como sustitutos se contrató a Richard Burton y a Rex Harrison.

Aunque ahora se mira con unos ojos más condescendientes, "Cleopatra" fue uno de los mayores fracasos comerciales de la historia del cine. Costó 44 millones de dólares de aquella época y sólo recaudó la mitad. Teniendo en cuenta la inflación, el coste equivaldría a 295 millones de dólares, lo que la convierte en el tercer film más caro de la historia después de "Piratas del Caribe 3" y "Voina i Mir".

Hay otros flops que resultan tan desastrosos que acaban con la carrera de aquellos que intervinieron en su producción. Entre estos está "La puerta del cielo", una película que acabó con la carrera de Michael Cimino, el galardonado director de "El cazador" y con la United Artist. La historia está basada en lo que se conoció como la guerra del Condado de Johnson, una disputa de tierras en el Oeste americano. El primer guión fue ofrecido a John Wayne en 1970, pero prefirió dejarlo pasar. Parece ser que a Cimino le gustaban las historias del oeste y decidió llevarlo a cabo gracias a su recién adquirida fama. En principio se pensó como un western típico de bajo presupuesto en el que la United Artist pensaba gastarse 7 millones de dólares. Pero Cimino quería actores y profesionales de primera fila así que se elevó la suma hasta los 11 y medio.

Se contrató a John Willians para realizar la partirtura. Para la protagonista femenina se pensó en Jane Fonda, pero a esta no le gustó el guión. Entonces se pensó en Diane Keaton, que también lo rechazó. Finalmente la francesa Isabelle Huppert aceptó el papel. El rodaje fue mal desde el principio. La leyenda dice que la mitad del presupuesto se gastó en cocaína. Lo cierto es que Cimino se descubrió como un director tremendamente picajoso y detallista al que no le importaba destruir un set entero de decorados si estos no eran de su agrado. Comenzaron a acumularse retrasos y Willians abandonó el proyecto porque estaba comprometido con la realización de las partituras de "El imperio contraataca" y "En busca del arca perdida". El estudio intentó sustituir a Cimino por Norman Jewison, pero sabiamente declinó la oferta. El coste final fue de 40 millones de dólares y la película duraba 5 horas. Se recortó hasta las 3 horas, pero fue un absoluto fracaso.

Otras veces el flop parece producto de una maldición. Es el caso del novelista de best-sellers Clive Cussler. Para la adaptación de su novela "Rescatad el Titanic" a la pantalla se contrató al director Stanley Kramer. Pero éste demostró tener un sexto sentido para oler los naufragios porque a las dos semanas abandonó el proyecto por "diferencias creativas". Para sustituirle se contrató a Jerry Jameson, que había dirigido "Aeropuerto 77", (el del avión que se hunde en el mar). Se le ofreció el papel protagonista a Steve McQueen, que lo rechazó haciendo gala de la misma intuición. Tras el fracaso en la pantalla, Cussler prometió que no volvería a dejar que se adaptase una novela suya al cine. Debería haber seguido fiel a su promesa.

Veinte años después, Cussler accedió a que se adaptase otro de sus best-sellers. Se trataba de "Sahara". Inicialmente, Hugh Jackman iba a ser el protagonista comenzando el rodaje en octubre de 2001. Pero entonces vino el 11-S y se tuvo que aplazar. En 2003 se intentó retomar el rodaje, pero Jackman estaba metido de lleno en "X-men 2". Entonces se pensó en Tom Cruise, pero parece ser que se negó en redondo (¿Tendría Pe que ver con ello?). Por cierto, el papel femenino fue ofrecido a su amiga Salma Hayek por insistencia del propio Cussler, pero lo rechazó. En el 2005 la película llegó a las pantallas y aunque hizo una taquilla de 202 millones de dólares no llegó a cubrir los 281 millones que había costado.

Y para acabar ....

¿Qué tienen en común Chow Yun-Fat, Wesley Snipes, Jet Li, Vin Diesel y Silvester Stallone? Pues que todos ellos pudieron haber sido el personaje que finalmente interpretaría el actor español más famoso después de Bardem. Si señores, el incombustible Antoñito Banderas protagonizó junto a Lucy Liu la película "Ballistics Ecks vs Sever". Dicha producción está considerada por la web Rotten Tomatoes como la peor película de todos los tiempos. Se gastaron 70 millones de dólares y sólo recaudaron 20. Lucy Liu, la cabeza favorita del robot Bender no tuvo tanta competencia para su puesto. Se pensó en Michelle Yeoh (la protagonista de "Tigre y Dragón"), pero como su compatriota Chow, declinó la oferta.

Pues esto ha sido todo por mi parte durante este año. Espero que paséis unas felices vacaciones

Nos vemos en el 2009

¿Qué hubiera pasado si ...

2008-11-04T11:47:00.004+01:00

Si cualquier aficionado al cine escucha "El padrino" lo más seguro es que piense en la imagen de Vito Corleone susurrando en un inquietante claroscuro - Tengo una oferta que no podrá rechazar. Y sin embargo esa imagen podría haber sido totalmente distinta si el protagonista hubiera sido Burt Lancaster en lugar de Marlon Brando.

Porque Burt Lancaster estuvo persiguiendo el papel de Vito Corleone desde que supo que se iba a rodar la adaptación cinematográfica de la obra de Mario Puzzo. Llegó a suplicar una prueba de cámara a Coppola, sin ningún éxito. Pero Burt no fue el único candidato. Otros nombres sonaron para dicho papel como Edward G. Robinson, Orson Welles o Ernest Borgnine. Sin embargo ninguno lo consiguió pues Coppola tenía muy claro desde el principio que sólo había dos actores capaces de interpretar a Vito Corleone. Uno era Lawrence Olivier, pero estaba tan enfermo que rechazó el papel. El otro fue Marlon Brando.

Vito Corleone no es el único personaje que ha tenido más de una candidatura a ser interpretado. Ottro ejemplo es el de "Lawrence de Arabia". El productor Sam Spiegel anunció que sería Marlon Brando pero David Lean se negó en redondo. El propio Brando resolvió la disputa al aceptar el papel protagonista de "Motín a bordo". El siguiente en la lista fue Albert Finney. Realizó unas pruebas que están consideradas como increíblemente buenas, pero cuando se le ofreció el contrato lo rechazó en plan divo diciendo que esa superproducción podía destruir al actor que interpretase al protagonista. Así que medio a la desesperada se hizo una prueba a un actor teatral con fama de juerguista y mujeriego llamado Peter O'Toole. Éste se preparó a conciencia para la prueba pues comprendió que era una oportunidad única. Tuvo éxito y solo le pusieron una condición para darle el papel. Debía de operarse la nariz.

Pero probablemente el personaje con más "novias" fue el de Escarlata O'Hara para "Lo que el viento se llevó". David O. Selznick tuvo la genial idea publicitaria de hacer un casting a nivel nacional. En realidad él tenía muy claro que el papel de Escarlata debía de ser para una actriz profesional, pero cada vez que llegaba la caravana del casting a una ciudad estadounidense se creaba una gran expectación y evidentemente era noticia en todos los periódicos y radios locales. De todas formas, la busqueda de Escarlata fue larga. Entre las numerosas candidatas estuvieron Bette Davies, Lana Turner, Joan Fontaine, Susan Hayward, Katherine Hepburn, Carole Lombard, Joan Crawford. Entre las muchas candidatas Olivia de Havilland quedó finalista y se llevó el premio de consolación al interpretar a la virtuosa Melania. Pero el gato al agua se lo llevó Vivien Leigh.

En el otro extremo tenemos los papeles que son rechazados por las estrellas y estas luego quedan estrelladas. Es el caso de Andy Dufresne en la película "Cadena perpeuta". Es entendible que Tom Hanks lo rechazara porque en ese momento estaba metido de lleno con "Forrest Gump". Es menos entendible que lo rechazaran Tom Cruise y Charlie Sheen pues ambos eran los favoritos de la productora. Lo que ya es de risa es que Kevin Costner lo dejara pasar pues en ese momento iba a involucrase con la producción de "Waterworld". Probablemente ese fue el motivo de su calvicie pues creo que aun está tirándose de los pelos.

Con las féminas uno de los ejemplos más claros de oportunidad perdida es el de "Pretty Woman". La primera opción para el papel de Vivian fue para Molly Ringwald, seguida de Meg Ryan y de Michelle Pfeiffer, pero las tres lo rechazaron porque no se sentían cómodas interpretando a una prostituta. Daryl Hannah en cambio lo rechazó porque consideraba que el papel era degradante para las mujeres. Valeria Golino pensaba que su acento italiano no iba con el papel. Jennifer Jason Leigh inicialmente aceptó pero luego decidió retirarse. Finalmente Julia Roberts aceptó ese papel de cenicienta moderna que la llevaría a la fama.

Y es que uno no sabe donde puede saltar la liebre.

Crítica: El Caballero Oscuro

2008-10-26T14:33:00.001+01:00

...o Batman nisesabe.

¿Creían acaso que se habrían librado de la sensación cinematográfica del verano (al menos en USA)? Pues no, haganse a la idea. Este es un blog de cine y si todos los blogs de cine han dedicado centenares de posts a la película de Christopher Nolan, nosotros no íbamos a ser menos. Lo que vamos a ser es un poco retrasados -se entiende- y vamos a hablar de la película cuando ya está absolutamente todo dicho sobre ella. Somos así. Nos gustan los retos.

En realidad, yo fui a ver la peli la primera semana del estreno. Pero como la presión de recomendar me abruma, escribo sobre ella cuando mi opinión ya no cuenta para casi nada.

Supongo que, por lo general, la película ya la habrán visto y no les voy a desvelar nada nuevo, y que ya habrán leído todo lo que se puede leer acerca de las opiniones que de la película El Caballero Oscuro han inundado la red. Que si Shakespeare, que si la mejor película de superhéroes, que si Oscar póstumo... en fin, todo un dechado de elogios. Excepto Mi Mesa Cojea. No se le tiene en cuenta porque al fin al cabo es un blog que pretende provocar. Y es cierto que tan aclamada recepción mosquea un poco.

¿Merece la película tantos elogios?. Yo creo que sí. De este modo los apresurados ya se pueden saltar el resto.

El Caballero Oscuro

Director: Christopher Nolan
Guión: Jonathan Nolan, Christopher Nolan, David S. Goyer
Actores: Christian Bale, Heath Ledger, Aaron Eckhart, Michael Caine, Maggie Gyllenhaal, Gary Oldman, Morgan Freeman
Año: 2008

Sinopsis

Un tenebroso personaje, el Joker -Heath Ledger-, ha irrumpido en la dura lucha que mantiene la policía y fiscalía de Gotham contra el crimen organizado. Brutal y despiadado de cruel nihilismo, su objetivo es sólo uno: poner a Batman al borde de un ataque de nervios. Pero Batman -Christian Bale- ha subido el Everest en camiseta y no es de tipo histérico, el ataque de nervios lo sufre entonces el espectador. A través del puro terror, el Joker lleva a la ciudad a una situación límite, donde Batman, el inspector Gordon y el fiscal Harvey Dent (Aaron Eckhart) se replantearán sus funciones para detener al malvado payaso.

Opinión

No me gusta subir en montañas rusas. Ni en el barco pirata. Lo digo porque, sencillamente, no me parece una sensación agradable. Tampoco las películas de miedo, porque me dan miedo. (Soy un tío coherente con los géneros). Batman, el Caballero Oscuro me puso los pelos de punta y me encogió el estómago un par de veces. Pero también, por otro lado, hubo un par de momentos en los que estuve a punto de ponerme de pie y aplaudir en mitad de la sala.

El Caballero Oscuro es una película a la que le sobra Batman para ser un thriller de acción y suspense de gran calidad. La presencia del superhéroe tan sólo sirve para clasificar el film en una categoría donde destaca claramente sobre los productos de los últimos años. Género donde, por otro lado, abundan las hipérboles y los vacíos argumentales. Quizá por ello sorprenda tanto esta película.

No diré que la trama argumental de El Caballero Oscuro sea un prodigio, porque no lo es. La duda moral que se le plantea al superhéroe se resume en determinar hasta que punto puede impartir justicia alguien fuera de la ley. La duda del fiscal es en cambio inversa: cuándo la legalidad debe extralimitarse para cumplir sus objetivos. A todo esto se le suma una tímida tensión emocional por parte de la ex de Batman que ahora está liada con el famoso fiscal. Está muy bien, pero de ahí a ser una tragedia shakespeariana va un largo.

Lo que es la película es intensa, hasta decir basta. La culpa de todo ello es del Joker (que es quien realmente parece tener poderes en la película). Ejerciendo de siniestro titiritero coloca a cada personaje -y al espectador- en la incertidumbre y el miedo absoluto. Finalmente la ciudad entera termina bailando al son de las bombas. Por lo general el espectador pasa la película tratando de averiguar cuál será la siguiente jugada del Joker.

Un Joker magistral, que nos aterra y nos cautiva, interpretado a la perfección por Heath Ledger. Un Joker que extrañamente nos convence y nos introduce en su lógica (o ausencia de ella) perversa y que es capaz de provocarnos escalofríos con una única frase. ¿Por qué no sonríes?.

No se puede comparar esta película con las primeras, firmadas, por Tim Burton. No ya porque a éste el cómic creado por Bob Kane le importó bien poco y fabricó a su Batman. Es que sencillamente las primeras entregas palidecen en cuanto a realismo en comparación con El Caballero Oscuro. El maravilloso Joker de Jack Nicholson es un extravagante bufón a cuyo lado uno viviría a gusto con tal de no estar cerca del nuevo villano. Resulta impensable imaginar a un Batman sin modulador de voz. Parece una tontería, pero marca una clara diferencia. Es la pérdida de la inocencia en las películas de superhombres, la que nos hacía creer que Superman no sólo vuela, sino que además con gafas está irreconocible.

El caballero Oscuro es una película coral, y ese es otro logro. Batman cede el protagonismo a Aaron Eckhart y la película retrata el ascenso y caída de Harvey Drent, destinado a ser el sucesor del justiciero enmascarado si no fuera por la aparición del incontrolable Joker. Se habla mucho del Oscar póstumo a Ledger, pero lo cierto es que Aaron Eckhart también realiza un papelón.

En fin, no deseo que la crítica se extienda demasiado. Lo mejor es verla y, si es posible, adquirirla. En mi opinión, esta película debe suponer un estímulo para los jóvenes directores ahora que el cine de superhéroes ha tomado cierto impulso. Es posible crear historias donde los efectos especiales y poderes sobrehumanos se integren en la trama sin robarle el protagonismo. Donde la victoria de bueno, predecible en el cine, no cause toda la satisfacción que debería.

Incluso siendo derrotado el cruel payaso.

Lo mejor: que mi chica se lo pasó en grande, como yo mismo.
Lo peor: quizá una excesiva duración del film.

Si quieren un poco más de información les dejo con un par de blogs realmente interesantes que vienen a cuento de la película:
Iconografía del Joker, por el Predicador Malvado.
El dilema del prisionero, de Historias de la Ciencia.

Mundo Pasmado

2008-10-18T18:47:00.001+02:00

De vez en cuando escuchamos noticias que nos dejan pasmados.

En el festival de Sitges de este año, se ha presentado la película Blindness, la adaptación realizada por el brasileño Fernando Meirelles de la novela de Jose Saramago "Ensayo sobre la Ceguera".

Me encantaría poder comentar mi asombro por el valor de Meirelles de llevar "Ensayo sobre la Ceguera" a la gran pantalla (novela de complicada adaptación por... no voy a contar demasiados detalles, mejor leeerse el libro). También podría hablar de lo pasmado que me quedé cuando me enteré que estaba protagonizada por Julianne Moore (yo la verdad, le ponía una cara más portuguesa mientras leía la novela)...

...pero mucho me temo que el motivo de mi desconcierto es otro un poco más mundano. Parece ser que la película viene cargada de polémica, ya que la asociación americana de ciegos ("National Federation of the Blinds") ha decidido boicotearla por el trato vejatorio a las personas invidentes.

A falta de ver la película, y usando como referencia las novelas, no creo que haya que ser tan duro: "El ensayo sobre la Ceguera" no habla de los ciegos, sino de la ceguera (y no una ceguera al uso) como excusa para hacer una reflexión sobre la sociedad misma. Os animo que leáis (y vayáis a ver la película) para que forjéis vuestra propia opinión.

Si nos pusiéramos tan melindrosos, cuántas cosas nos habríamos perdido, me imagino protestas por:

101 Dálmatas por la Asociación de Peleteros
Último Tango en París por la Cofradía de fabricantes de mantequilla
Casablanca por la Federación de fabricantes de agua con gas

¿Se os ocurre alguna más?

Por fin es viernes. Estrenos 10 de octubre

2008-10-10T00:01:00.002+02:00

Título: Happy. Un cuento sobre la felicidad
Título Original: Happy-go-lucky
Género: Drama
Nacionalidad: Reino Unido
Director: Mike Leigh
Guión: Mike Leigh
Reparto: Sally Hawkins, Alexis Zegerman, Andrea Riseborough, Sinead Matthews, Kate O’Flynn, Sarah Niles, Eddie Marsan, Sylvestra Le Touzel, Karina Fernandez, Stanley Townsend, Samuel Roukin, Caroline Martin, Oliver Maltman, Nonso Anozie
Sinopsis: Poppy (Sally Hawkins) es profesora de primaria en una escuela en Londres. Es una mujer alegre, divertida, optimista, un espíritu libre que se toma la vida tal como viene. Un día, al salir de una librería descubre que le han robado la bici, pero en lugar de enfadarse reacciona con buen humor y de manera relajada. Decide así no comprarse otra bici y aprovechar para sacarse el carné de conducir. Su instructor se llama Scott y es un neurótico de unos treinta años que no encaja muy bien con el carácter abierto y hablador de Poppy. Más bien contrasta radicalmente con la naturaleza amable de su alumna. Poppy ignorará los comentarios desagradables de Scott e intentará tomarse su desacertada actitud con humor. A medida que se conozcan, Poppy acabará enseñando al instructor más de lo que él puede enseñarle a ella...
Trailer

Título: La Conspiración Del Pánico
Título Original: Eagle Eye
Género: Thriller
Nacionalidad: USA
Director: D.J. Caruso
Guión: Dan McDermott, John Glenn, Travis Adam Wright, Hillary Seitz
Reparto: Shia LaBeouf, Michellle Monaghan, Rosario Dawson, Billy Bob Thornton, Michael Chiklis, Anthony Azizi, Anthony Mackie, Lynn Cohen
Sinopsis: Jerry Shaw (Shia LaBeouf) y Rachel Holloman (Michellle Monaghan) son dos desconocidos que se encuentran por culpa de una misteriosa llamada de teléfono de una mujer a la que no conocen. Amenazando sus vidas y a sus familias, consigue que Rachel y Jerry se metan en situaciones cada vez más peligrosas, utilizando la tecnología de la vida cotidiana para seguir todos y cada uno de sus movimientos. A medida que las cosas se complican, estas dos personas normales y corrientes se convierten en los fugitivos más buscados de USA, y tienen que colaborar para averiguar qué está pasando en realidad y, lo que es aún más importante, por qué. Luchando por sus vidas, se convierten en marionetas de un enemigo sin rostro que al parecer cuenta con ilimitados poderes para manipular todo lo que hacen.
Trailer

Título: Quemar Después De Leer
Título Original: Burn After Reading
Género: Comedia, Thriller
Nacionalidad: USA
Director: Joel Coen, Ethan Coen
Guión: Joel Coen, Ethan Coen
Reparto: George Clooney, Frances McDormand, Brad Pitt, John Malkovich, Tilda Swinton, Richard Jenkins, Elizabeth Marvel, Jk Simmons
Sinopsis: Inspirada en la novela "Burn before reading: Presidents, CIA directors, and secret intelligence", escrita por el Almirante Stansfield Turner (director de la CIA desde 1977 a 1981). El analista Osborne Cox (John Malkovich) llega al cuartel general de la Agencia Central de Inteligencia (CIA) en Arlington, Virginia, para una reunión ultrasecreta. Por desgracia para él, el secreto no tarda en salir a la luz: le han despedido. Cox no encaja muy bien la noticia y regresa a su casa en Georgetown, Washington DC, para entregarse a la redacción de sus memorias y a la bebida – el orden no altera el producto. Su esposa Katie (Tilda Swinton) está consternada, aunque no parece muy sorprendida. Ya hace tiempo que tiene una aventura con Harry Pfarrer (George Clooney), un agente federal casado, y empieza a hacer planes para dejar a Cox por Harry. En un barrio a las afueras de la capital, en un mundo totalmente diferente, Linda Litzke (Frances McDormand), empleada de Hardbodies Fitness Centers (Gimnasios Cuerpos Duros), tiene dificultad para concentrarse en su trabajo. Sólo piensa en hacerse la cirugía plástica total y decide confiar su plan a su compañero Chad (Brad Pitt). Linda no se da cuenta de que Ted Treffon (Richard Jenkins), el director del centro, está loco por ella y se cita con otros hombres a través de Internet. Cuando un disco de las memorias del analista de la CIA llega accidentalmente a manos de Linda y Chad, los dos deciden sacar provecho de esta casualidad. Pero Ted se preocupa con razón: “No puede salir nada bueno de esto”. Los acontecimientos se precipitan en una serie de oscuros e hilarantes encuentros fortuitos.
Trailer

Título: Santos
Título Original: Santos
Género: Comedia Ciencia Ficción
Nacionalidad: España, Chile
Director: Nicolás López
Guión: Nicolás López
Reparto: Javier Gutiérrez, Elsa Pataky, Leonardo Sbaraglia, Guillermo Toledo, Pablo Pinedo
Sinopsis: Salvador Santos -obeso, casi calvo y con 33 años- (Javier Gutiérrez) no parece la persona adecuada para vestirse de héroe. Pero no tiene otra opción, especialmente desde que un extraño viajero interdimensional (Guillermo Toledo) le advierte de que su mejor amigo, el multimillonario y guapo Arturo Antares (Leonardo Sbaraglia), es en realidad Nova, un tirano de otra dimensión que se ha ocultado durante años en el cuerpo de Arturo. Nova podría hacer que nuestros dos universos imploten, y Salvador tendrá que detenerlo... aunque no lo quiera. Después de resistirse mucho, Salvador aceptará ser entrenado y descubrirá que años dibujando y leyendo comics no han sido en vano. Especialmente si siendo un héroe podrá rescatar a Laura Luna (Elsa Pataky), el amor de su vida, de las manos de Nova.
Trailer

Título: Sexykiller
Título Original: Sexykiller
Género: Comedia, Terror
Nacionalidad: España
Director: Miguel Martí
Guión: Paco Cabezas
Reparto: Macarena Gómez, Cesar Camino, Alejo Sauras, Angel De Andrés, Nadia Casado, Andreu Castro, Carolina Bona, Fernando Ramallo, Juan Díaz, Ramón Langa, Lucciano Federico, María Lanau
Sinopsis: El Campus de una exclusiva facultad de Medicina comienza a sembrarse de cadáveres. La policía no tiene ninguna pista de quién es el responsable de la carnicería. Nadie sospecha de Bárbara (Macarena Gómez), una joven de aspecto inocente cuya única preocupación parece ser la moda. Sin embargo, bajo esa fachada de frivolidad, se oculta la más letal e implacable de las asesinas. “SexyKiller” nos descubre un nuevo y escalofriante sentido del término "Fashion Victim". La asesina de “SexyKiller” es el cruce perfecto entre Paris Hilton y Hannibal Lecter: Tiene el carácter de un psicópata caníbal y un fondo de armario repleto de diseños exclusivos que sólo luce una vez … Porque siempre acaban perdidos de la sangre de sus víctimas.
Trailer

Título: Tres Mujeres Y Un Plan
Título Original: Mad Money
Género: Comedia
Nacionalidad: USA
Director: Callie Khouri
Guión: Glenn Gers, Callie Khouri
Reparto: Diane Keaton, Queen Latifah, Katie Holmes, Ted Danson, Adam Rothenberg, Stephen Root, Roger Cross, Christopher McDonald, Finesse Mitchell
Sinopsis: Bridget Cardigan (Diane Keaton) es un ama de casa de clase media que aparentemente vive el sueño americano, con una casa en una urbanización, con jardín y criada. Un año y medio después de que su marido, Don Cardigan (Ted Danson), haya perdido su trabajo de director en una gran empresa –y su mujer todavía no lo sabe–, el matrimonio está a punto de perderlo todo, incluida la casa. Cuando Bridget lo descubre, se busca un trabajo en el Banco de la Reserva Federal de conserje, el único puesto para el que está cualificada. Allí conoce a Nina Brewster (Queen Latifah), una madre soltera y trabajadora que vive en los suburbios con sus dos niños. Nina se pasa el día alimentando una trituradora con millones y millones de dinero viejo y deteriorado. A pesar de ser una empleada trabajadora y de confianza que lleva muchos años en el puesto, como les sucede a muchos empleados, Nina vive al día. No le llega para ahorrar ni un céntimo. En cuanto Bridget convence a Nina de que se plantee participar en el plan para apropiarse de algo de dinero de la Reserva Federal, ambas buscan una tercera cómplice, una de las empleadas que transporta las carretas de billetes. Finalmente, eligen a Jackie Truman (Katie Holmes), una muchacha joven, de espíritu libre que no necesita más argumentos para unirse a la trama. Las tres forman un equipo indivisible al darse cuenta de que cada una posee un elemento clave para conseguir todo el dinero que siempre habían soñado o necesitado… pero sólo si trabajan juntas.
Trailer

Título: Una Conejita En El Campus
Título Original: The House Bunny
Género: Comedia
Nacionalidad: USA
Director: Fred Wolf
Guión: Karen McCullah Lutz, Kirsten Smith
Reparto: Anna Faris, Colin Hanks, Emma Stone, Kat Dennings, Katharine McPhee, Rumer Willis, Tyson Ritter, Christopher McDonald
Sinopsis: Shelley Darlington (Anna Faris), ‘conejita’ Playboy, lleva una vida sin preocupaciones hasta que es expulsada de la Mansión Playboy. Sin ningún sitio donde ir, el destino la introduce en las vidas de un grupo de chicas universitarias poco integradas socialmente, que perderán su residencia universitaria si no logran atraer a nuevos miembros. Para que consigan su objetivo, Shelley tiene que usar todos sus trucos y darles un curso intensivo sobre maquillaje y sobre hombres. Al mismo tiempo, Shelley aprende duramente que ella necesita algo que las chicas tienen: espíritu de individualidad. Cuando la belleza se une a la inteligencia todas aprenden a dejar de fingir y empiezan a ser ellas mismas.
Trailer

Estreno recomendado de la semana: "Quemar después de leer" ("Burn After Reading")

Y para que podáis consultar los horarios y los cines de vuestra ciudad:
La Netro

La Guía del Ocio

Homenaje a Paul Newman (I)

2008-10-02T20:49:00.001+02:00

Como todos sabéis, Paul Newman falleció el pasado 26 de septiembre a causa de un cáncer de pulmón. Su muerte ha sido una gran pérdida para todos los amantes del cine. "Curioso pero de cine" ha elaborado su propio homenaje a este gran actor. Desde hoy y en tres entregas, podréis leer en este blog un reportaje biográfico centrado en la carrera del actor de Ohio.

* * *

Paul Newman había entrado en el edificio. Toda la actividad paró. Todos los ojos apuntaban a la estrella, secundada por sus compañeros de reparto. La frenética actividad del edificio de la Bolsa de Chicago se redujo a una quietud absoluta. Nadie contrataba, nadie contestaba los teléfonos. El tiempo parecía detenerse a su paso. Paul Newman, el actor mejor pagado del momento, había puesto sus pies en el parqué. Era abril de 1973; Newman, Robert Redford, Robert Shaw y el director George Roy Hill habían sido invitados por un broker a visitar la Bolsa de Chicago durante el rodaje de El Golpe. Sin embargo, la leyenda de Newman había comenzado mucho tiempo antes.

Los primeros pasos
Paul Leonard Newman nació el 26 de enero de 1925 en Shaker Heights, Cleveland, Ohio. Los ojos azules más famosos del cine echaron su primer vistazo en el frío invierno de Cleveland, en el seno de una familia acomodada. A Paul, nunca le faltó de nada, aunque su padre le educó para que conociera el valor de las cosas. Durante su niñez, no mostró ninguna inclinación importante por la interpretación, salvo dos pequeñas obras teatrales cuando aún iba al colegio de primaria. Durante su adolescencia, tuvo diferentes trabajos, mientras nacían en él los primeros brotes de rebeldía: vendió sandwiches en el Palacio de la Carne y, poco después, incluso se puso a vender enciclopedias de casa en casa. Ganó, con estos trabajos insustanciales, 500 dólares que invirtió en montar una obra teatral (por entretenimiento, casi sin vocación) en la que gastó 495, los otros cinco dólares le valieron para tomar su primera copa.

En 1941, cuando los japoneses atacaron Pearl Harbour, Newman, como muchos jóvenes de la época, abandonó temporalmente sus estudios de Económicas y Dirección de Empresas y se alistó a la Marina. Como voluntario para piloto, fue enviado a Yale para recibir un curso especializado. Ese era el lugar que Paul necesitaba. Newman encontró en Yale un aire nuevo, un universo mucho más amplio que nada de lo que había conocido. Pero le duró poco. A los cuatro meses, una revisión rutinaria reveló un defecto en sus ojos (¡en sus ojos!): era daltónico. Este asunto le apartó del sueño aéreo y fue destinado al Pacífico como operador de radio. La guerra pasó, para Newman, tan rápido como había llegado. Tras el conflicto, en 1946, y con una beca militar del gobierno, se dispuso a reanudar sus estudios, pero, esta vez, en el Kenyon College.

Apuntando maneras
Por suerte para el cine, la guerra le había hecho madurar y aclarar sus ideas. Tenía claro que el teatro era el camino. La Universidad estaba organizando una obra de teatro llamada Primera Plana y Paul echó el resto. Se presentó a la prueba para el papel principal y lo consiguió; papel que Newman recuerda muy bien: “Tuvimos una gran acogida. Me incliné varias veces y, por primera vez, tuve conciencia de estar actuando”. Paul se volcó en la actuación y apareció en varias producciones de la Universidad, y, pese a que la actuación sólo había sido, en principio, una escapada, Newman encontró su camino sobre las tablas.
-
Ya con el título en sus manos (papel que poco le importaba), en 1949 se dirigió a Williams Bay, Wisconsin, con un contrato para una gira teatral de verano. Tras la gira, Newman se unió a otra compañía teatral, The Woodstock Players, donde intervino en obras como Cyrano de Bergerac, Suspect, El Zoo de Cristal (que, 40 años después, él mismo llevaría al cine) y John y Mary, donde, dándole la réplica como actriz principal, conoció a una rubia de ojos castaños llamada Jackie White. Fue un flechazo. Tras un romance relámpago, en la primavera de 1950, la pareja se escapó para casarse y, al final del verano, volvieron a unirse a la compañía. Newman actuó en 16 obras después de su boda y, tras esto, decidió tomarse un descanso del teatro para trabajar en una granja cercana a Woodstock, mientras Jackie esperaba el nacimiento de su primogénito, el malogrado Scott.
-
Ese mismo año, el padre de Paul cayó gravemente enfermo. Newman regresó a Shaker Heights y cogió las riendas del negocio familiar, olvidando por un tiempo la actuación. Los negocios se le daban bien y la tienda prosperaba. Unos meses más tarde, Arthur murió. Paul resolvió vender el negocio y, mientras se completaba la transacción, trabajó en diversos lugares, entre ellos, recogiendo pelotas de golf en un club, para limpiarlas y devolverlas a un saco. La clase de rutina que le sacaba de sus casillas.
-
En 1951, Newman decidió cambiar de vida y, con Jackie y el pequeño Scott al lado, dejó Shaker Heights para siempre. Con sus modestos ahorros, volvió a Yale y se matriculó en la Escuela de Arte Dramático. Allí, participó en varias obras (nada importante); pero su talento era evidente para los demás. Presentes en una de las obras (una función sobre la vida de Beethoven), estaban los agentes teatrales Liebling y Wood, que elogiaron, olvidándose de los demás, el trabajo de Newman como sobrino del músico. Quizá con este encuentro empezó todo. Paul sabía que estaba en el camino correcto y, aunque eso suponía dejar sus estudios, se fijó el objetivo que cambió su vida: Broadway.

Comienza la leyenda
Paul y Jackie se lanzaron a la aventura de la Gran Manzana y se dieron un año de plazo para averiguar si él tenía algo que hacer en el feroz mundo de Broadway. Paul se marchaba cada mañana a New York con su mejor traje (el único decente que tenía) para lograr encontrar un trabajo. Newman era un hombre afortunado. Con asombro para el propio Paul, encontró su primer trabajo en la televisión: una breve aparición en el telefilme The March of Time, donde interpretaba a un anciano y por lo que cobró 65 dólares (quién le iba a decir a él entonces que llegaría a ser el actor mejor pagado del año repetidas veces). Tras pequeños papeles en otras producciones de televisión como Tales of tomorrow o Suspense, no tardó mucho en llegar su primer papel fijo en una serie, The Aldrich Family. Poco a poco se estableció en la televisión trabajando regularmente y su rostro se tornó familiar para el público. Para entonces, Jackie ya había alumbrado a la segunda hija de la pareja, Susan, y casi a la par, Newman logró un papel en el musical Our Town.

De mano de unos viejos conocidos (Liebling y Wood) que le pusieron en contacto con el dramaturgo William Inge, Newman accedió a un casting y logró un papel en Picnic, la obra de teatro que marcaría el inicio de la leyenda. Su papel no era el protagonista, sino el de un universitario inexperto que pierde la novia (y su orgullo) ante un compañero de clase más baja; pero las críticas fueron inmejorables. El New York Daily News declaraba: “El niño rico ha sido muy bien interpretado por Paul Newman”; el New York Post afirmó: “El joven Paul Newman ha hecho un estupendo trabajo”; y R. Coleman, del New York Daily Mirror, sucumbió a Newman con un simple y rotundo “excelente”.

Picnic se representó en el teatro durante catorce meses y, con la seguridad económica que eso le daba, podía plantearse la idea de entrar en el Actors Studio, el sueño de cualquier actor. La suerte le acompañaría también aquí. La admisión dependía de dos pruebas: una frente al público y la otra frente a críticos tan notables como Elia Kazan. Una chica que también realizaba las pruebas para entrar en la prestigiosa academia necesitaba un chico para un papel de apoyo, y se lo pidió a Newman. Paul aceptó y la ayudó a que funcionase. El mundo giró inesperadamente y pocos días después de la prueba de la actriz, Paul recibió la noticia de su ingreso en el Actors. Técnicamente, él no había realizado la prueba, pero su papel de apoyo le había asegurado la plaza en la academia del Método. Talento en estado puro.

En el Actors, Newman aprendería todo lo que se puede aprender y entablaría amistad con estudiantes como Geraldine Page, Eli Wallack o Rod Steiger. Pero la amistad más importante de su vida la estableció con Joanne Woodward, una hermosa y talentosa actriz. La conoció poco antes de pisar las tablas de Picnic, y ninguno se llevó una buena impresión del otro. Sin embargo, el destino les volvió a juntar en esa obra de teatro (ella sustituía a dos de las actrices) y ambos recordaron su primer encuentro, se conocieron mucho mejor y floreció entre ellos una gran amistad personal y profesional.

Mientras tanto, Newman empezó a llamar la atención de las figuras de Hollywood, siempre en busca de caras nuevas. Newman era ya bastante conocido en New York y Hollywood parecía el siguiente paso. Pero Paul era reticente a la meca del cine. Muchos de sus compañeros del Actor’s hablaban de Hollywood con desdén, aunque en el fondo envidiaban a los elegidos. Era el momento. Newman tenía entonces 30 años, toda una carrera por delante y un contrato con la Warner Brothers para 7 años. Poco después de clausurarse Picnic, Paul decidió marcharse a California. Jackie y los niños se quedaron en Long Island, y Paul, no sin recelo, se marchó hacia el estrellato.

Un actor en la meca del cine
Los temores de Paul con respecto a Hollywood se confirmaron en cuanto puso los pies en el estudio de la Warner. A los ejecutivos les preocupaba más el color de su pelo y el dinero que podía recaudar, que su nivel de actuación. El talento de los actores y que se adecuaran a los papeles que se les daba era secundario; Hollywood estaba en el negocio del lucro. Newman no se encontraba a gusto, él se sentía actor más que estrella. Además, todos allí se regían por el “star system”, y el alcoholismo, la drogadicción y la pérdida de dignidad estaban a la orden del día. Por supuesto, había actores que se rebelaban contra eso: Humphrey Bogard, Kirk Douglas, Jack Lemmon, John Houston… Newman no se iba a dejar seducir por Hollywood y se unió a estos rebeldes, iba a ser un nuevo indomable.
-
Por si esto fuera poco, lo primero que la Warner le tenía preparado podía haber acabado con su carrera antes de empezar: El cáliz de plata (The Silver Chalice, 1955), donde Newman interpretaba el papel secundario de un esclavo griego llamado Basil. Fue, sin duda, una de las peores películas de los 50 y uno de los mayores fracasos de la Warner. Años después, cuando la televisión emitió este filme, Newman publicó un anuncio en la prensa pidiendo perdón a los espectadores por la horrible película.
-
Paul consiguió este papel tras un casting con el malogrado James Dean. James se quedó con Al este del edén y Newman se quedó con el cáliz. Paul se arrepentía cada día más de haberse ido a Hollywood. Las cosas no funcionaban en la pantalla grande, pero, por suerte, el teatro le rescató. Durante la última semana de rodaje, Paul consiguió el papel protagonista en la obra Horas desesperadas, y su trabajo logró apartar la pesadilla griega; las críticas a su interpretación fueron inmejorables.
-
El Cáliz de Plata fue un fracaso rotundo para la taquilla y para la crítica (tuvieron que emborrachar a Paul para que fuera a verla al cine), y, mientras la Warner se pensaba qué hacer con su nuevo fichaje, Newman continuó con el teatro y yendo al Actors dos veces por semana. En los años 50, las películas para televisión era de gran calidad, y Newman encontró en ellas un buen lugar para demostrar su talento, por lo que grabó varios filmes para la pequeña pantalla.
-
Ese mismo año la Warner cedió a Newman a la Metro-Goldwyn-Mayer y éstos le reclamaron para un nuevo proyecto llamado Traidor a su patria (The Rack, 1956), donde Newman interpretaría a un oficial americano acusado de colaborar con los comunistas en Corea. Esta jugada salió bien. La película tuvo un aceptable éxito de crítica y público y Paul se reconcilió con el cine.
-
Un desgraciado accidente ocurrido el 30 de septiembre de 1955 cambió las perspectivas laborales de Newman. James Dean, el actor de moda de Holywood, murió al volante de su Porche Spyder, dejando un gran hueco en la meca del cine. Paul y James iban a trabajar juntos en un telefilme llamado The Battler, en el que Paul secundaba al boxeador que interpretaría Dean. La muerte del “rebelde sin causa” fue un duro golpe para Paul, habían sido grandes amigos desde que llegó a Hollywood, y su primera impresión era que The Battler no podía continuar sin James. Sin embargo, los productores le ofrecieron el papel de Dean en el filme, y Newman, tras ciertas dudas, lo aceptó como homenaje a su difunto amigo. Todo su mundo estaba apunto de cambiar.

DESCANSE EN PAZ

2008-09-28T01:31:00.002+02:00

PERMANECERÁS

SIEMPRE VIVO

EN NUESTROS CORAZONES

Parecidos Razonables

2008-09-27T19:34:00.000+02:00

El tedio, a veces, es fuente de curiosos pensamientos... y más cuando la fuente del tedio es la Teletienda. Gracias a la TDT disfrutamos de incontables horas más de Teletienda, y entre tanto anuncio, siempre podemos rescatar algo curioso pero de cine

Les presento al Chef Tony, maestro vendedor de cuchillos que lo cortan todo como la mantequilla (...y la mantequilla, ¿cómo la cortarán?), y otras muchas otras soluciones para el hogar, que cambiarán drásticamente tu vida, como una tapa multi-usos, cortadores de patata... etc...etc

Y que conste que os traemos lo mejor de la Teletienda, porque este simpático "cocinero" ha sido un maestro en el oficio, introduciendo en el sector las demostraciones hiperactivas, donde se mezclan hielo con tomates...

Pero basta de presentaciones, con ustedes: El Chef Tony

El caso es que el look me resulta familiar...

Chef Louis, La Sirenita

Si el Chef Louis hubiera usado los cuchillos de su clon Tony, les aseguro que Sebastian no llegaba al final de la película, para desgracia de algunos, y goce de otros

La expectación, las buenas peliculas y la falta de perspectiva en las criticas de cine

2008-09-20T15:12:00.004+02:00

De tanto en tanto conozco a alguien que me cuenta algo así como: "pues sí, últimamente me he puesto a ver cine, y tengo una lista de las películas que debería ver para ser un buen cinéfilo/cinéfila" bueno, el discurso no es exactamente así, pero creo que se coge la idea.

Aparte de que el hecho de que tener que haber visto ciertas películas para poder decir que te gusta el cine sea o no una tontería, la cuestión es que siempre que te incorporas o te empiezas a interesar por una afición tienes que empezar por algún sitio. Lo normal con el cine es preguntar a los amigos, o echarle un vistazo a lo que dice la crítica (o cada vez mas comúnmente ver que puntuación tiene en filmaffinity o imdb). Pero llega la hora de ver la supuesta obra maestra y resulta que te parece un muermo. Pero claro, ahora a ver con que cara le dices a tus amigos que ha sido una porquería de peli cuando todos la han puesto por las nubes. La cuestión es que te has creado una idea de como debería ser la película, y si es diferente a tu idea preconcebida en cuanto a trama o calidad, ya no te parece que haya valido la pena.

Pero, ¿que hace buena a una película?
Podría decirse que los actores, la historia, la dirección, los efectos especiales (si, a veces los efectos hacen buena a una peli malilla) o una mezcla de todo lo anterior. Para mi lo que hace buena a una película es el la empatía que consiga que sienta yo con su universo particular. De como se consigue eso no tengo ni idea, pero sí tengo alguna teoría.
Por ejemplo, creo que cuanto mas cariño se ponga en una producción, mas cariño se recibirá del publico que la disfrute. Pero aquí también hay un handicap, y es que para conseguir esta relación con el espectador, para que no se distraiga de lo que le quieres transmitir, hay una serie de "trucos" que suelen venir muy bien a los guionistas; seguro que todos hemos visto un mismo gag repetido en cientos de películas diferentes, y he ahí donde reside el problema: cuanto mas te expones a algo mas te acostumbras y menos efecto tiene.
Quiero decir que cuando has visto un numero considerable de películas casi todo te parece previsible, los gags no tienen gracia y acabas valorando la película por la calidad de los actores o por lo bien que el director mantuvo el pulso con ese plano de cámara en mano. Eso es falta de perspectiva, y nos trae a donde estamos ahora, a un mundo donde critica y taquilla pocas veces coinciden. Lo cual, por cierto, tampoco es necesariamente malo, aunque da una referencia equivocada al joven incauto que se fía demasiado de dichas críticas.

¿Qué se puede sacar de todo esto, aparte de cierto dolor de cabeza?, pues un par de cosillas.
La primera es que siempre hay que ir a ver una película sabiendo lo menos posible y pensando que no va a ser muy buena, de esta forma se puede valorar cada película como lo que es: un pasatiempo sin pretensiones, una obra experimental, una gran super producción o una película de culto. Estas son unas categorías como otras cualquiera, que me sirven para decir que un pasatiempo sin pretensiones, por ejemplo, puede ser tan bueno como una película e culto, pero nunca serán comparables entre si, y una no debería hacer desmerecer a la otra.

Lo segundo que hay que recordar es que toda visión es subjetiva, y si no expresas la tuya las de los demás te dominarán, y eso es algo que nunca se debe permitir, no puedes ir por la vida pensando que tal película es buena si cuando la viste te pareció horrorosa. Aunque por supuesto que debemos ser permeables a las opiniones ajenas, es importante forjar un criterio lo mas independiente posible.

Y con todo esto pues ya aprovecho para decir: Ciudadano Kane es una autentico tostón infumable (ya está, lo he dicho :D) y quizás en otra ocasión haga el sacrificio de volverla a ver para detallar aquí por que me gusta tan poco, todo sea por este blog.

Kevin Smith

2008-09-10T06:05:00.000+02:00

¿QUÉ TIENEN EN COMÚN TODAS ESTAS CARAS?

-Pasa el cursor por encima de la foto y verás el nombre
-Haz click en la foto y podrás leer su filmografía

ESTA OTRA:

Efectivamente, este tío es la brillante mente que ha unido tantas caras famosas (vale, unas más que otras), y ha conseguido que numerosos espectadores conozcamos las caras de sus amigos de la infancia.

Nacido en New Jersey (¡qué novedad!), profesa una admiración por su ciudad como la de Woody Allen por su Manhattan (sólo hay que ver sus películas). Mientras trabajaba como dependiente en una tienda de comestibles (que además todos conocéis porque es la de Clerks), decide enfocar su futuro al cine, matriculándose en la Vancouver Film School. Comienza a escribir Clerks. Conoce a Scott Mosier. Conoce a David Klein. Los tres deciden que hay que rodar Clerks, pero ¿cómo? no hay dinero... Pues nada, Kevin vuelve a la tienda de comestibles, vende su preciada colección de cómics y busca dinero donde no lo hay. Y ruedan Clerks. En 21 días. En 16 mm. En blanco y negro. 27.000 dólares.

Mosier produce, monta y mezcla. Klein se ocupa de la fotografía y Kevin se ocupa del guión, de la dirección, de la producción y del montaje. Y de paso, todos actúan interpretando a 8 personajes distintos, a lo más puro Monty Python. Fue un éxito en el Festival de Sundance. Miramax se interesó y preguntó: "Kevin, ¿qué vas a hacer ahora?" Y Kevin pensó que si decía que ésta era la primera película de una trilogía, lo más probable es que le dejaran grabar otras dos. La productora se lo creyó.. y así nació La Trilogía de New Jersey.

Recuperadas su anterior posición económica y su colección de cómics, Kevin comienza en 1995 (pasado un año el estreno de Clerks) la segunda película de su improvisada trilogía. Decantándose por el lado cómico de sus guiones, con un presupuesto de ocho millones de dólares y con su antiguo equipo (Scott y David), Kevin rueda Mallrats, que es un fracaso en taquilla, (cosa que personalmente no me explico porque a mí me encantó). Pero por lo menos Smith se dio el gustazo de hacer un homenaje a una de sus mayores aficiones: los cómics. Aún así, esta película fue una gran oportunidad para conocer a un gran elenco de actores y acercarse más a las grandes compañías.

Y de ahí a la última parte de la trilogía: Persiguiendo a Amy. Para compensar el lado cómico de Mallrats, e imagino que a causa del poco éxito de ésta, Kevin decide explotar la perspectiva dramática de sus historias, intentando enlazar las tres películas no tanto en la parte argumental sino en las conexiones familiares de los personajes, y en pequeños guiños que pueden pasar perfectamente inadvertidos.

Las tres partes tienen algo en común, que es lo que caracteriza a las películas de Kevin Smith: diálogos ocurrentes, ingeniosos, divertidos y políticamente incorrectos. Bueno, y a Jay y Bob el Silencioso, claro.

Para cuando terminó con la trilogía, su nombre ya tenía prestigio y su cine era reconocido. Había forjado amistad con Ben Affleck durante las dos películas en las que habían trabajado juntos, y éste decidió incluir en el fregado a Matt Damon, en su nueva película: Dogma. Aunque Damon no es la única cara conocida. En esta cuarta parte de la 'trilogía', valga la incoherencia (os recuerdo que en principio sólo era una excusa), participan nombre tan conocidos como Alan Rickman (Harry Potter, El Perfume), Salma Hayek (Abierto Hasta el Amanecer, Frida, Traffic), Linda Fiorentino (MIB, Jo qué noche), Chris Rock (Arma Letal 4, El clan de los Rompehuesos) , que ya había participado en Chasing Amy, interpretando a un negro gay que se hace pasar por hetero hiper racista.

Dogma fue vista por un público masivo que desconocía la existencia de las películas anteriores. Por eso, mucha gente se mantuvo al margen de los chistes recurrentes de los ya viejos amigos Jay y Bob, que protagonizaron, por fin, la que iba a ser su última película (aunque luego no fue así, paciencia, que también lo contaremos): Jay y Bob el Silencioso contraatacan.

Jay and Silent Bob strike back es un título referido claramente a la Guerra de las Galaxias: Imperio contraataca. Si uno no cae en la cuenta con el título, lo hace al ver el logo.

Es más, en el reparto Smith cuenta con Mark Hamill (Luke Skywalker), haciendo de supervillano, y con Carrie Fisher (Princesa Leia), interpretando a una monja de paciencia limitada. El director aprovecha también esta entrega para cerrar las relaciones entre los personajes de las películas anteriores: De Clerks aparece de nuevo Randal, el encargado del videoclub, Dante, el protagonista dependiente del Quick Stop, de Mallrats aparece Tricia Jones, la quinceañera que escribía el bestseller pornográfico. De Persiguiendo a Amy, hacen cameo Holden (Ben Affleck), el protagonista que se enamora de una lesbiana; también Banky (Jason Lee), y Alyssa Jones, la lesbiana.

Algunos tienen más de un papel: Ben Affleck hace de sí mismo, Matt Damon también, de sí mismo y de Will Hunting, Shannen Doherty hace de sí misma, aunque aparece también como René de la película Mallrats. También hacen de ellos mismos Wes Craven, Jason Biggs, James Van Der Beek, y otros muchos.

Y cuando parecía que por fin esta serie había terminado, Smith prometió que si su amigo Jason Mewes (Jay) dejaba las drogas, haría una segunda parte de Clerks. Afortunadamente para Jason y para los fans, las dejó, y Smith cumplió su palabra. En septiembre de 2006 se estrenó Clerks II, con un reparto que incluía los viejos amigos del director, es decir, los actores originales de Clerks, y con alguna otra sorpresa, como la esposa de Kevin Smith y madre de sus hijos, Jennifer Schwalbach, como Ethan Suplee (Mallrats, el que buscaba el barco de vela en 3D), Ben Affleck, que ya no puede faltar a ninguna película de Smith, y Jason Lee, otro clásico de estas películas.

Kevin Smith dirigió Jersey Girl, que protagonizó, ¡cómo no!, Ben Affleck, y en la que participaron, además de las anteriores, nuevas caras como Will Smith, la preciosa Liv Tyler, y la sensual Jennifer Lopez. Este director, actor, guionista de cómics y productor es para muchos frikis como yo, la mejor demostración de que con perseverancia, un poquito de suerte, y una dosis abundante de talento se pueden conseguir los más altos sueñor (por lo menos los Hollywoodienses).

Trailer de Harry Potter 6

2008-09-06T11:53:00.003+02:00

Para los fans del niño mago, os dejamos a mano el teaser trailer de la película que se iba a estrenar en noviembre, pero que según la Warner, por razones comerciales se ha pospuesto a julio del 2009. Tiene buena pinta, luego ya sabemos que se trata de gustos. Disfrutadlo.

Crítica: Hellboy II

2008-09-05T09:08:00.001+02:00

¡Ya he visto Hellboy!. El entusiasmo viene a cuento de que, como alguna vez he reconocido, me encantan las pelis de superhéroes. Y si son superhéroes que fuman puracos y beben cerveza a granel, aún más. Por eso tenía muchas ganas de ver ésta película. Sin embargo, como la economía tampoco es que vaya demasiado bien, tenía que elegir entre ir a ver al cine la película del demonio rojo... e ir a ver la estupenda - maravillosa - requeteguay - obra-que-te-cagas película del Caballero Oscuro. Opté por ver la primera en mi ordenador y, si acaso fuera muy buena, volver a verla en el cine. Pero no fue el caso.

Creo que cuando a Guillermo del Toro le criticaron el exceso de efectos especiales y poca chicha de Blade respondió algo así como: es una película de un medio-vampiro que mata vampiros. ¿Qué esperaban, a Blade leyendo Shakespeare?. Y tenía razón. Una película no precisa ser intelectualmente compleja. En muchos casos basta que sea entretenida e interesante. A mi Hellboy (la primera) me lo pareció. Pero veamos que tal me fue con la segunda película.

Hellboy II - The Golden Army

Director: Guillermo del Toro.
Guión: Guillermo del Toro, Mike Mignola.
Actores: Ron Perlman, Selma Blair, Doug Jones, Jeffrey Tambor, Luke Goss, Anna Walton.
Año: 2008

Sinopsis

La Oficina Federal para el Estudio de lo Paranormal sigue con sus actividades secretas. ¿Secretas?. Bueno, no tanto, porque Hellboy -Ron Perlman- empieza a estar un tanto cansado de permanecer en la sombra y le resulta difícil no hacerse notar: mide dos metros, es rojo y ha salvado a la humanidad al menos una vez. Así que no es extraño que pretenda darse a conocer al gran público. Tanto afán de notoriedad empieza a perturbar su relación con Liz (Selma Blair), pero eso es lo de menos. Lo de más es que las criaturas del mundo mágico reclaman la Tierra para sí, sin humanos de por medio. ¿Qué hará entonces Hellboy?. ¿Defenderá a unos humanos que le ven como un monstruo? ¿salvará su relación con Liz? ¿Conseguirá el pez (Doug Jones) echarse novia?. Más emoción imposible.

Crítica

Curiosamente en tiempos de precuelas, ésta es una secuela. Repiten casi todos los actores excepto Myers para quien inventan un destierro a Alaska que se supone arroja a Liz a brazos de Hellboy. Pues vale, considero normal buscar un novio distinto tras una ruptura. La primera película cuenta con la ventaja de poder dedicar tiempo a presentar unos personajes que están bastante bien logrados. Pero la segunda ya los tiene... ¿qué harán los guionistas con ellos?.

Bueno, algún personaje nuevo sí que se presenta, pero vamos, que que ni por actuación ni papel merece la pena detenerse en ellos. El malo (Luke Goss) es una especie de elfo con cara enferma y su hermana (Anna Walton) también, pero es buena. El nuevo bueno no tiene ni cara. Ni historia que contar, excepto que es alemán y se comporta tal y como los (norte)americanos suponen deben ser los alemanes¹. En la película aparecen tropecientas criaturas de diferentes aspectos que se mueven por el mercado en hora punta. Sólo eso: se mueven.

Podrían existir varios aspectos que habrían dotado a la trama de profundidad e interés, respetando todos los mamporros que Hellboy recibe y aporta. El primero, la dificultad en la relación entre el protagonista y Liz, que pasa por horas bajas. La cosa no va muy lejos y se resuelve con el efecto Blancanieves (no sé qué nombre técnico tendrá). Otro tema de interés podría ser el dilema al que se enfrenta Hellboy y que le plantea el malo malísimo: ¿merece la humanidad ser salvada?. ¿Seguro que no sería mejor el triunfo de las criaturas mágicas? ¿Cuánto hermoso se perderá si Hellboy extermina a éstas?. El dilema moral dura medio minuto, aproximadamente.

Por lo demás, lo que se esperaba. Muchos tiros, leches y galletas. Adobado todo ello con el carácter de Hellboy, que hay que reconocer es magnético. La película también nos deja un momento irrepetible cuando Hellboy y Abraham, bolingas perdidos, entonan a dúo una canción de amor. En todo eso la película no defrauda. Por otro lado tengo la idea de que, a estas alturas, hablar de efectos especiales magníficos es una tontería. Todos son magníficos.

Por último un detalle que me desilusionó. En el trailer de la película vemos a Hellboy haciendo explotar cosas al ritmo de Mein Herz Brennt (mi corazón arde), la primera canción del espléndido e histórico álbum de Rammstein: Mutter. Esperaba con ansiedad el momento de escuchar la música durante la película... y al final nada. Pues vaya decepción. Incluso podrían haber sacado al grupo en la película sin desentonar demasiado: la media de altura de sus componentes supera con facilidad los 1'90. Y ya tienen experiencia como actores en xXx, ¿no?

Lo mejor: lo bien que me cae Hellboy.
Lo peor: No hacía falta Shakespeare, tan sólo excavar un poco más donde ya estaba marcado.
Mi opinión: Bueno, pues no iré a verla al cine, pero es entretenida.

¹ Como curiosidad, al alemán le pone voz Seth MacFarlane, el creador de Padre de Familia.

Wall-E

2008-08-31T07:00:00.006+02:00

Sinopsis

En el año 2700, en un planeta Tierra devastado y sin vida, tras cientos de solitarios años haciendo aquello para lo que fue construido -limpiar el planeta de basura- el pequeño robot WALL•E (la abreviatura de Waste Allocation Load Lifter Earth-Class) descubre una nueva misión en su vida (además de recolectar cosas inservibles) cuando se encuentra con una moderna y lustrosa robot exploradora llamada EVE. Ambos viajarán a lo largo de la galaxia y vivirán una emocionante e inolvidable aventura... (FILMAFFINITY)

WALL•E, mucho se ha hablado ya de esta película, y lo que le queda.
Quiero empezar descubriéndome: sí, soy un fiel seguidor de todas y cada una de las películas de Pixar, y aunque intento ser crítico con las de menor calidad, que no por ello malas (Cars y Toy Story 2 por ejemplo) bien es cierto que tengo una predisposición favorable al ir a ver una de sus películas. Dicho esto continúo diciendo que tenía grandes esperanzas con esta en particular, y ya se sabe, que a mayor espectación menor es el impacto y más regulera te parece la película. Pues NO. WALL•E es ahora mismo y sin ninguna duda la obra cumbre de su director Andrew Stanton, de Pixar y probablemente la mejor película del año, quizás con el permiso de la película de el Joker, estoo, quiero decir de Batmam ;).

La película se divide en 2 actos claramente diferenciados, en el primero vemos una gran ciudad americana asolada por la basura, y como único habitante a nuestro amigo WALL•E, el último superviviente de un batallón de limpieza de robots como él. Sin pronunciar una sola palabra, el carisma del pequeño robotito, consigue explicárnoslo todo; claramente influenciado por mi querido Johnny 5, sus emociones son como una cascada de realidad en un mundo y un paisaje totalmente irreal. Vemos cómo curiosea entre nuestra basura, cómo se las apaña para sobrevivir y sobre todo cómo se siente: brutalmente solo. La empatía con el personaje es tan grande que en ninguna ocasión recuerdas estar sentado mirando una pantalla, solo te preocupa que no le pase nada. Esto, que ocurre desde los primeros 10 min de película, se prolonga durante toda la cinta.

Hacia la mitad de esta primera parte llega Eva, con una misión que realizar que no revelaré por que es mejor ver la película sabiendo lo menos posible. Y WALL•E se enamora, algo totalmente comprensible, pues el carácter de Eva y esa estructura minimalista al estilo Apple que luce son una auténtica gozada. Siguen unas cuantas escenas cómico/románticas absolutamente deliciosas y más tarde viene el segundo acto, donde se ponen manos a la obra con la trama principal.

En esta segunda parte se podría decir que es mas "típica" de una película dirigida a un público infantil. Transcurre en la Axiom, una nave espacial donde unos humanos aletargados se dedican a una vida de placer e inactividad a la espera de volver a la tierra. Me pareció apreciar en ciertas escenas algo de condescendencia hacia el espectador, sobre todo cuando salen en pantalla los pasajeros de la Axiom, pero es tan ligera la sensación, que pasa desapercibida; el publico adulto disfrutará tanto o más que los pequeños con esta película, y apreciará sus moralejas, en absoluto cargantes, pues están totalmente integradas en el argumento de la película y siempre con un aire cómico que suma puntos al guión.

Me gustaría hacer una mención especial a la banda sonora, por que es absolutamente perfecta, es fácilmente la mitad de la película y convierte a WALL•E, junto con otros méritos, en una obra maestra.

*Algunos apuntes con spoilers*

Algunos piensan que la película pierde en su segunda mitad, y no estoy de acuerdo, creo que es el desarrollo que debía seguir. Al fin y al cabo no es una película de cine independiente o experimental, en la que puedan pasársela entera con escenas en silencio de un planeta desolado, que esto no es 2001, aunque tenga referencias de ella :D. El conflicto, la acción y el desenlace feliz son los pilares que consiguen que la película siga adelante, con un ritmo de la acción perfecto en todos los sentidos, lo que hace que no pierdas detalle en ningún momento. Y no creo que WALL•E debiese permanecer sin memoria, porque a mi me partiría el alma, así que no quiero imaginar lo que le haría a un niño de 8 años...

*Fin de spoilers*

En esta película Pixar da lo mejor de sí misma y supera cualquier expectativa que pudiese haber creado. La animación, con algunas escenas con la cámara en la lejanía, como si estuviésemos espiando la acción desde un arbusto, eso es maestría. La banda sonora es épica. Y por último, la atención a los detalles es tan grande que absolutamente todo tiene su explicación, no hay nada dejado al azar. Esta película está hecha con tanto mimo, que da verdadera pena salir del cine cuando acaba.

Los extras que carecieron de gloria

2008-08-25T22:29:00.006+02:00

Sí amigos, el cine es así de ingrato. La fama, el dinero y el reconocimiento recaen siempre en las caras visibles de los films, en nuestros héroes, cayendo en el olvido infinidad de personajes anónimos cuya labor es esencial para considerar un arte el cine.

Bud Spencer no seria nadie sin esos clientes de bar que sufren la ira del grandullón. A Elvis le componían las canciones y pocos saben del tercer tripulante del Apollo XI en su llegada a la Luna.

Hoy rindo homenaje a esos desconocidos, en un clip recopilatorio de grandes escenas donde dichos extras cumplieron su labor y fueron borrados del metraje, o desestimada su aparición a favor de otros seres. Un despropósito que merece ser enmendado.

Falsos Secretos del Cine

2008-08-23T21:45:00.001+02:00

Queridos Espectadores,

El Mundo del Cine está lleno de secretos... finales que se cambian, guiones que se modifican o actores, que a última hora no gusta a los Productores. Pero Curioso Pero de Cine, en su más fiel interés informativo, os descubre algunos de estos secretos, tan vilmente ocultados... Mucho ponemos en juego, pero poque ciertas cosas, merecen ser contadas aún a cuenta y riesgo de las terribles consecuencias.

Por ejemplo, a muchos no les ha gustado el nuevo 007, Daniel Craig, en Casino Royale. Pero lo que muy poca gente sabe, es que la primera opción se parecía menos a Sean Connery...

Con ustedes, Gump Royale

Pero aún no terminamos con Tom Hanks. Pocos saben que la primera versión de Salvar al Soldado Ryan difería bastante de la actual. Spielberg se sintió presionado por la A.R.U (Asociación de Ryans Unidos) para que Salving Private Ryan no fuera...

... Where's Private Ryan, ¡la comedia del verano!

Cambiando de tercio, la fama es peligrosa, puede destruir la carrera de una estrella, pero gracias a ella, podemos llenar post y post como este. La siguiente historia es de un actor por todos recordado que por sus excentricidades y sus problemas de sobrepeso obligó a un director ocultarlo de escena... y no me refiero a Marlon Brando en Apocalypse Now... Para saber quién es, os recomiendo que veáis este fragmento de Cloverfield.

Queridos espectadores, y es que youtube está lleno de misterios y secretos, sólo hay que saber dónde buscarlos...

Otra serie de médicos: Scrubs

2008-08-19T22:20:00.001+02:00

J.D. (John Dorian), un joven feo de narices, interno en el hospital Sagrado Corazón, trabaja con la casi guapa y totalmente paranoica Elliot, su mejor amigo el cirujano Chris Turk,la enfermera Carla Espinosa, un cruel y trastornado conserje cuyo nombre ignoramos (no porque seamos unos vagos, es que no lo dicen), el sarcástico y terrible Dr. Cox y el inhumano jefe de medicina, el Dr. Kelso.

Este equipo es el grupo principal de personajes de la serie Scrubs, que se emite en algunos canales, pero señores, como yo no veo la tele los tengo en DVD. Una serie de tantas sobre un hospital, como puede ser Urgencias, solo que esta es una comedia, como puede ser House, solo que esta es más intrascendente, como Anatomía de Grey, solo que todavía más inocua. Y es que en esta serie nos da igual que se mueran los pacientes, que diagnostiquen correctamente o que prosperen en su trabajo. Lo que nos importa es cuál será la nueva gamberrada que le jugará el conserje a JD, qué maquiavélica respuesta tendrá preparada el Dr. Cox para cualquiera que se le acerque, cuál será la nueva belleza que conocerá JD y que inexplicablemente acabará en su cama (repito, el protagonista es feeeeeeo), el nuevo cotilleo de la enfermera, la nueva metida de pata de Elliot, es decir, sus vidas personales, que realmente tampoco nos importan, porque no es una serie profunda.

Entonces ¿para qué verla? Porque es hilarante, rápida, de diálogos intensos, con situaciones extremadamente divertidas, porque aunque no es profunda, acabas por sentir empatía por casi todos sus personajes, porque no tiene risas de esas que te dicen cuándo se supone que te tienes que reír. Y además, el protagonista tiene una fértil imaginación que aparece representada como si de la realidad se tratase. Yo, a veces, me siento identificada.

Como os he dicho, JD es difícil de mirar, pero es extremadamente expresivo. Zach Braff es el nombre del actor, y ya hizo sus pinitos en alguna película de Woody Allen y otras series. Las malas (o buenas) lenguas dicen que antes fue mimo, pero yo no he conseguido contrastarlo con ninguna fuente. En cuanto pueda, os lo confirmaré.

En lo que llevo yo visto de serie, ya han pasado Michael J. Fox, Brendan Fraser, Heather Graham, Tara Reid y Matthew Perry.

¡Ah! lo olvidaba. Scrubs es en inglés el uniforme de los médicos, por si os lo habíais preguntado.

Bueno, que la veáis, y los que la habéis visto ya, contadnos qué os ha parecido.

Crítica: Hancock (desde los 11 años)

2008-08-03T13:26:00.000+02:00

Esta entrada no la escribo yo. Bueno, sí que la escribo yo, pero me dictan. Porque yo soy un poco vago y he decidido emplear a mi hermano de 11 años, para que me haga las críticas. Esperemos que no se enteren los responsables de Ministerio de Trabajo, no sea que me caiga una buena por no estar en Tailandia o Sudán. Bueno, no se enfaden los tailandeses o sudaneses lectores del blog: en realidad no sé si allá los niños trabajan. En cualquier caso, una forma nueva de ver una película en este blog.

Y a partir de aquí empieza a 'escribir' mi hermano.

La película que vamos a comentar es Hancock, que es una película de acción, de superhéroes. Aunque un superhéroe un poco raro, como verán después. La película la vi en el cine y me habían dicho que era mala, pero la fuente que me lo dijo tampoco era muy de fiar. Por ejemplo me dijo que Kung Fu Panda era muy buena y a mí no me gustó tanto como Hancock. En el cine había bastante gente y me gustó mucho que en la sala la gente se lo pasara bien con la película y a veces participara un poco, pero riéndose y sin molestar.

Hancock

Director: Peter Berg.
Guión: Vincent Ngo, Vince Gilligan.
Actores: Will Smith, Charlize Theron, Jason Bateman, Jae Head.
Año: 2008.

Sinopsis

Hay un superhéroe (Will Smith) en Los Ángeles. Salva vidas, pero lo destroza todo. Para salvar una vida destrozó un tren entero. Por eso a la gente de la ciudad no le gusta. Le piden que se vaya, aunque a él lo que piensan los otros le da igual. Pero resulta que al que ha salvado en el tren es una asesor de imagen y le ayuda a ser mejor persona. Porque Hancock (que así se llama el superhéroe) es borracho y maleducado. Pero cuando lo consigue se tiene que enfrentar a unos atracadores que conocen la debilidad de Hancock.

Opinión

Es una historia original, porque es un superhéroe especial: que no se parece a Superman, aunque tiene unos poderes muy parecidos (Superman lanza rayos por los ojos y Hancock no). Al principio a nadie le gusta y todos quieren que se vaya y luego no. Eso lo consigue con el asesor de imagen, que le dice que se deje meter en la cárcel para luego, cuando haya un atraco, la gente quiera que Hancock les ayude. Y entonces Hancock, ya educado, soluciona el problema.

Al asesor de imagen Ray Embrey (Jason Bateman) Hancock le cae bien porque salvó su vida y decide ayudar en lo que pueda a Hancock. Un momento gracioso es cuando el asesor le recomienda felicitar a los policías por su trabajo y luego cuando Hancock llega al lugar del atraco grande felicita a todos los policías que se encuentra, uno por uno, diciendo "buen trabajo".

La película en general es muy graciosa, por el carácter de Hancock. En la cárcel los reclusos que él había encarcelado, que eran la mayoría, vamos, le intentar propinar una paliza y entonces Hancock les pega. En la película hay bastantes insultos [esto viene a petición del hermano mayor], no paran de llamarle capullo, pero el insulto más grande lo dicen en un idioma extranjero y esa parte no la subtitulan.

A lo largo de la película no se sabe bien de dónde viene Hancock. Se supone que es de una raza de algo, pero no se sabe de qué. Se llama Hancock porque, tras despertarse tras un golpe sin recordar nada toma el nombre de una marca de cerillas que llevaba en el bolsillo. Y al final de la película nos quedamos sin saber más. Tal vez hacen una segunda.

Hay acción casi todo el rato, sólo están los ratos en que él está en prisión y el asesor busca cómo limpiar la imagen del héroe. En las películas de superhéroes suele haber un malo principal y poderoso, pero aquí los malos son personas normales que encuentran un punto débil de Hancock y casi le matan. Los efectos especiales están bien y el mejor es cuando se rompe todo el tren.

Hay un poco de misterio en la debilidad de Hancock y un poco de sorpresa, aunque pasa algo raro que no se puede explicar muy bien aquí.

En fin una película entretenida, aunque en vez de volverla a ver, vería otra.

Lo mejor: que tiene mucha sorpresa y es original.
Lo peor: que es bastante grosero.
Mi opinión: Una peli de acción para ver en el cine.

[Y ahora escribe Delirium] A mí no me pregunten acerca de la película. No la he visto. Yo me he encargado tan sólo del aspecto gramatical, ortográfico y html del post. He dirigido con preguntas, claro, todo el escrito, para darle la forma a la que estamos acostumbrados. Pero si comentan algo de la película sepan que lo consultaré a mi hermano a ver qué les contesta. Un saludo a todos y espero que les haya parecido bien la idea.

¿Son incompatibles la cerveza y el cine?

2008-07-28T16:20:00.004+02:00

Como dentro de poco me voy de vacaciones de verano y no se si este blog va a seguir funcionando, quiero hacer una aportación, esperando que no sea la última.

Cuando se oye la palabra "verano" hay muchas cosas que acuden a la cabeza de uno. Por ejemplo, vacaciones, calor, helado y por supuesto, cerveza. Con el permiso de Delirium, voy a comentar la relación entre el cine y la refrescante y sabrosa bebida. Y en opinión de este amante de la cerveza, desgraciadamente es una relación bastante pobre.

Si me hubiera decidido a hacer una entrada sobre cine y vino lo habría tenido bastante fácil. Tanto, que probablemente me habría dado para más de un post. El mundo del vino en sus diferentes facetas, desde su elaboración hasta su venta, ha sido reflejado generosamente por el séptimo arte. A bote pronto se me ocurren las siguientes películas: "Entre copas", "Un paseo entre las nubes", "Un buen año" o "French Kiss", "Esta tierra es mía" y "Sangre y vino". Adicionalmente, hay un montón de películas en las que el vino aparece como un toque de distinción o clase. ¿Quién no ha deseado alguna vez pedir una botella de Dom Perignon del 53?

Pero ¿Y la cerveza? No digo que no haya películas en las que la cerveza haya tomado un cierto papel estelar. Sin embargo, al contrario de lo que ha pasado con el vino, creo que no hay ninguna cinta famosa en la que veamos la pasión depositada en el proceso del malteado y la subsiguiente fermentación. Ni el reposo reflexivo de su maduración. O ningún romance, tormentoso o gracioso, que transcurra entre campos de cebada. Ni recorridos entrañables entre las microcervecerias de Bélgica.

Por supuesto, si uno busca por internet bajo las palabras clave "beer and movies", encontrará una lista de sitios con películas en las que el dorado líquido tiene un cierto protagonismo. Una de las primeras páginas se titula "Top 10 Beer Movies". Y bajo tan sugestivo título se encontrará con las siguientes:

1. The Fatal Glass of Beer (1933)

2. Three Little Beers (1935)

3. The Lost Weekend (1945)

4. Leaving Las Vegas (1995)

5. National Lampoon's Animal House (1978)

6. Terciopelo Azul Blue Velvet (1986)

7. Los caraduras. Smokey And The Bandit (1977)

8. Beer (1985)

9. American Beer (2004)

10. Entre copas. Sideways (2004)

Cuando leí la lista me entró una profunda depresión. En dicha lista hay dos películas que tratan del alcoholismo. Otra está protagonizada por un psicópata que no le gusta la Heineken y prefiere la Pabst Blue Ribbon. En aquellas que aparece "beer" en el título, dos son comedias de los años 30 y las otras dos son documentales. ¡Incluso hay una que trata del vino y no de la cerveza! Ya puestos, podríamos incluir en la lista "Gangs of New York" porque una de las bandas tiene su guarida en una fábrica de cerveza.

Pero justo es reconocerlo, la cerveza tiene menos protagonismo que el vino en el cine. Si bien es cierto que cuando suele aparecer lo hace para intentar reflejar la amistad o la camaradería. El epítome de ese tipo de películas es sin duda "El hombre tranquilo" de John Ford. Una gran parte de la película transcurre alrededor del pub de Innisfree y el apoteosis es la pinta compartida en medio de la lucha entre Sean Thorton y Will Danaher.

Hay otros grandes momentos de amistad cervecera como por ejemplo la escena del techo en "Cadena perpetua". Pocas veces se ha representado tan bien lo que significa una cerveza fría en un día de calor

Otros episodios cinematográficos en que la cerveza es imprescindible es cuando hay un gran banquete, sobre todo si se desarrolla en la época medieval. Los cuernos rebosantes de espuma no pueden faltar en dichas comidas pantagruélicas. En ese caso, mi escena predilecta es el banquete que se desarrolla en la película "Los vikingos". Para mi es inolvidable el momento en que Kirk Douglas sustituye en el lanzamiento de hachas al marido cornudo.

Pero si de historia y cerveza hablamos, creo que la secuencia más curiosa es una que pertenece a "Sinuhé, el egipcio". En un determinado momento Sinuhé tiene una conversación con la madre del faraón, la cual se nos muestra bebiendo cerveza. Sinuhé incluso llega a advertirle sobre el nocivo efecto que tiene su abuso.

Y para terminar, una película en la que se habla de uno de los componentes esenciales de la cerveza pero en el que generalmente no pensamos. Se trata de el lúpulo, y la cosecha de dicha planta viene reflejada en la película "La insoportable levedad del ser". Creo que es la única vez que dicho proceso está reflejado en una obra cinematográfica.

Nada más, que disfrutéis del verano y de la cerveza fresquita, si es que dicha bebida os gusta.

¡Salud!

Crítica: Sweeney Todd

2008-07-19T17:06:00.001+02:00

Por si alguien tenía ciertas dudas, este blog todavía vive. Poco, hay que reconocerlo y conectado a unas cuantas máquinas que le dan el soporte vital. Si esta es una bella forma de autocalificarme máquina es algo que dejo a su elección. Y también si eso es bueno (como en Cortocircuito) o malo (como en Terminator).

El caso es que en pleno debate acerca de la eutanasia activa o pasiva, me pregunto (y así lo he hecho a través de los canales secretos de los que disponemos) si no será mejor dar muerte a tan bello e histórico blog. Pero bueno, eso lo dejaré para la discusión interna. Y ya informaremos a los lectores habituales... si es que queda alguno.

De momento vamos haciendo marcha con las últimas entradas: una buenísima del Major Reisman. Y esta modesta crítica del último producto de videoclub: Sweeney Todd, la última fantasía de Tim Burton, a quien en este blog se le ha dedicado bastante espacio. Sin más les dejo ya con:

Sweeney Todd (The Demon Barber of Fleet Street)

Director: Tim Burton.
Guión: John Logan, Stephen Sondheim (obra de teatro).
Actores: Johnny Depp, Helena Bonham Carter, Alan Rickman, Timothy Spall.
Año: 2007.

Sinopsis

Londres, principios de la era industrial. Un misterioso barbero llamado Sweeney Todd (Jonnhy Deep) ha llegado a la ciudad. Sólo tiene un objetivo: recuperar su vida, arrebatada quince años antes por el malvado juez John Turpin (Alan Rickman) quien, enamorado de la preciosa, preciosa mujer del barbero ha acusado y encarcelado al infeliz afeitador. En busca de venganza, Sweeney conocerá a la intrigante Sra. Lovett (Helena Bonham Carter). Juntos tratarán de arrebatar la vida al magistrado. Y si, mientras tanto pueden ir vaciando la sobrepoblada ciudad de habitantes, mejor que mejor. Todo ello, se me olvidaba, a ritmo de musical. ¿Lo conseguirán o se perderán entre tanto baile?. ¡Qué intriga!

Opinión

Vale, dado que Tim Burton es del tipo de directores que sueles amar u odiar, me veo en la obligación de confesar: a mi no me gusta Tim Burton. Está claro que tiene un sello característico, que imprime sobre cada uno de sus películas y personajes. Y no me gusta. Me parece cursi hasta para rebanar cuellos. Que es de lo que va la cosa.

Porque se rebanan muchos cuellos sí. Más que en Sleepy Hollow y a la par que cualquiera de Tarantino. Así que no crean que esto es cine familiar. Tiene la película humor, pero negro, y es de lo que más se agradece. La primera canción de la señora Lovett es desternillante y el doblaje se esfuerza lo bastante como para mantenernos enterados de las bromas. (Lástima no saber más inglés para apreciarlo mejor).

Como también es un drama, la película intenta conmovernos. Ahí ya no llega, o es que yo soy muy frío. El joven Anthony (Jamie Campbell) cantando a la preciosa preciosa hija del protagonista alcanza cotas altas en ridículo. Así que también nos valió para echarnos unas risas. (También es que somos muy machotes).

La historia en sí no está mal. Y es un musical, musical, no como las pelis de Disney en las que de vez en cuando cantan. Aquí cantan siempre. Y que un tío tan aficionado a la acción porque sí, como yo, lo soporte ya es buen mérito. Como he dicho antes, los subtítulos no chirrían mucho (al menos para mi moderado inglés). Y olvídense de vistosas coreografías: no existen. La cosa consiste en cantar mientras ponen cara de alucinados. Las única excepción es el baile que se pegan el barbero resentido y la panadera cuando deciden abrir el chiringuito (y modelo de negocio).

La película, por cierto, es adaptación de un musical, que a su vez recoge la leyenda negra de Londres según la cual un tenebroso barbero y su compañera se aliaban: el uno para asesinar a los clientes con sus navajas y la otra para servirlos en deliciosas empanadas. La cosa no tiene mucho trellado y lo más posible es que sea una leyenda urbana del siglo XIX. Pero en el ambiente en que te sumerge Tim Burton, que los almas siniestras de Todd y Lovett se unan para hacer justicia con el asqueroso mundo es de lo más normal. Se veía venir, que dice mi hermano.

Visto lo visto, la cosa termina como debía terminar, al modo de cuento de hadas (malignas esta vez) de Tim Burton. Johny Deep está perfecto en su papel, porque es muy bueno poniendo cara de alucinado. Del resto destacaría a los malos, Alan Rickman y Timothy Spall. Este último, por cierto, fue correctamente identificado por mi hermano como Colagusano (o Cuapelada o Wormtail): uno de los fijos de las pelis de Harry Potter. También, como curiosidad, podemos ver en la película a Sacha Baron Cohen, más conocido como Borat o Ali G. Si su hermano (Erran Baron Cohen) hubiera compuesto alguna canción la cosa habría sido divertida. Como lo fue el infame himno de Kazajstán.

En fin, una película muy sencillita para pasar un buen rato, siempre que toleren (o admiren) el estilo un tanto relamido de su director.

Lo mejor: sin duda las canciones de la señora Lovett.
Lo peor: las canciones del joven Anthony, enamorado de la guapa hija del barbero. Todos hemos sido jóvenes y medio lelos, pero este lleva el sello Burton.
Mi opinión: pues a mí me ha gustado. Por lo dicho y pese a lo dicho.

Harry Palmer, la cara B de 007

2008-07-12T13:18:00.001+02:00

En 1965 se estrenaba "Operación Trueno", la cuarta entrega de la saga del más famoso espía del celuloide y la más exitosa. En ese mismo año, también llego a las pantallas el primer título basado en las aventuras de otro miembro del Servicio Secreto de Su Majestad. Se trataba del agente Harry Palmer y la película se titulaba: "The IPCRESS File"

La saga del espía Harry Palmer es la segunda más larga del celuloide después de la del agente 007. Su última película es de 1996. Es decir, 31 años de duración. Pero no ha sido tan productiva pues tan sólo existen cinco películas frente a las 22 protagonizadas por James Bond. Sin embargo la saga de Harry Palmer tiene al menos dos cosas que nunca podrá tener 007.

1.- Todas han sido protagonizadas por Michael Caine.

2.- El personaje de Harry Palmer envejece a lo largo de esos 31 años.

El personaje que inspiró a Harry Palmer fue creado por el escritor Len Deighton en 1962, el mismo año en que se estrenó "Dr. NO". Pero al contrario que su elegante y seductor colega, es un agente miope con gafas de culo de botella, que vive en un vulgar apartamento y que le cuesta llegar a fin de mes. Las únicas pinceladas de refinamiento son que le gusta la música clásica y cocinar. Sin embargo este antihéroe atrajo la atención de los productores de las películas de 007, Harry Saltzman y Albert Broccoli, y pensaron que podían iniciar un nuevo estilo de películas de espías totalmente diferentes a las de Bond. Curiosamente, una gran parte del equipo que intervino en las películas de 007, también participó en "The IPCRESS File", incluyendo al compositor John Barry.

Lo más llamativo es que al hacer la película fue cuando nació el nombre de "Harry Palmer". En la novela de Leighton, nunca se dice el nombre del protagonista. Al parecer la idea surgió durante una conversación entre Harry Saltzman y Michael Caine. El primero preguntó - ¿Cuál es el nombre más soso que se te ocurre? - Y Caine respondió sin pensar - Harry. Inmediatamente se dio cuenta de la metedura de pata, pero Saltzman continuó - ¿Y el apellido más soso? - Caine recordó a un compañero de colegio y dijo - Palmer, Tommy Palmer. Entonces Saltzman remató - Pues ya está. Le llamaremos Harry Palmer. Lo curioso es que en un determinado pasaje de la novela el protagonista dice: Mi nombre no es Harry, pero en este negocio es difícil recordar si alguna vez lo fue.

"The IPCRESS File" ganó el premio BAFTA de 1965 a la mejor película y funcionó bastante bien en taquilla. Mucha gente consideró que era un relato bastante realista de como podía ser un agente secreto, y de hecho el personaje de Harry Palmer es alguien mucho más cercano al espectador medio que el superagente 007. En la película no hay paisajes exóticos y no sale ni un solo "gadget" de alta tecnología tan típico de las películas de Bond, y por supuesto no hay ni una sola "Chica Palmer".

Debido al éxito, al siguiente año llegó a las pantallas la segunda película de Harry Palmer. Se trataba de "Funeral in Berlin". La historia, aunque correcta en líneas generales, es más parecida a otras películas de espías ambientadas en la Guerra Fría, sobre todo en el aspecto de ir embrollándose la trama según avanza la película. Personalmente, lo que más me gusta de esta es que Harry Palmer no se cree que es un ligón de primera y por ello sospecha cuando la chica guapa de turno le quiere llevar al huerto.

En 1967 se estrenó "Billion Dolar Brain" y esto casi acaba con Palmer. Fue un fracaso en la taquilla, lo cual no es de extrañar. Creo que el principal error fue intentar hacer de Harry Palmer una alternativa a James Bond, pero con una trama estilo James Bond. El título hace referencia a un supercomputador controlado por un multimillonario tejano de extrema derecha dispuesto a hacer caer el comunismo utilizando su propia red de espías. La verdad es que a mi me suena mucho a Espectra. Pero lo que es imperdonable es la especie de parodia de "Alexander Nevsky" que contiene esta película.

Pasaron casi 30 años hasta que Michael Caine volvió a retomar el personaje de Harry Palmer. Esta vez para una producción de televisión titulada "Bullet to Beijing". En cierto sentido vuelve a ser una historia similar a la de "Funeral in Berlin" en la que uno no sabe de que lado están los personajes que van apareciendo. Pero al final uno acaba con la sensación de que esta viendo un mal remake de "Testigo accidental".

La última película (hasta el momento) protagonizada por Harry Palmer es "Midnight in Saint Petersburg". Y confieso que no la he visto. Por las críticas que he leído es una especie de anuncio turístico de la ciudad de san Petersburgo con una historia que es un remake de la trama de "Bullet to Beijing", aunque más simple para que la gente no se pierda. La verdad es que una nota de 5.1 en la IMDB no motiva mucho a verla.

Y la despedida. Nigel Powers, el padre de Austin Powers, es una parodia de Harry Palmer. Y es que hay personajes que envejecen muy mal.

Crítica: A Scanner Darkly

2008-06-15T17:01:00.000+02:00

Bueno, para que se hagan una idea, esta película la vi antes que la de Indiana Jones y es, por tanto, la penúltima película que he visto en mi vida. La vi en el segundo intento, porque en el primer visionado me dormí. Con eso no quiero decir que sea aburrida, sino que con este fin de curso voy un poco apurado y cansado. Pero venga, ya queda menos.

A Scanner Darkly es una película rodada con (grandes) actores de carne y hueso, en formato digital y luego animada. Es decir se colorea sobre las imágenes rodadas. A esto se le llama rotoscopia, cosa de lo que no tenía ni idea y eso que ya se utilizó para representar al príncipe azul de Blancanieves. Esa curiosidad fue la que me llevó a alquilar la película.

Pero vamos ya con...

A Scanner Darkly

Director: Richard Linklater.
Guión: Richard Linklater, Philip K. Dick.
Actores: Keanu Reeves, Winona Ryder, Robert Downey Jr., Rory Cochrane, Woody Harrelson.
Año: 2006.

Sinopsis

Dentro de siete años la cultura de las drogas ha invadido la sociedad. La misteriosa sustancia D hace que las mitades del cerebro dejen de trabajar conjuntamente, provocando que los individuos desdoblen su personalidad. El agente Fred tiene la misión de obtener información acerca de Bob Arctor (Keanu Reeves), quien dedica su vida a ponerse hasta arriba de drogas con sus amigos y su novia Donna (Winona Ryder). El problema es que el agente Fred, que trabaja de tola incógnito, ya no sabe quien es, ni quien es Donna, ni qué hace él con los amigos de Bob. Porque Fred también es adicto a la sustancia D y por tanto, nada es exactamente como parece...

Opinión

La historia está tomada de la novela homónima de Philip K. Dick, escita en 1977¹. Y por lo que leo en la wikipedia, el argumento de la película no se separa una coma del libro. Resulta curioso que, sin embargo, el universo distópico original se sitúe en 1994. Y es que, por largos que pongamos los plazos para que se cumpla el futuro, la realidad siempre se empeña en sernos demasiado cercana y aburrida.

Al margen de estas consideraciones, el futuro dibujado en A Scanner Darkly tiene toda la intención de parecernos real y cercano. Una sociedad, la de Orange County, más cansada y maltrecha, representada excelentemente por Bob Arctor, con mujer, hijas, que se descubre a sí mismo en una vida que no desea sin saber cómo ha llegado hasta ella y que sólo encuentra en las drogas y en unos colegas zumbados la emoción que necesita.

Porque los colegas están zumbados de verdad. Y resultan creíbles, lo cual es más extraño: pocas películas intentan transmitir los efectos de las drogas y acaban resultando creíbles. Aunque parezca mentira, el humor, triste, se desprende de esos momentos de subidón y lucidez química que proporciona el cuelgue: magníficos Robert Downey Jr, Woody Harrelson y Rory Cochrane, especialmente el primero, que adopta la pose de conspiranoico.

Por su parte, Winona Ryder interpreta a la novia de Bob, cocainómana, incapaz de desear sexo con el confuso protagonista, quien cada vez está más desesperado. La relación imposible entre ambos acabará con sorpresa.

A las actuaciones se le suma el uso de la rotoscopia, y creo que como recurso le viene al dedo a esta película. ¿Hasta qué punto es real lo que vemos?. Imagino la película rodada al modo tradicional y no puedo: el dibujo la sitúa lo suficientemente cerca para ser real en un universo distópico e inalcanzable. Al margen de esto, la calidad de las nuevas técnicas (muchas gracias, informáticos) convierten el visionado en toda una experiencia, nueva para mi.

Quizá la historia resulta un poco confusa, oscura como su nombre, y la trama se detiene a veces sin saber muy bien donde va. Al menos eso parece al espectador, al que amagan en una par de momentos un final que le dejaría clavado en el sofá diciendo '¿qué?'. Por suerte, la película se reengancha y ata todos los cabos antes de terminar. También se entremezclan algunas reflexiones... digamos peñazo. Pero se perdona porque uno sabe que vienen motivadas por el abuso de las drogas.

En fin que me costó un poco verla, pero no me decepcionó. Seguro que alguien me dirá que el libro es mejor. Qué se la va hacer. Todo no se puede.

Lo mejor: que uno se acaba creyendo a unos protagonistas que son dibujitos y que van completamente drogados. La cosa tiene mérito.
Lo peor: que, o uno tiene todas las neuronas despiertas, o no se entera mucho de qué va la cosa.
Mi opinión: que hay que agradecer a Philip K. Dick todo lo que ha regalado al cine. Aunque con ello hayan hecho cosas como Next.

¹ Se ve que por aquella época el autor sufría de visiones (según la wikipedia, claro).
² Hay un momento muy bueno, la narración de suicidio de Charles Freck (Rory Cochrane) transcrito completamente aquí. Si no tienen problemas con el inglés, eso sí.

Crítica: Indiana Jones 4

2008-06-01T20:12:00.001+02:00

Bueno, cómo está el patio. Ha llegado Mayo y el ritmo de publicación experimenta el bajón habitual propio de las épocas de exámenes. Por suerte, ha vuelto CPI y eso es motivo e alegría para los lectores de la familia Curioso Pero... si es que los lectores no están estudiando, claro está.

Yo también he dejado casi de ver películas, porque tiempo para todo no hay, qué se le va a hacer. Pero claro, en este mes, señalado por el regreso de too un clásico del cine de aventuras, he tenido que hacer una excepción. Por eso el fin de semana pasado agarré y marché para el cine dispuesto a ver todo un taquillazo. Así que vayan poniendo la música porque llega...

Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal

Bueno, esperen, la música la pongo yo. (Esta entrada se lee con banda sonora).

boomp3.com

Director: Steven Spilberg.
Guión: David Koepp, George Lucas.
Actores: Harrison Ford, Cate Blanchett, Karen Allen, Shia LaBeouf.
Año: 2008

Sinopsis

El profesor Jones vuelve a andar metido en líos. ¿Qué hace un comando de la KGB en el corazón de los EE.UU.? Es más: ¿qué hacen en un hangar secreto de la denominada Área-51?. El indio, aventurará usted. Pues sí, pero no es ese el caso. El caso es que una esotérica agente de Stalin necesita la 'ayuda' del afamado doctor Jones para encontrar el origen de una extraña calavera de cristal con misteriosas propiedades. Indiana Jones se verá forzado a participar, en contra de su voluntad, de una búsqueda que le llevará al corazón de la selva mesoamericana, en una increíble aventura donde deberá probar, ante su antigua novia y un chaval picajoso, que no está tan mayor como aparenta.

Opinión

Que en las películas de Indiana Jones (Harrison Ford) se tiran de la moto es algo por todos conocido. Y que en esta más, mucho más, también, porque es lo primero que te comentará alguien que ha ido a verla. Intentaremos obviar un poco este hecho y tratar de desmenuzar la película sin prestar atención al tema de la calavera¹.

Indiana Jones es el 'HÉROE DE ACCIÓN' moderno por excelencia. Al menos el mío. Creo que eso debería estar fuera de toda duda. Porque John McLane, por ejemplo, (con 4 junglas de cristal a sus espaldas) no le llega a la suela de los zapatos: escupe, dice tacos, bebe y no tiene disfraz ni un arma tan chula como ese sombrero y látigo, sino que va repartiendo tiros como todo buen paleto. Los dos tienen, eso sí, un estilazo -incluso a la hora de recibir guantazos- que ya quisieras para ti. Y eso siempre anima a ir al cine.

Decía Steven Spilberg que sólo había creado dos personajes cuya silueta resultase inconfundible y que uno de ellos era Indiana Jones (el otro será Tiburón o E.T., supongo). Y eso es algo que en esta película explota a la perfección. Quiero decir que la película no es sólo una aventura de Indiana Jones, sino que se convierte también en una película sobre Indy. El personaje tiene mayor magnetismo que la cristalina calavera.

Y poco más. Bueno, mucho más, porque hay acción a raudales. Hay acción hasta cuando no tiene que haber acción. Porque, como dijo un compañero, ¿qué hacen los indios cuando no están esperando a que aparezca Indy y sus amigotes para salir en tropa tras ellos?. Ya los imagino, todo el día detrás de las piedras: ¿vienen ya?. Y el otro: No, que aún quedan 200 años. En fin...

En ese sentido hay escenas magníficas, como la lucha a espada sobre jeeps que surcan la selva amazónica como si nada. Y muchas cosas de ese estilo sin mucho sentido, como aparecer con una moto en la biblioteca para soltar una gracieta. Lo que hecho de menos es un poco más de humor, del carácter socarrón y un poco infantil de Indiana. Así como recuerdo frases magníficas de anteriores películas y momentos inolvidables, creo que esta película pasará más bien por mi memoria como pasó por el proyector: a toda leche y sin tiempo para reposar o razonarse.

De este modo, en mi opinión, desaprovechan a Marion Ravenwood (Karen Allen) la chica Indy que era capaz de tumbar a cualquier cosaco bebiendo. Y a cualquier otro sonriendo. Me parece que podría haber puesto el contrapunto a Indy de una manera mucho más trabajada. En la película se supone que nace algo entre ellos, pero por desgracia sucede tan rápido que no me di casi cuenta.

Por nombrar a los otros dos actores, el chaval Shia LaBeouf cumple con su papel de motero chuleta con peine y navaja. La mala (Cate Blanchett) es mala de verdad, pero, con ese aire psicomaligno yo no podía dejar de pensar en Fátima do Espíritu Santo, que también llevaba el pelo corto, pero que, además de mística, levitaba y estaba más buena -este es un blog de opiniones- que la elfa reconvertida a soviética.

En fin: encontré lo que buscaba. Tiene todo lo que debe tener una película de Indiana Jones: aventura, indios, balas y flechas, jeroglíficos y entradas secretas, humor y alguna dosis de misterio. Y el mapa ese que recorren mientras vuelan. No tiene todo en las proporciones que a mi me hubiese gustado, pero qué se le va a hacer.

Y sobretodo tiene música. Porque Indiana Jones no sería lo mismo sin su música. Salimos del cine y más de tres personas canturreaban la melodía. Caminamos por la calle y la gente la iba cantando. La película no sería tan buena sin su música. Si no me creen hagan la prueba: vuelvan a leer esta entrada sin darle al play y verán como el post no es tan maravilloso como habían pensado.

Lo mejor: ¡que es Indiana Jones, leñe!
Lo peor: mucha aventura pero poca profundidad y misterio.
Mi opinión: sólo escuchar la música ya vale la pena...

¹ Para proseguir con el tema magufo, les dejo en manos de un experto en estas tonterías.

Crítica: La habitación de Fermat

2008-05-10T19:19:00.001+02:00

Bueno, hoy toca ración de cine español. Debo admitir que tengo una cuenta pendiente con este "género". Yo con el cine soy bastante apátrida y, la verdad, por más películas que pongan en cartelera o videoclub, si el trailer no me llama o la película no ha sido puesta muy por las nubes, pues no veo motivos para gastarme el dinero en una peli y no en cualquier otra, por muy española que sea la primera.

Hago aquí un inciso, porque las últimas veces que he comentado que yo soy habitual del videoclub, mis compañeros me han mirado con cara rara. Bueno, para ellos el raro era yo, pagando por algo que se puede conseguir tirando de la mula. Por la edad de la gente que va al videoclub, la verdad, no les auguro muchos años más de funcionamiento.

Pero volvamos a la película, que fue promocionada como una más de las películas del nuevo cine español, alejadas de la vulgaridad del cine de los 70 (revivido en los 90 por Santiago Segura) y de los estereotipos de la EspañaProfunda de Almodovar.

Ya hizo el compañero Jess una entrada sobre esto mismo. En principio, fijar la vista en otro tipo de cine se presenta como atrayente. Otra cosa es que luego las películas sean buenas. La habitación de Fermat se nos presenta como un thriller al estilo de Cube, donde el terror se presenta de forma inexplicable, aderezado con algo de lógica y matemáticas. Pero para ver como sale el invento, vayamos ya a la crítica en sí...

La habitación de Fermat

Director: Luis Piedrahita, Rodrigo Sopeña.
Guionistas: Luis Piedrahita, Rodrigo Sopeña.
Actores: Alejo Saura, Lluís Homar, Santi Millán, Elena Ballesteros y Federico Luppi.
Año: 2007.

Sinopsis

4 brillantes matemáticos son citados por Fermat (Federico Luppi), misterioso desconocido, en una atípica convención, que se desarrollará dentro de una sala. La reunión tiene como objeto plantear el mayor enigma matemático jamás propuesto. Sin embargo, los invitados pronto descubrirán que el reto es mucho mayor: si no son capaces de resolver todas los acertijos que se les propone, encontrarán la muerte en la propia habitación, convertida en menguante por obra y gracia de la ingeniería. Los atrapados matemáticos deberán bucear entre la lógica y sus relaciones personales para encontrar la salida de la habitación de Fermat. ¡Chantatachan!

Crítica

Vale, buen planteamiento. Ahora, ¿qué debe tener esta película para que sea buena?. Pues, además de las interpretaciones, que han de ser creíbles, uno se espera de una película de este tipo sorprendentes giros argumentales y excitantes acertijos matemáticos. Por ejemplo que el malo sea más listo que nadie: que engañe al resto de personajes y al propio espectador, a la vez que los supere en destreza matemática... hasta que algún bueno, en un sorprendente giro argumental, demuestra saber más matemáticas y hallar la salida de la ratonera. Eso esperaba yo, vamos.

La película intenta todo eso, pero a mi juicio no lo consigue. Alejo Sauras, por ejemplo, no me resulta creíble en ningún momento como genio juvenil. En cambio encuentro sorprendentemente bien a Santi Millán en su papel de matemático aplicado. También muy bien, en mi opinión, Lluís Homar y Federico Luppi, en su corto papel.

En cuanto a los giros argumentales, no hay para mucho. Los matemáticos no parecen matemáticos. Era más racional hacer aparecer a cuatro personas en una habitación por arte de magia que el modo en el que son convocados y acuden. Una vez están dentro, la cosa se ve reducida a saber quién de los cuatro es Fermat, pues se ve pronto que el autor del diabólico plan se encuentra en la habitación. Al modo de los Diez negritos. Aparecen entonces algunas relaciones inesperadas entre los cuatro desconocidos, pero luego no tienen ninguna trascendencia sobre la película.

Otro buen planteamiento del film era la relación entre todo lo que estaba sucediendo en la habitación y el incomprensible robo de la demostración de... La Conjetura de Goldbach (que ya es apuntar alto), supuestamente probada por Galois (Alejo Sauras). La cosa tampoco sorprende demasiado.

Lo que no tiene perdón es la simpleza de los acertijos, con lo sencillo que es bajar al Corte Inglés y comprar un libro de juegos de lógica. Varios de los que aparecen son sobradamente conocidos y otros ni siquiera involucran al lector, que no va a ponerse a resolver ecuaciones mientras ve la peli. Es realmente decepcionante.

Y así pasa la película, que no se resuelve con un brillante ejercicio, sino golpeando la pared. ¿Y tanta tontería para eso?.

En fin, lo mejor que se puede decir de la peli es que lo intenta, le pone ánimos y que, con un poco más, se podría haber conseguido una película realmente interesante. De este modo no pasa del entretenimiento.

Lo mejor: Pues mira, me quedo con el papel de Santi Millán.
Lo peor: Los acertijos, sin duda, y una escasa credibilidad de toda la historia en general.
Mi opinión: Prometía, pero yo le doy un aprobadillo.

Charlton Heston y la Historia

2008-05-01T10:11:00.002+02:00

Se considera que Charlton Heston es el actor que más veces ha interpretado a un personaje histórico. Sin contar aquellos que están basados en personajes reales, pero que no existieron, a lo largo de sus 126 películas y 62 años de carrera el actor interpretó a:

1.- Marco Antonio en Julio Cesar (1950)

2.- James Otis en A Bolt of Lightning (1951)

3.- Andrew Jackson en The President's Lady (1953)

4.- "Buffalo Bill" Cody en Pony Express (1953)

5.- William Clark en The Far Horizons (1955)

6.- Moises en "Los Diez Mandamientos" (1960)

7.- Andrew Jackson en The Buccaneer (1958)

8.- Rodrigo Díaz de Vivar en El Cid (1961)

9.- Thomas Jefferson en The Patriots (1963)

10.- Juan el Bautista en "La historia más grande jamas contada" (1965)

11.- Miguel Angel en "La agonía y el éxtasis" (1965)

12.- General Charles "Pacha" Gordon en Jartum (1966)

13.- Robert Devereux en Elizabeth the Queen (1968)

14.- Marco Antonio en Julius Caesar (1970)

15.- Marco Antonio en Antony and Cleopatra (1972)

foto de Kappo historias

16.- Cardenal Richelieu en "Los tres mosqueteros" (1973)

17.- Cardenal Richelieu en "Los cuatro mosqueteros" (1974)

18.- Enrique VIII en "El príncipe y el mendigo" (1977)

19.- Tomas Moro en A Man for All Seasons (1988)

20- Togrul (Wang Khan) en Gengis Khan (1992)

21.- Henry Hooker en Tombstone (1993)

22.- Brigham Young en The Avenging Angel (1995)

23.- Josef Mengele en My Father, Rua Alguem 5555 (2003)

Teniendo en cuenta que hay veces en que Heston interpretó a un mismo personaje histórico en más de una ocasión (Marco Antonio, Jackson y Richelieu), al final nos sale que hay 19 personajes históricos distintos. Si no estoy equivocado Laurence Olivier interpretó personajes históricos en 12 ocasiones distintas.

No he contado los personajes ficticios interpretados en películas con trasfondo histórico. Estas películas serían: "Ben-Hur", "55 días en Pekín", "Major Dundee", "El señor de la guerra" y "Midway".

Sirva esta entrada como un pequeño homenaje a tan gran actor.

Peleando borracho

2008-04-27T11:53:00.002+02:00

Yo ya aviso: esta entrada no será bien digerida por los altos mandatarios de la Salud Pública.
¿Que hay más divertido que ver cine de chinos atizándose de forma espectacular?. Pues cine de chinos, borrachos, atizándose de forma espectacular. Evidentemente.

¿Sabían que yo tengo un blog de cervezas?

Bueno, prometí una segunda entrega de cine chino de mamporros y aquí está. El tema del día es el boxeo borracho, la disciplina más subyugante del kung-fu. Lo del boxeo borracho parce broma pero va en serio: de entre los muchos estilos de kung-fu que se practican, uno de ellos es el del boxeo borracho, que, como toda disciplina deportiva, mejor no practicar borracho, por el peligro que conlleva. Como las competiciones de dardos en el pub, vamos.

Pero éste es un blog de cine y poco sé yo de la compleja evolución del kung-fu y sus técnicas, así que hoy hablaremos de la película que puso "de moda" el boxeo borracho cinematográfico. Corría 1978 y un joven actor, asiduo extra en películas de mamporros de Hong Kong interpretaba la película que le lanzaría a la fama como sucesor de Bruce Lee. Se llamaba Jackie Chan.

La película en cuestión era Jui Kuen (El Luchador Borracho o Drunken Master) y tuvo un éxito inmediato. La espectacularidad de Jackie Chan, quien ya empezaba a utilizar toda clase de artilugios como armas, así como el tono humorístico (pionero entre las películas de artes marciales) la catapultaron al éxito. Jackie Chan ya había sido protagonista en su anterior película -El Tigre a la Sombra del Águila-, rodada con prácticamente el mismo reparto y equipo, pero la película del boxeador borracho duplicó los ingresos de su antecesora.

El boxeador borracho no es propiamente Jackie Chan -Wong Fei Hung¹-, sino su maestro, quien le enseñará el arte del boxeo etílico a la fuerza. Y es que Wong no desea aprender nada, porque es un manta que cree saberlo todo y se aprovecha de su buen kung-fu (su padre es uno de los mejores maestros) para comportarse como un vándalo. Su padre, hartito de tanta tontería, le manda entonces entrenar un año con el temible Beggar Su, el maestro borracho.

Porque Su es un borracho auténtico, no es que se lo haga para aporrear a sus adversarios, que va. Y si no bebe, le entran temblores propios del delirium tremens y pierde sus aporreantes facultades. La peli transcurre mostrándonos el entrenamiento del indisciplinado Wong, que, al final del final, comprenderá la necesidad de educarse. Más que nada porque un día se encuentra con un tío más fuerte que le da una soberana paliza. Que por cierto, este personaje, asesino a sueldo, recibe el encargo de acabar con la vida del padre de Wong. Así que el enfrentamiento final con éste queda servido.

La película es un dulce para los amantes de las artes marciales que quieran conocer los orígenes de Jackie Chan. El humor en esta película tiene algo de infantil e inocente que hoy nos resulta sonrojante. A mi me parece deliciosa. Tiene el gusto y sabor de lo original. Al contrario que su sucesora.

Porque claro, independientemente de las muchas copias baratas de cine chino que aprovecharon el tirón, la película tiene una secuela casi 20 años después, protagonizada por el mismo Jackie Chan en el mismo papel: La Leyenda del Luchador Borracho.

La película, que tampoco tiene mucho argumento (Wong descubre que ingleses expolian patrimonio chino con la complicidad de corruptos compatriotas) pierde la inocencia y se convierte casi en un alegato anti-alcohólico, cuando la primera era más bien una oda a su consumo. Una oda compuesta a base de patadas, claro. Los tiempos cambian, sí, pero a veces me pregunto por qué el cine, o el arte en general, debe cumplir una función educativa².

De la secuela tan sólo se salvan las cabriolas de su protagonista, que a mi me deja fascinado. Por otro lados ha habido otras películas hollywoodienses de boxeo borracho, aunque no del mismo estilo. Drunken Monkey es una película protagonizada por Gordon Liu (¡Pai Mei y el calvo de los 88 maniáticos en Kill Bill!). La película es una especie de western que no va a ningún lado y que no tiene ni pies ni cabeza. Ahora bien, el estilo del mono borracho, que es una variación del estilo del mono, es una pasada.

Esta última película cuenta con el afamado maestro Lau Kar-Leung, actor y director de artes marciales, quien también participa en la secuela de Drunken Master. Aunque discrepancias artísticas con Jackie Chan le llevaron a dejar el proyecto antes del rodaje de la última escena. Lau Kar-Leung es también el director de coreografía de El Maestro de la Guillotina Voladora. Y artífice de la mayor parte de la saga de La Cámara 36 de los Shaolin, de donde saldría Gordon Liu como incipiente estrella.

En fin, un mundillo complejo donde los actores se entremezclan en diversos estilos y películas, algunas de ellas fascinantes y entretenidas. Así que posiblemente no sea ésta mi última entrada dedicada a este cine.

Y ya les dejo con un vídeo, donde se resumen las principales características de El Luchador Borracho: Jackie Chan asombrándonos y un humor tontorrón:

¹ Este personaje es un homenaje al auténtico Wong Fei Hung
² ¿Debe el arte ser educativo? ¿Y políticamente correcto?. ¿Nos ha de enseñar el cine que no debemos beber mucho?. ¿Hace bien Hernan Casciari?. Planteado queda el debate.

Yo no la recordaba así...

2008-04-21T19:28:00.000+02:00

Muchos dicen que la postproducción es aún más importante que todo el trabajo previo. Un buen trabajo en esta fase hará que la película tome cuerpo y sea lo que realmente queremos que sea. Una verdad como un templo. Admirad la importancia del montaje y la banda sonora en el cine en esa muestra que todos perseguimos cuando llega una nueva película: el trailer.

Para empezar, un clásico del cine de terror. El resplandor. Un toque por aquí, otro toque por allá... y tenemos una estupenda película familiar para todos los públicos

Y un clásico infantil: Mary Popins. La verdad es que a mi ese niño siempre me dio un poquito de grima. Lógico, era una película de terror

Uno de los mejores trabajos de la primera época de Scorsese, una comedia romántica titulada Taxi Driver

No la he visto, pero cuando quede con los colegas para ver una de miedo, sin duda alquilaré Fama

Mi novia nunca pudo ver esta película. Decía que le daba miedo el bicho. ET

ver muchos más en... youtube. Palabra clave, recut trailer

Crítica: Ovejas Asesinas

2008-04-16T19:24:00.002+02:00

Después de las excelentes revisiones que acerca de 2001, Una Odisea en el Espacio han hecho mis compañeros, no he podido evitar bajar al videoclub con la intención de adquirir cine "del bueno". El problema es que soy muy impresionable. Y cuando veo una carátula o cartel promocional y me digo, a medio camino entre la admiración y la incredulidad... ¿QUÉ? no puedo evitar ir a ver la peli. Y en este caso ha sido para coger Ovejas Asesinas. Que debe ser lo más del cine neozelandés de terror.

La verdad es que de ella sólo conocía la referencia de un amigo. La película se estrenó más o menos coincidiendo con la llegada a las carteleras de Planet Terror. En algunos casos se proyectaba en doble sesión junto con Severance, al modo Grindhouse. Al final pasó sin apenas promoción ni pena ni gloria por unas pocas salas españolas. Por suerte, añado. Pero ya sin más vamos a destripar cine para intelectuales ovinos. Les presento...

Ovejas Asesinas - Black Sheep

Director: Jonathan King
Guionista: Jonathan King
Actores: Nathan Meister, Danielle Mason, Peter Feeney, Oliver Driver
Año: 2006-2007

Sinopsis

En una granja neozelandesa, un trágico suceso relacionado con ovejas marcó al joven Henry (Nathan Meister). Aterrado desde entonces ante la visión de estos animales, tuvo que abandonar la granja de su padre. Tan sólo muchos años después puede regresar para descubrir que su hermano (Peter Feeney), amo de la granja, prepara una nueva raza de ovejas genéticamente alteradas. Evitar los crueles experimentos que en la granja se llevan a cabo es la misión que se han propuesto los ecologistas Grant (Oliver Driver) y Experience (Danielle Mason). Sin embargo todos ellos sufrirán esa crueldad cuando despierten los instintos voraces de las ovejas licántropo (esto es oviántropo)...

Opinión

Ver a una oveja convertida en un terrible y sanguinario asesino tiene su gracia. Como la tenía contemplar a un conejo acabar con los locos caballeros de la mesa cuadrada. Pero la gracia dura lo que dura y, si no se añade nada más, la película no pasará de ser una secuencia de planos con ovejas quietas y amenazantes y ovejas saltimbanquis mordiendo la yugular. Eso el director lo sabía y por eso quiso construir una comedia alrededor de tan macabra animalada.

El problema es que las gracias que nos trae esta película tienen poca gracia. O ninguna. Lo primero que debería hacer gracia por orden de aparición son las caracterizaciones de los ecologistas Grant y Experience. Que son todo lo deformados que uno puede esperar en una película de disparates. Aunque existen ecologistas deformados que se entretienen liberando bisones en bosques para que, o bien se mueran, o bien se carguen a los bichos autóctonos, aquí nuestros ecologistas, además de descerebrados herbívoros, son místicos del yin y yang, acupuntores, floresdebachianos, aromaterápicos, buscachakras... en fin, todo lo que se les ocurra para hacerles más ridículos a los ojos de los espectadores. Pues vale.

El resto del humor no es ni negro, ni gamberro, que era lo que me esperaba. Básicamente se trata de que las personas atacadas por ovejas terminan transformadas en hombres-oveja y son muy feos. Así transcurre la película, en la que Experience y Henry tendrán que superar sus fobias para llegar a buen puerto: el uno debe olvidar su miedo a las ovejas y la otra quitarse de la cabeza el tema ese de la protección de los animalillos. Ese es el rollo de la superación personal, que se alcanza a base de imaginar que uno se transmuta en otro ser del que es. Toma ya. Por el camino se encontrarán con malvados científicos, de los que por supuesto darán buena cuenta los ovinos vengadores.

La película no da para más. Por no dar, no da ni sustos. No es muy sangrienta hasta que el director decide que en alguna escena tiene que salir toda la casquería que han adquirido para el film y pone toda la carne en el asador. Sin asador. Para terminar, el director añade un poco de humor algo más escatológico (algo relacionado con amores entre humanos y ovejas y morder ciertas partes salientes del cuerpo humano) y con eso se da por satisfecho.

Bueno, él y el público del gerardmer fantasticart festival, que le premió como mejor película del público, cosechando además el premio especial del jurado. Películas ganadoras del mismo festival han sido El Orfanato o Fausto 5.0. Pues bueno.

Lo mejor: que yo soy un tío que se contenta con poco, para qué nos vamos a engañar. Probablemente me esperaba una jartá de risas.
Lo peor: que a partir del momento en que ves la carátula, ya no sorprende nada más.
Mi opinión: independientemente de mi opinión, esta película lleva camino de convertirse en un hito del cine cómico de terror neozelandés. ¡Felicidades!

Critica: La Novia Cadaver

2008-04-14T14:51:00.006+02:00

Antes de ver la ultima película de Tim Burton (sweeney todd) me decidí a ver una de las pocas obras del director que aún no había visto, y se trata de esta película de animación con muñequitos de plastilina, usando la técnica de stop-motion.

Es la segunda incursión del director en un proyecto de estas características y seguramente todos recordamos "pesadilla antes de navidad" en la que Burton fue productor y que tan buen sabor de boca nos dejó a muchos. Quizá por esto yo esperaba bastante de esta película al ser esta vez director y no solo productor de la misma, pero me decepcionó un poquillo.

La historia nos cuenta como una familia rica pero plebeya quiere casar a su hijo con una dama de una familia noble pero pobre como las ratas. El caso es que por circunstancias de la vida y sin quererlo nuestro protagonista acaba casado con un cadáver, una novia a la que mataron justo antes de desposar...

La película empieza bien; va contando a modo de musical y a grandes rasgos la historia, por boca de sus propios protagonistas, cuando poco después ocurre el "incidente", y el muchacho cae en las garras del matrimonio con una novia muerta. El mundo de los muertos está bien recreado y es muy carismático, pero una vez pasado el shock inicial del cambio entre realidades, la película se vuelve previsible, casi tanto que solo estas esperando a que acabe para que te dé la razón, lo cual por cierto no tarda mucho en ocurrir, puesto que la película dura poco mas de una hora. Los protagonistas no parecen tener motivaciones, y las pocas que tienen ni siquiera las tienen muy claras, por otra parte tenemos un malvado asesino, que solo parece puesto para tener alguien a quien mirar mal...
Hubiera sido interesante profundizar en los personajes que realmente tenían las ideas claras, como los padres de la pareja o incluso el malo de la peli, o solo que fuera detallar la historia de la maldición de la novia, que también resulta ser bastante pusilánime por cierto. Me hubiera gustado más, por ejemplo, las posibilidades cómicas que tendría el film si la novia se fuese a vivir con la familia del novio en el mundo real, aunque fuese por poco tiempo.

Bueno, habiéndome quedado a gusto quiero aclarar que la película no es mala, y quizás había puesto demasiadas expectativas en ella. Se trata de una historia sin pretensiones, que contada con mas humor hubiera resultado muy divertida, pero que en el registro en el que se encuentra se acerca mas a una historia de amor que a la comedia; aunque tiene algún chiste de humor negro bastante bueno, no parece ser el objetivo del film.
La estética viene con la firma de Burton: tétrica, algo gótica, con personalidad propia, y ademas hay que reconocer que esta película se sitúa en la cima en cuanto a calidad se refiere con la técnica stop-motion, que burton parece dominar con maestría. De hecho con el esfuerzo y trabajo que se nota detrás de esta película es una pena que la historia resulte tan sosa.
La música está a la altura, acompaña siempre bien a la acción y el final no decepciona.

En fin, una película entretenida y sin pretensiones

Para quienes disfruten con las películas rodadas con esta tecnica les recomiendo Wallace y Groomit: la maldición de las verduras, que se sitúa a la par en calidad con esta, y ademas es realmente divertida, siempre que se vea sin prejuicios claro.

P.D. Gato cuántico ya había hecho una nota sobre esta película dentro del post "Cine para Emos" donde se puede encontrar también un pequeño fragmento de la misma, cortesía de youtube.

2001: Una odisea del espacio (La otra crítica)

2008-04-02T10:48:00.005+02:00

Con permiso de los otros componentes del blog pero tras leer la frase del Kamarada Danielov: "Un autentico coñazo" me acordé de la famosa cita de Campoamor: "En este mundo traidor, nada es verdad ni es mentira, todo depende del cristal con que uno mira" y me dije - Voy a dejar de leer la crítica de mi compañero y en lugar de contestarle voy a hacer mi propia crítica explicando porqué creo que es mi película preferida.

Sinopsis: En el pasado remoto, la aparición de la inteligencia en el planeta es causada por la intervención extraterrestre. En el futuro los descendientes evolucionados a partir de aquellos seres primitivos encuentran en la Luna la primera señal de aquella intervención. Por primera vez una inteligencia terrestre va a poder comunicarse con una inteligencia extraterrestre. Pero ¿Será esa inteligencia humana o cibernética?

"2001: Una odisea del espacio" es una obra maestra del CINE. Reconozco que cuando la vi por primera vez en un cine de verano con tan solo 10 años no entendí ni papa. Pero había algo que me fascinó de aquella película porque en cuanto salió el Madelman astronauta estuve suplicando a mis padres que me lo compraran y en cuanto lo tuve me puse a jugar con él y con una pelota a la que pegue unos palos a modo de brazos articulados.

Con 15 años tuve la ocasión de volverla a ver. Esta vez comencé a entender algunas cosas pero seguía sin entender la parte final de los colorines, la habitación y el feto humano al final. Pues bien, lo que hice fue comprarme el libro. Lo leí de un tirón y entonces comprendí lo que había hecho Kubrick con la historia de Clarke. Había puesto imágenes sin tomarse la molestia de explicarla. Me recordó a esas ediciones ilustradas de libros como "El Quijote". Cuando uno las ojea sabe que esos dibujos están contándote algo de la historia, pero no toda la historia. Evidentemente volví a verme la película. Ya tenía completamente claro lo que quería decirnos Kubrick visualmente y la historia es realmente buena.

En el lado cinematográfico supuso una revolución. Con tan sólo 25 efectos especiales la película nos muestra lo que debe de ser viajar por el espacio "de verdad". No sólo se muestra la falta de ingravidez, sino que tiene detalles peculiares como por ejemplo las instrucciones de uso del cuarto de baño o la famosa cubierta rotatoria de la Discovery para crear gravedad artificial. Después de "2001" el espacio nunca volvió a ser el mismo y George Lucas lo tuvo muy en cuenta cuando realizó su estupenda "La Guerra de las Galaxias". Adicionalmente, la experiencia de Kubrick con "2001" y sus contactos con la NASA fueron muy útiles para la posterior realización de "Barry Lindon". En dicha película Kubrick utilizó lentes de 0'7 de apertura de diafragma lo que le permitió utilizar velas como fuente de luz.

La película está llena de guiños y detalles. Por ejemplo, la secuencia inicial en la que vemos el Sol y la Luna alineados es un símbolo del Zoroastrismo y por ello se oye "Así habló Zaratustra". Kubrick utilizó música clásica pensando que por muy buenos que fueran los compositores actuales no eran ni Beethoven ni Mozart. Otro detalle curioso es que HAL se forma con las letras anteriores a IBM. Aunque Clarke negó que estuviera hecho aposta y que corresponde realmente a "Heuristic Algorithmic Computer". La canción que canta HAL 9000 es "Daisy Bell" y fue la primera canción cantada por un ordenador de verdad, el IBM 704, en abril de 1962. Además es la última película que recrea la llegada del hombre a la Luna antes de que este llegase de verdad.

"2001" está considerada como la película que hizo reconocer a la Ciencia-Ficción como un género cinematográfico para el público adulto y no sólo para adolescentes. Aunque eso me ha parecido siempre una exageración porque antes que la producción de Kubrick ya había obras maduras como "Ultimatum a la Tierra" o "Metropolis". Sin embargo "2001" tenía algo que no tenían las otras: parecía posible. La historia de Kubrick y Clarke es un combinado perfecto de muchos temas recurrentes de la Ciencia-Ficción. Por citar los más importantes a lo largo de la cinta veremos como la inteligencia humana aparece gracias a la intervención de los extraterrestres, la evolución tecnológica desde las herramientas de hueso hasta las naves espaciales (la elipsis más larga del cine: 4 millones de años), la colonización de la luna, el viaje a otros planetas, la inteligencia artificial, la revolución de las máquinas contra los seres humanos, la comunicación con una inteligencia extraterrestre y finalmente la aparición de una nueva forma de vida.

Personalmente, el momento que más me emociona es cuando Bowman mata a HAL 9000. Por primera vez en una pantalla se ve que un conjunto de cajitas y lucecitas es un ser consciente que ha cometido unos asesinatos a sangre fría y que está rogando por su vida.

Finalmente, Clarke llegó a decir lo siguiente: "If you understand 2001 completely, we failed. We wanted to raise far more questions than we answered." En mi caso creo que lo consiguió.

Daisy, Daisy, give me your answer do. I'm half crazy all for the love of you.

[CRÍTICA] 2001: Una Odisea del espacio

2008-03-28T16:52:00.008+01:00

Ya se que dije en mi entrada de presentación, pero creo que no voy a tener mejor momento para
hacer una crítica de esta película. Estas vacaciones de semana santa las he aprovechado paravolver a leerme el libro de Arthur C. Clarke, y también la secuela ("2010: Odisea 2", en cuyo
prólogo viene explicado por parte del propio Clarke, como la película y el libro fue una especie de proyecto conjunto en la que se retroalimentaban mutuamente, y que la película se estrenó unos pocos meses antes que la publicación del libro), y a la vuelta me encuentro con que ha muerto recientemente. Hacía tiempo que me apetecía ver la película de nuevo, y bueno, desde aquí quiero rendirle un pequeño homenaje al autor y al responsable al 50% de esta película.

Título: 2001: Una Odisea del espacio
Director: Stanley Kubrick.
Guionistas: Stanley Kubrick y Arthur C. Clarke.
Productores: Stanley Kubrick y Victor Lyndon.
Intérpretes: Keir Dulea (David Bowman), Gary Lockwood (Frank Poole), William Sylvester (Dr. Heywood Floyd) y Douglas Rain (voz de HAL 9000).
Año: 1968.

Sinopsis:
En un futuro no muy lejano, se encuentra en la Luna la primera señal de vida inteligente de origen extraterrestre: un monolito enterrado hace 4 millones de años. Sin embargo, el viaje hasta la siguiente pista resulta ser toda una travesía, con un destino sorprendente.

Crítica:
Un auténtico coñazo, tenedlo muy en cuenta; si hay algo que se echa en falta en esta película es ritmo, si a eso le unimos que Kubrick no hace el esfuerzo de ponerse en el lugar del espectador para hacerle llegar el mensaje, pues tenemos 2 horas y 20 minutos interminables y casi inteligibles. Es por ello por lo que insisto en el libro, pues es en este caso donde podemos encontrar un gran ejemplo de la simbiosis entre cine y literatura (hay mínimas diferencias entre ellos, excepto en la forma de contar la parte final, lo cual es una auténtica pena). Una vez leido el libro, vemos la película con otros ojos, como si fuera casi un documental por el detalle y realismo (tanto en apariencia y trama convincente como en la forma de conseguirlo); la película desprende hechos, no una historia contada (posiblemente ayudado por la falta de algún tipo de narración y casi de diálogos). En cuanto a la trama, son 3 historias casi independientes ("los monos", la expedición lunar, y el viaje a Júpiter), pero que forman una consistente y buena historia de ciencia ficción (donde predomina la soledad y la escasez de vida de principio a fin, salpicada por la cuestión filosófica de la mano de HAL9000, un personaje en toda regla y otra seña de identidad del largometraje): "El amanecer del hombre", que sería una preintroducción a la trama (la famosa "escena de los monos"), alcanzando la introducción de la historia propiamente dicha mediante un salto de 4 millones de años (desde el hueso hasta la "era espacial"), el encuentro con el monolito TMA1, el viaje siguiendo su pista (donde transcurre la odisea propiamente dicha) y el desenlace a traves de un viaje más allá del tiempo y del espacio. Creo que el fallo de Kubrick radica precisamente en esta última parte, donde se no alcanza la claridad del libro (y en mi opinión, se va un poco por las nubes), y es donde más se echa en falta que no sepa explicar solo con apoyo de la música y la fotografía (las cuales son pilar básico del film y son de recordar, sobre todo la inolvidable presentación con la alineación de Sol, Tierra y Luna con "Así habló Zaratrusta" de Richard Strauss acompañando), aunque los pocos diálogos existentes son para prestarles también la máxima atención. Esta película es precisión al mínimo detalle, por lo que me encantaría contar mucho más, pero no creo que sea adecuado que para eso ya está la película que lo hace perfectamente (a parte de que podría alargar demasiado esta entrada y seguro que se me olvidaría algo en el tintero).

Lo mejor: El detalle y precisión en todo (desde las leyes físicas, hasta el aspecto, la funcionalidad, la visión de un futuro bastante probable, selección de fotografía y de música,...).

Lo peor: Falta de capacidad para lanzar un mensaje, y ausencia de un ritmo adecuado para la duración e historia. Sobran metraje y planos.

Mi opinión: Sigo sin saberla, lo mio con esta película-libro es enfermedad.

Cine oriental de mamporros: El Luchador Manco

2008-03-25T18:42:00.002+01:00

Si sólo pudiera elegir un género en el cine para saberlo todo acerca de él, elegiría sin duda el cine oriental. Claro, que esto no es un género por sí sólo. Afinando más diría que me inclino por el cine oriental de porrazos. Por desgracia (y suerte de mi pareja) no tengo tanto tiempo para ver todo lo que quisiera.

La verdad es que, independientemente de la calidad que tengan algunas, ejercen sobre mí una fascinación malsana. Primero por ese aire de western postmoderno que irradian. Luego porque los orientales, tanto chinos como japoneses, tienen un sistema de valores completamente ajeno al nuestro (donde se ensalza cierto grado de humillación) que nos suele dejar perplejos. Y ya finalmente por el aspecto espectacular y a veces risible de las peleas. Tanto más risibles a medida que nos retrasamos en el tiempo. Como Grease, que a medida que envejece es más divertida.

El cine oriental chino está cargado de leyendas e historias, algunas de ellas adaptadas o recogidas por el cine posterior. En Kill-Bill, gran ejemplo, Pai-Mei, cruel maestro de La Novia, recoge el personaje legendario (con dosis de realidad) de Bak-Mei, superviviente de la destrucción del Templo del Loto Blanco, al que el cine de Hong Kong honró con multitud de películas a finales de los 70. Por cierto que otro histórico personaje llevado a Kill-Bill es Hattori Hanzou, el constructor de katanas e inspirador del universo ninja (como contó Kirai).

El Luchador Manco (one-armed boxer) es uno de los personajes que más transcendieron de aquella primera etapa del cine de acción chino. Su intérprete (Jimmy Wang Yu) se hizo pronto famoso y millonario y protagonizaría varias secuelas del film. Por cierto, que su primer personaje fue "el espadachín manco", a quien daría vida también en numerosas ocasiones, llevándole a enfrentar a otro clásico luchador -este japonés- revivido últimamente: Zatoichi, el samurai ciego.

Entenderán ahora un poco más por qué me parece apasionante el cine oriental. Y si bien las modernas películas de mamporros carecen de la simplicidad y encanto de sus predecesoras, algunas contienen elementos interesantes (como Hero) y otras pasan directamente a ser cine "serio", como La Espada del Samurai, The Hidden Blade o El Ocaso del Samurai.

Hace tiempo encontré, en algún rincón del videoclub, El Luchador Manco contra el Maestro de la Guillotina Voladora. Con semejante título, ¿cómo no cogerla?. La película, de 1975, era un despropósito de peleas con trasfondo de venganza: el maestro de la guillotina voladora, un legendario asesino tibetano, busca vengar la muerte de dos de sus discípulos a manos del luchador manco, muerte sucedida en la primera película.

Debo reconocer que en esta película me puse de parte del viejo maestro: un pobre anciano ciego con un dominio mortal de la temible guillotina voladora. El luchador manco me pareció un tramposo dispuesto a emplear cualquier ardid que le proporcionara algún beneficio. Pero bueno, al fin y al cabo así debe ser una lucha a muerte. Y me quedé con ganas de ver la primera película.

Y esa vi el otro día, ya que, por arte de magia o del encargado, de pronto apareció en la estantería. Esta película narra la historia del enfrentamiento entre la poderosa y corrupta organización Hook Gang y la escuela Ching Te, donde entrena el joven Tien Lung. Incapaz de superar en pericia a los boxeadores de Ching Te, Chao, el malvado líder de Hook Gang contrata a los más temibles guerreros extranjeros para que den un repaso a los pobres estudiantes rivales. Y como la cosa va a más, los terribles mercenarios acaban cargándose a todo el personal, excepto al (afortunado) Tien Lung, quien tan sólo pierde un brazo.

Tras ello, y habiendo estado a punto de morir, el joven entrena el brazo restante hasta convertirlo en un arma de matar, vuelve al pueblo y se carga a todos los rivales. Y punto pelota.

Pero, sinceramente, más vale que deje el tráiler y os hagáis (quienes no la hayan visto) una idea:

Y aquí viene una prueba de compatibilidad:

(si no lo sabes) ¿Te has quedado con ganas de saber qué forma tiene una guillotina voladora?

Como el formulario no va a ningún lado, haz tú mismo el cálculo: si la respuesta es no, usted y yo hablaremos del tiempo la próxima vez que nos encontremos. Si es que sí, súmate 5 puntos de compatibilidad conmigo. Felicidades.

Más acerca de Jimmy Wang Yu en la wikipedia (inglesa). Y también un artículo, muy completo, acerca del género de las artes marciales en china.

Crítica: Reaper (serie)

2008-03-15T17:03:00.001+01:00

Bueno, pues en la linea del desaparecido en combate Gato Cuántico, me atrevo a comentar una serie popular a la que últimamente me he enganchado. No es fácil que yo me enganche a una serie. Primero, porque todas esas series tan tan buenas como Los Soprano, Dexter, Lost... las hacen o bien en canales de pago que no tengo, o bien a horas cambiantes y tardías. Y yo soy un tío de horarios fijos y rutinas claras que apenas ve la tele.

Cuando lo hago, concedo 10 segundos de prueba a las series que por azar caen en el tubo. Y si en diez segundos no me convencen, fuera. Así me enganché a House y a Me Llamo Earl, las únicas series que he seguido con cierto interés.

Al igual que "Me Llamo Earl", Reaper ha sido programada por La Sexta aquí en España. Sin ser una obra maestra, es una serie entretenida y con algunos puntos interesantes. Sólo queda rezar para que la cadena verde no la maltrate demasiado (como le sucedió a Earl) y le de algo de vidilla antes de acabar en el cajón de las series. Lo mismo se puede pedir a la productora.

Pero basta de rollo y vamos a meternos en harina.

Reaper

Intérpretes: Bret Harrison, Ray Wise, Missy Peregrym, Tyler Labine, Rick Gonzalez.
Directores y creadores: Peter Lauer, James Head, Kevin Smith, Tara Butters, Michele Fazekas.
Año: 2007-

Sinopsis

El día de su cumpleaños, el Diablo (Ray Wise) le tiene una sorpresa guardada a Sam Oliver (Bret Harrison). Literalmente. Su alma le pertenece, pues fue vendida por sus padres antes de que naciera, presumiblemente a cambio de la salud de su padre. Sam debe pues, trabajar para el Demonio cazando almas escapadas del infierno. En su tarea le ayudarán sus dos amigos, Ben (Tyler Labine) y Sock (Rick Gonzalez). Juntos plantarán cara a los más terribles asesinos provistos de increíbles armas de la sección de jardinería...

Opinión

No negaran que el planteamiento no es interesante. En mi opinión, las buenas series deben tener una estructura similar en cada capítulo y, además, desarrollar una o dos tramas más complejas en el trasfondo. Veamos lo que sucede en esta.

El guión de cada capítulo es muy parecido: Sam se encuentra una mañana con extraños poderes. Por qué los tiene no lo sabe, pero es señal y pista de que un alma infernal anda suelta. Acto seguido recibe un receptáculo, el cazamariposas de almas: tampoco sabe cómo funciona, pero se supone otra pista. El Diablo le visita, le da algún consejillo y Sam, quiera que no, se debe enfrentar al demonio huido. A la primera o a la segunda y tras algún susto, Sam, acompañado de sus amigos, atrapa al fugitivo.

A partir de ahí hay varios elementos interesantes. El primero, la relación de Sam con Andi (Missy Peregrym), compañera de trabajo y amiga-casi-novia-pero-no-sucede-nada. Sam se niega, en principio, a revelar su doble vida, cosa que, evidentemente, causa problemas en su relación. Lo más natural en el desarrollo de la serie sería que Andi pasase a formar parte de la caza de demonios, pero no está la cosa clara, ya que el Diablo se lo tiene expresamente prohibido a Sam. En todo caso no se puede prolongar demasiado el casi-que-somos-novios.

Por otro lado está la relación del protagonista con sus padres, un poco tirante desde que descubrió lo de la venta del alma y todo eso. En un capítulo se da a entender que las razones de la venta podrían ser algo más oscuras. De momento, queda la cosa abierta y por desarrollar.

Y sobretodo, la relación de ¿amistad? que tiene el Diablo y Sam. El Diablo, no contento con hacerle trabajar, se ofrece a aconsejarle: sentimentalmente y en cualquier otro aspecto en el que pueda meter baza. El problema es que el Diablo, que tan bien conoce a los humanos, no deja de ser malo. Así que tenemos a Sam currando por el bien (las almas huidas van cometiendo asesinatos por ahí) a las órdenes de malo más malo de todos, empeñado en ayudar a Sam a ligar. Sin duda, la evolución de esta relación animará la serie.

Por el camino se disemina cierto humor gamberro -pero familiar- a cargo sobretodo de Sock, el amigo gandul y lenguaraz. Completa el trío Ben, que pone el lado racional y entrañable (¡me recuerda al Hombre Cangrejo!). Los tres trabajan en una especie de Wall-Mart donde una espléndida caricatura de jefe les hace la vida imposible. La tienda es usada además como centro de operaciones y aprovisionamiento. La duración de cada capítulo (en torno a media hora) propicia que hasta me quede con ganas de un poco más.

Entre los asesores de los guionistas se encuentra Kevin Smith, quien además realizó el episodio piloto. Aunque esto no asegure calidad, sí que se nota la firma del director en el humor. Para quien sólo conozca al director de Jersey a través de sus películas, existen varios monólogos famosos en Youtube, en los cuales éste pone a caldo a Tim Burton y a algún productor. Los fans del creador de Eduardo Manostijeras no se lo perdonarán jamás. Aquí uno y aquí otro (si tienen tiempo han de ver este último, por favor, y después el primero).

En fin, una serie para descansar la cena en el sofá, para toda la familia y entretenida. Eso es lo que yo pido a los directivos de la tele para entre semana. ¿Es acaso pedir demasiado?.

Mongol, de Sergei Bodrov

2008-03-05T12:47:00.000+01:00

Había oído hablar mucho de los pretest que se hacen a las películas antes de estrenarse para ver la aceptación que tendrán, si se tiene que cambiar algo, que es lo que más gusta, lo que menos, su tirón comercial... pero nunca había participado en uno. La semana pasada estuve en Nueva York con mi novia (dejad de envidiarme, xD), y en el vestíbulo de un cine en el que no habíamos encontrado ninguna película que nos interesara (aunque nos gustó ver “El Orfanato” en la cartelera) nos ofrecieron participar en uno de esos tests. Se trató de “Mongol”, de Sergei Bodrov, película nominada al Oscar a la mejor película de habla no inglesa de este año por Kazajstán.

El filme nos narra la vida de Gengis Khan en sus años de niñez y juventud antes de convertirse en la figura que es hoy. La muerte de su padre, la separación forzada de su prometida, el enfrentamiento con su hermano de sangre y la decisión de unir a todos los pueblos mongoles para formar una gran nación.

Se trata de una superproducción de gran magnitud, con un despliegue de medios digno de cualquier filme norteamericano. Sin embargo, se trata de una película épica con pocas batallas (aunque buenas) y bastantes relaciones personales, una concepción oriental de la épica, pero con influencias occidentales. El guión, más que aceptable, lleva un buen ritmo durante toda la película, aunque peca de contemplativo en algunas ocasiones. La fotografía, a cargo de Rogier Stoffers (“Disturbia”, “John Q”) y Sergei Trofimov, es magnífica, al igual que las localizaciones, un conjunto que nos traslada a un paisaje inhóspito pero próximo, al hogar de un joven Khan que forja él mismo al futuro conquistador.

En el apartado interpretativo destaca el actor que interpreta al amigo/hermano del joven Gengis, Honglei Sun, que ya pudimos ver en el papel protagonista de la delicada “The Road Home” de Zhang Yimou. El resto del reparto realiza un trabajo aceptable, con parcas interpretaciones, sobre todo la de Tadanobu Asano, Khan, que nos intenta transmitir cierto misticismo, pero que no logra convencer del todo al espectador occidental.

En conjunto, una buena obra que, sin embargo, se quedó sin la estatuilla. Sólo se ha estrenado en Rusia y en diversos festivales, y hasta verano no llegará a las pantallas norteamericanas y de ahí, si su éxito la avala, al resto de carteleras internacionales. Desde aquí un voto de confianza y un gesto de alegría por Bodrov y Kazajstán, porque no todo en esta vida es occidente ni los tres asiáticos de siempre.

En cuanto al test, tras finalizar la película nos pasaron un cuestionario donde se nos pedía la valoración de la interpretación de los actores, se nos preguntaba cuál era la escena que más nos había gustado y la que menos, si los subtítulos se entendían bien o iban demasiado rápido, cuál era nuestra impresión general, a quién se la recomendaríamos y a quién no y por qué… Muchas preguntas para valorar la aceptación de la sala. La verdad es que nos gustó bastante a todos los que estábamos ahí y, pese a que yo pensaba que seríamos pocos los que nos prestaríamos a la prueba, la sala, bastante grande, estaba prácticamente llena.

No es pais para viejos

2008-03-03T14:40:00.003+01:00

SINOPSIS: En el estado fronterizo de Texas, en el año 1980, Llewelyn Moss (Josh Brolin), un cazador de antílopes que se encuentra cerca de Río Grande, descubre un día un hombre acribillado a balazos, un cargamento de heroína y dos millones de dólares en efectivo...

...que no duda en recoger para largarse tan pancho con la pasta, lo que supondrá el comienzo de una persecución que costará la vida a mas de uno.

No se como definir esta película, así que iré dando unas pinceladas para los que no la hayan visto y luego me meteré al turrón ;)

Básicamente es lo que parece, una película sobre un hombre perseguido por el destino, que el mismo ha escogido al robar el dinero de un intercambio de droga fallido, y que decidirá su destino.
La película va cambiando el centro de atención de la película, y aunque básicamente vemos a nuestro vaquero perseguido por un psicópata que solo busca recuperar el dinero, la acción cambia de vez en cuando para prestar la narración a un viejo policía que no entiende los tiempos que le han tocado vivir. la película es pura tensión y se ve bien, no se hace corta ni larga y quizás lo mejor son las escenas en las que parece que el mundo desaparece del plano y tanto cazador como presa están solos en su particular mundo en el que uno de los dos ha de morir.

Ahora, entrando mas en detalle la película me resultó una mezcla de los Los tres entierros de Melquíades Estrada y Terminator. Bardem está excepcional en su papel de psicópata, y Josh Browlin borda el papel de un cazador de las llanuras mas inteligente que la media, de hecho la mayor parte de la diversión en esta película para mi era observar el calculado siguiente movimiento del protagonista para escapar con el dinero impunemente. Pero tiene unos cuantos detalles que a mi me estropearon un poco la película, y aquí puede colocarse la alerta spoilers . Durante toda la película se van alternando escenas con el policía que hace el seguimiento del caso y que siempre va 5 pasos por detrás de la acción, pero lo molesto es que que se empeña en darnos lecciones de moralidad con tintes nostálgicos contándonos como en los viejos tiempos hasta los delincuentes eran mejores, por otra parte tenemos una sorprendentemente molesta tendencia en la película a dar un toque de "realismo", incluyendo sucesos mas o menos al azar que nada tienen que ver con el desarrollo de la acción. pero que cambian el curso de la historia, a saber: la muerte de nuestro protagonista de una manera bastante estúpida, o el accidente del final solo por nombrar los dos mas sangrantes.

Con todo la película se ve bien en un tirón, y se hace entretenida e interesante, así que se la recomiendo a todo el mundo. Y por supuesto, el oscar a Bardem está mas que merecidísimo

¿En qué se gasta el dinero?

2008-02-28T12:44:00.002+01:00

Pues a riesgo de que la mayoría de vosotros ya hayais visto los videos, yo me hago ésta pregunta. Es decir, podemos ver en éstos dos videos como estos GAST (gente amateur sobradamente talentosa) montan escenas dignas de cualquier superproducción, y (aparentemente) con un bajo presupuesto.

El primero de ellos recrea la batalla en Omaha Beach que pudimos ver en Salvar al Soldado Ryan. Con chroma por aquí, 3D por allá y mucho talento nos dejan una escena que, al menos en calidad youtube, no tiene mucho que envidiar a las superproducciones americanas.

El segundo viene a ser el video que todo fan de Star Wars querría hacer. Vale que el truco de las espadas de luz está muy visto, pero en éste video hacen uso de otros trucos más vistosos y con una puesta en escena muy de Lucas. No en vano uno de ellos parece que ha fichado por LucasArts para la producción de videojuegos de la saga.

Parece que en poco tiempo ya no sólo tendremos films amateurs poblando la cartelera (Once), sino también superproducciones de bajo coste. La revolución ha comenzado.

Como añadido, quiero comentar un detalle sobre la gala de los Oscar. Parece que se ha criticado mucho el oscar a mejores efectos visuales para La Brújula Dorada, y no seré yo quien se posicione, pero puede que se deba a un cambio de mentalidad en la Academia.

Al parecer, en lo que respecta a banda sonora y canción, ya no sólo se valoran aisladamente, sinó que cuenta la importancia y adecuación dentro del film. Hasta ahora, los académicos recibían un CD, y a votar. Ahora deben ver el film y juzgar la función la banda sonora en el film, con lo que las clásicas canciones de los títulos de créditos dejarán de ser candidatas.

Puede que algo así se aplique a los efectos especiales, y los espectáculos visuales gratuitos pierdan puntos frente a otros más modestos pero acertados. ¿Creeis acertada esa decisión?

Crítica: Harry Potter y la Órden del Fénix

2008-02-26T20:36:00.000+01:00

¿Qué hacer cuándo es domingo, hace frío y viento y tu hermano pequeño se encuentra con fiebre?. Pues bajarte al videoclub a coger la última de Harry Potter. Bueno, es un poco una excusa, porque él ya la había visto en el cine y yo no. Pero cualquier excusa es buena, sobretodo si ver una película me obliga a escribir en el blog.

Vengan las presentaciones: sigo los libros de Harry Potter, me los he leído todos, y el último consiguió mantenerme leyendo del tirón las últimas 200 páginas hasta la 1 de la noche. Aunque lo intento, no consigo hacerlo con El Universo Elegante. Me fundo a las cuatro páginas. No es que ponga la saga un pedestal literario por encima de las sogas (esta broma es responsabilidad mía), pero los libros de HP me han entretenido y mucho. Las películas también, aunque no tanto. De hecho creo que todas no las he visto. Pero venga vamos que me estoy enrollando, hoy nos toca cine familiar:

Harry Potter y la Órden del Fénix

Director: David Yates
Guión: Michael Goldenberg
Actores: Daniel Radcliffe, Emma Watson, Rupert Grint, Imelda Staunton, Ralph Fiennes
Año: 2007

Sinopsis

Harry Potter (Daniel Radcliffe) está triste, ¿que le pasa a Harry Potter?. No duerme bien, tiene pesadillas, lo toman por loco... el Ministerio de Magia va a por él y a por Dumbledore, quienes afirman que el Innombrable ha regresado. Para ello, coloca a la terrible profesora Dolores Umbridge (Imelda Staunton) a cargo de Hogwarts. Sin embargo, ese será el menor problema de Harry cuando descubra las verdaderas intenciones del poderoso mago oscuro, con quien se encuentra misteriosamente ligado...

Crítica

Lo primero es reconocer que debe ser sencillo dirigir una película de Harry Potter. En general todas han salido bien, puesto que todos y cada uno de los libros son sustancialmente fílmicos: una historia principal, varias secundarias, caracteres muy marcados y un escenario perfectamente descrito. Así, dirigir una película de estas debe ser tirar de manual: si tienes una buena historia, mejor no especular con ella. Además si te apartas un poco del novelesco guion es fácil que los fans (y autora) se te echen al cuello.

Hay un problema y es la extensión del libro. En este caso, además, J.K.Rowling machaca su Olivetti con más de 950 páginas (en catalán). Y eso no es fácil de trasladar. El desafío consiste en quitar cosas sin que el conjunto quede manco, o cojo, o lo que sea. Desgraciadamente, en lugar de eliminar, el director parece que quiere poner de todo (aunque poco). El resultado es que, sobretodo al principio de la peli, los diálogos y escenas parecen cortadas, como si faltara algo más que decir: más que conversar, los personajes sentencian. Al menos esa sensación tenía yo.

Hay otras cosas con las que se puede ganar en el paso a la peli. La música por ejemplo, un aspecto cuidado en todas las de la saga. Las recreaciones de los escenarios son tan grandiosas que debo reconocer que superan lo que imagino al leer los libros. Mención especial para el castillo de Hogwarts, reconvertido en icono turístico gracias a las películas. Pero eso ya me lo esperaba, habiendo visto las anteriores.

Los personajes son los que más salen perdiendo en esta historia porque, por desgracia, no da mucho tiempo a desarrollarlos. Harry Potter es un niño insoportable en este libro y aquí apenas se le nota enfurruñado. No hay nada de la química entre Ron (Rupert Grint) y Hermione (Emma Watson), ni de los amoríos de Ginny ni del desencanto de Sirius ni su rivalidad con Snape. Y de la relación de éste con el padre de Harry... ná de ná. Aquí sólo doy mención de honor a la caracterización de Ojo-Loco Murry y al espléndido malvado Voldemort (Ralph Fiennes) que si te pilla, te mata (sobre todo en un avión)¹. Es un actor que creo puede bordar el papel del mago oscuro y sería de agradecer que en la siguientes películas dispusiera de mayor espacio.

¿Qué más? Esperaba ver esta película porque las cosas se empiezan a poner oscuras en la saga y, por qué no decirlo, porque Voldemort y Dumbledore se enfrentan por primera vez. La escena, aunque espectacular, me ha decepcionado un poco y la verdad es que me gustaría que hubiese sido más fiel a la recreación del libro.

¿Veis lo que decía?: te sales del 'guión' y se te tiran al cuello.

Lo mejor: la recreación del universo HP. Que es muy entretenida.
Lo peor: demasiado libro para tan poco metraje. Los personajes no quedan bien definidos.
Mi opinión: cine familiar en estado puro, divertida. No hay conflicto alguno entre cine y literatura: la película es en este caso el complemento ideal del libro.

¹ Esa broma también es mía, qué pasa.

Embarazosas Películas

2008-02-21T19:13:00.003+01:00

Una de las grandes "sorpresas" de los Oscars es que siempre hay una película "independiente y de bajo presupuesto" que se cuela en las quinielas de las grandes ligas: Mejor película, actor, actriz o director. Este año ese honor le ha tocado a "Juno", una comedia/melodrama sobre el embarazo adolescente. Espero que lo gane.

Hay que reconocerle a Diablo Cody el mérito del guión. Los actores son buenos, pero la historia es superior. El personaje de Juno es lo suficientemente descerebrado como para no tomar las más básicas precauciones, y al mismo tiempo lo suficientemente responsable como para tomar una decisión que va a suponer un cambio radical en su vida. En mi modesta opinión, son también los personajes secundarios que acompañan a Juno en su particular odisea los que hacen que esta película sea una gran película. Atentos a los padres de Juno, sobretodo a la madrastra. Y por supuesto al papel del "pasota". No quiero dar más detalles porque es mucho mejor descubrir los diversos matices al ver la película. Por si os interesa otra opinión aquí os dejo el enlace al estupendo blog "El séptimo cielo"

Pero los embarazos han estado presentes en el cine más de una vez. Generalmente como acompañamiento dramático, aunque curiosamente se intentaba disimular ese estado de buena esperanza en la mujer (la barriga vamos). Recordemos a la embarazada que no lo parece de "La Diligencia" o a Scarlett O'Hara en "Lo que el viento se llevó". Poco a poco se fueron viendo más y más a las gestantes como tal, con papeles cada vez más largos y fundamentales: Elizabeth Taylor en "Gigante" por ejemplo. El proceso siguió hasta que al final las embarazadas y la gestación fueron el motivo principal de la película. Unas veces para hacer reír, otras para llorar y otras para temblar.

En la sección risas tenemos por ejemplo a la ligera comedia "Nueve meses" protagonizada por el más famoso cliente de las prostitutas de Hollywood Blvd. Esta a su vez era un remake de una película francesa del mismo título.

Sin embargo tenemos un precedente patrio. En estos lares está la tonta comedia "El padre de la criatura", ¡cómo no!, la típica cinta de Paco Martínez Soria.

En el lado del dolor tenemos toda una serie de películas dedicadas al aborto. Este es un tema más que polémico y como todo hijo de vecino tengo mi opinión sobre el mismo. Pero este es un blog de cine y no un blog sobre moral. Solo voy a apuntar las películas que han tratado el tema.

La más reciente es la rumana "4 meses, 3 semanas, 2 días". Está ambientada en las postrimerías de la Rumanía comunista de Ceauscescu, cuando abortar era un delito. Nos relata una particular bajada a los infiernos de una estudiante rumana. No la he visto aun, pero la veré y por ello no la comento.

Una producción que trato el tema desde el punto de vista de tres mujeres a lo largo de diferentes épocas y situaciones fue "Si las paredes hablasen". Una curiosidad de esta película es que Cher dirige una de las partes, concretamente la dedicada a 1996. En la parte dedicada a 1950 sale Demi Moore y en la de 1974, Sissy Spacek.

Más suave en sus imágenes, pero no menos dramática es "Las normas de la casa de la sidra". En ella tenemos a un Michael Caine interpretando a un doctor responsable de un orfanato que a su vez realiza abortos clandestinos en la América de la Gran Depresión. También vemos a una correcta Charlize Teron y probablemente la mejor interpretación de Tobey Macguire (lo cual no es decir mucho). En este caso la visión del problema es muy amable y comprensiva. Podría resumirse en la frase: "Algunas veces hay que romper la reglas para hacer lo correcto".

Sin embargo, el embarazo más famoso del Cine es aquel que nos ha hecho temblar. Efectivamente, me estoy refiriendo a "La semilla del diablo". La película está llena de anécdotas y augurios. Mi preferido es aquel en el que Polanski forzó a Mia Farrow a cruzar una calle con un tráfico denso. Mia temía que algún coche la golpearía pero Polanski le dijo. "Van a parar. No hay nadie capaz de matar a una embarazada". En esa ocasión Polanski acertó, pero desgraciadamente no fue así en el caso de su mujer.

Hasta la próxima

CRÍTICA: ACCIÓN MUTANTE (1993)

2008-02-16T14:31:00.002+01:00

Saludos. Sigo faltando a mi prometida regularidad, y creo que esto no lo arreglan los yogures y cereales esos que anuncian. En fin, por diversas causas no he visto muchas películas últimamente, y aprovechando unos días casi libres (y la oferta de cierto periódico) vi una de mis películas preferidas en mi primera juventud, y la cual no veía desde que me deshice del VHS. Seguramente muchos ya la habréis visto, pero me gustaría compartir mi opinión.

ACCIÓN MUTANTE

Director: Álex de la Iglesia.
Guionistas: Jorge Guerricaechevarría y Álex de la Iglesia.
Actores: Antonio Resines, Álex Angulo, Frédérique Ferrer, Fernando Guillén, Karra Elejalde, Saturnino García, Enrique San Francisco.
Año: 1993.

Sinopsis

En 2012, una España distópica está fuertemente jerarquizada entre lo que podríamos decir la gente guapa (snobs, subproductos de la industria del corazón, ricos, modelos de cutrelux y plástico...), sus subordinados (tanto humanos como robots, privados o pagados por el estado), y las "distintas" escisiones de las masas oprimidas que pueblan los callejones de la gran urbe: chusma, parias, mendigos, perdedores, marginados, pobres,... Y un grupo de minusválidos que componen una desastrosa organización terrorista llamada "Acción Mutante", los cuales perpetran de forma lamentable el secuestro de la hija de un importante industrial, lo cual sacará a la luz una traición interna de la banda y generará una rivalidad entre dos de los miembros.

Crítica

Si en 1993 ideamos un futuro en el que no tiene hueco la pulcritud, puede llegar a ser surrealista (como el funcionamiento de la nueva moneda europea, el ECU). Ciudad "Cyberpunk", desierto "Mad Max", muertes estilo "Paranoia",...Película ante todo ecléctica (quizás demasiado ecléctica) que rebosa frikismos varios y parece que toma una pincelada de cualquier cosa que pueda ser ciencia ficción (tanto del cine, de la literatura, de juegos de rol y de cómics), y sin embargo, parece coherente. No solo es una mezcla de estilos de ciencia ficción, sino de ritmos y giros de argumentos en los que no termina de definirse ninguno en concreto y que en ocasiones lo único que tienen en común es una gran costra que termina haciendo una historia tan consistente, cutre y asquerosa como un moco elástico a punto de romperse. Y si bien puede parecer breve y que se queda un poco a medias (95 minutos), creo que está en el límite para no ser pesada y cansar. Sin embargo encontramos compensación a esos errores de ejecución en la ambientación generada (Goya al mejor maquillaje y peluquería, y Goya a los mejores especiales) pues sin ellos, posiblemente hubiera perdido gran parte de la credibilidad que tiene el film. Amén de los premios antes mencionados, quisiera recordar un conjunto de nominaciones que apuntan en cierto sentido el nivel del conjunto del equipo: al mejor director novel, al mejor montaje y a la mejor dirección artística, consiguiendo el Goya a la mejor dirección de producción. Y en cuanto al aspecto musical, Def Con Dos pone la musica de cabecera (recomiendo escuchar la letra si podéis) y la sintonía de unos personajes entrañables que son los mineros locos, sin embargo, "el momento musical" se lo lleva la unión de Karina con la ejecución del secuestro durante la boda.

Lo mejor: Ese universo y ambientación, en lo que resultan tan naturales los personajes (lo cual es difícil) tanto si son integrantes Acción Mutante como si no, que creo que son lo mejor de la película.
Lo peor: Lástima que ese universo y ambientación no resulte del todo original y los miembros de Acción Mutante no sean lo suficientemente aprovechados.
Mi opinión: Tiene sus errores, pero creo que son asumibles y más en una opera prima que la perspectiva de los años la definen la mejor carta de presentación de un gran equipo, que forman Álex de la Iglesia y Jorge Guerricaechevarría. Me parece fresca y bastante original(lo cual suele ser difícil en el cine español), me hace gracia, y (por que no decirlo) me toca en muchos puntos personales (ja ja). Una pequeña joya para disfrutar de vez en cuando.

Serie: "The Hire"

2008-02-05T13:03:00.000+01:00

“The Hire” es una serie americana, si más no, atípica. Al igual que hizo Freixenet con Martín Scorsese el año pasado, en 2001 y 2002 BMW confío en el séptimo arte para mostrar su marca de una forma diferente. Los ocho capítulos de la serie están unidos por unos pocos elementos en común: la cabecera (aunque cambia de la primera a la segunda temporada) y Clive Owen, el protagonista de la serie, un hombre torturado, misterioso y serio al volante de un BMW, el tercer punto común de la serie.

De hecho, la serie (que lo es por concepción y por los puntos en común ya mencionados) son ocho cortos independientes argumentalmente, en los que persiste el personaje de Owen. Así, podemos considerar como argumento general de la serie las vicisitudes de un conductor a sueldo al que el destino pone a prueba.

Cada capítulo (de unos ocho minutos de duración) está escrito y dirigido por un guionista y un realizador diferente, donde cada uno aporta su toque personal al episodio. Directores tan dispares a primera vista como Tony Scott, Guy Ritchie, Wong Kar-Wai, Alejandro González Iñárritu, John Woo o Ang Lee se hacen cargo de la realización, mientras que ante el papel en blanco se encuentran guionistas de la talla de Andrew Kevin Walker (Seven) o el propio Inárritu, entre otros. Ante las cámaras, se sitúan actores de la talla de Clive Owen, Forest Whitaker, Don Cheadle, Gary Oldman o Mickey Rourke. Y en todos los episodios, la serie ofrece un alto nivel de producción y un equipo técnico y artístico a la altura del resto del proyecto.

Cada capítulo comienza in media res, y a través de las diferentes situaciones a las que se enfrenta Owen en su trabajo como conductor conocemos un poco más al personaje. Obviamente, se trata de lucir el coche y transmitir el atractivo, el riesgo, la velocidad, el estilo… pero lo hacen bien, sin supeditar la historia al automóvil.

El resultado no podría ser mejor. Exceptuando el episodio de Guy Ritchie, donde se crea un capítulo a medida de su mujer (Madonna) algo ajeno a la serie, el proyecto al completo sigue una línea inmersa en el suspense y la acción siempre bajo los diferentes prismas de los realizadores y guionistas de cada capítulo. Vale la pena echarle un vistazo.

Crítica: Los 4 Fantásticos y Silver Surfer

2008-01-30T20:10:00.000+01:00

Bueno bueno. Como lo prometido es deuda, aquí va una entrada sobre una película que vi hace ya un tiempo: Los 4 Fantásticos y Silver Surfer. Me disculparán si queda una entrada corta pero: 1 no tengo mucho tiempo últimamente y 2, la peli tampoco ofrece tanto que comentar. Yo no doy para mas y la película no da para más, en síntesis.

Por delante vayan dos aclaraciones: 1, me encantan las películas de superhéroes. No sé por qué, pero es así. Como si no tuviese bastante con el cuerpazo que gasto. Debo haber visto la mayoría, salvo Electra y Catwoman. Y no porque tenga nada en contra de las féminas repartiendo estopa, qué va. Es que me dijeron que eran tan malas que se me quitaron las ganas. Hace no tanto vi Ghost Rider, del que tenía malas referencias y casi me como el sofá a bocados. Películas, más menos recientes, que sí me han gustado son Hellboy, Constantine, Batman Begins...

Y la segunda aclaración: no soy seguidor de ningún cómic. Ni creo que serlo o dejar de serlo dé mayor consistencia a la valoración de la película. Si el director quiere hacer una película para los seguidores del héroe, allá él. Pero más le vale que sea una buena película, porque si no, no irán a verla más que cuatro gatos. Es decir, no creo que existan buenas películas según los fans del cómic que no lo sean para los legos... ni viceversa.

Y ahora sí... ya llegan:

Los cuatro Fantasticos y Silver Surfer - Fantastic Four, Rise of the Silver Sufer

Director: Tim Story.
Guión: Don Payne, Mark Frost, John Turman.
Actores: Ioan Gruffudd, Jessica Alba, Chris Evans, Michael Chiklis, Julian McMahon.
Año: 2007.

Sinopsis

Unos extraños fenómenos meteorológicos sacuden la Tierra. De la noche a la mañana aparecen zonas, mares y desiertos, completamente congelados. El calentamiento global no tiene nada que ver, ojo. Todo parece obra de un misterioso personaje que atraviesa, como una estela, los cielos. El mundo (ejército estadounidense) confía en la sabiduría de Mr. Fantástico (Ioan Gruffudd), eminente científico, para averiguar lo que sucede. Pero no es el único interesado en conocer el origen de este poder...

Crítica y opinión

En realidad, esta película es la prolongación natural de la primera, estrenada en 2005, con los mismos, los mismos de todo. La primera era una película que mi hermano resumió perfectamente: "una peli de superhéroes dónde, la primera vez que se enfrentan al malo, le ganan y se acaba la peli". Pues sí, era así. La gracia estaba en que, además de las exhibiciones de efectos especiales, la película contaba la historia de los cuatro astronautas y de cómo la radiación les cambió la vida y de cómo lo llevaron y de rivalidades y desamores y cómo aceptaron la fama...

En fin, que no estaba hecha sólo para lucir el virtuasurround de la sala. Y con la segunda pasa lo mismo.

En este caso la película, aunque profundiza un poco menos, se centra en la relación entre Mr Fantástico y La Mujer Invisible (Jessica Alba), cuyo amorío ocupa portadas del corazón y encabeza los telediarios. Ellos sólo se quieren casar y vivir tranquilos, criar hijos y montar una granja de pollos en Nebraska. El sueño americano -digo yo-. Pero claro, con una Antorcha Humana (Chris Evans) como cuñado y una Cosa (Michael Chiklis) como colega, pues no es muy sencillo, que digamos. La pareja tiene en mente enviar a todos al garete y retirarse del heroísmo, que está muy mal pagado.

Por otro lado, la Antorcha Humana y La Cosa no tienen tantos problemas. El primero un poco, porque ve a todo el mundo arrejuntado y él mojar, moja, pero no se enciende en su pecho la llama que debería. Al segundo le va muy bien y ya no tiene esos problemas de aceptación que tan interesante le hacían en la película anterior.

Y ahí acaba el tema profundo. El resto cumple como toca con los cánones del cine de acción familiar. Algo de humor (cameo de Stan Lee incluido), pero pocas peleas. Regresa el verdadero malote, Víctor von Muerte (Julian McMahon), que hará de las suyas. Al final, el compañerismo triunfará y los buenos, trabajando en equipo, darán su merecido al terrible enemigo que pretende destruir la Tierra. Por cierto, que aquí también ganan a la primera.

De Nebraska, ni hablar del peluquín. Y la antorcha se echa novia. ¿Alguien lo dudaba?.

¿Qué más decir?. Los actores tampoco son muy carismáticos. Lo hacen bien y punto. Los efectos especiales, normales. Ya los hacen todos igual de bien. Pero a mi me ha gustado. Quizá la parte sobrenatural de la historia no quedan muy bien hilada. Vamos, que no tiene ni pies ni cabeza el papel de Silver Surfer.

Lo mejor: Es una película de superhéroes que, con un poco más, podría pasar por una que no lo es.
Lo peor: Es una película de superhéroes que, con un poco más, podría pasar por una que no lo es.
Mi opinión: Pues oye, me ha gustado. Entretenida.

1 Pido perdón por las bromas malas del texto. Así las pensé, así las puse.
2 Lo de Nebraska era una broma.

Reflexiones sobre Moda y Cine

2008-01-23T20:49:00.000+01:00

Comentando con un amigo sobre el erotismo en el cine clásico me acorde de unos hechos bastante curiosos y divertidos sobre la influencia de las películas en la moda y el vestuario.

En 1934 se estrenó la película "Sucedió una noche" y en ella Clark Gable se quita la camisa quedando con el torso desnudo al no llevar camiseta. Bueno, dicha escena debió de suponer una autentica conmoción porque a partir de ese momento las ventas de camisetas masculinas sufrieron un bajón.

Sin embargo en 1951 se estrena "Un tranvía llamado deseo". Para alegría de los fabricantes de ropa interior masculina el actor principal era Marlon Brando en camiseta (cuando Marlon Brando era Brando y no Melón Blando). Gracias a esa interpretación nació la moda de las camisetas o T-shirts tan extendida y cómoda.

Lo cierto es que si lo pensamos hay muchas películas que han marcado estilos de moda. Quizás el icono más reconocido sea la sofisticada Audie Hepburn/Holly Golightly en "Desayuno con diamantes". Audrey lucia un ceñido vestido negro diseñado por Givenchy y desde entonces se asume que actriz y diseñador formaron un tamden, aunque realmente esta relación había comenzado en "Sabrina". Paradojicamente, ese primer contacto no fue tan afable como cabría esperar. Los productores se pusieron en contacto con Givenchy preguntandolé si quería hacerse cargo de vestuario de Miss Herburn. El modisto pensó que se referían a Katherine Herburn y contestó positivamente. Cuando Givenchy cayó en la cuenta de que en realidad se trataba de Audrey Herburn, una actriz novata que solo era conocida por su papel en "Vacaciones en Roma", creyó que le habían tomado el pelo y se negó en redondo a hacer el vestuario. Sin embargo la encantadora Audrey consiguió convencerle y dar comienzo a una bella amistad. No en vano el diseñador estuvo acompañando a la artista en su lecho de muerte.

Y hablando de estilos. Billy Wilder dijo de Audrey las siguientes palabras proféticas: "Esta chica va a hacer que los senos pasen de moda". Viendo los problemas que está causando la anorexia en las modelos actuales no le faltaba razón. Es el máldito y eterno problema de llevar las cosas a los extremos.

La fidelidad de una actriz hacia un determinado estilo de vestuario no es algo infrecuente. Un caso famoso es el de Joan Crawford. Fue contratada para interpretar a Karen, la adúltera esposa del capitán que se lía con el sargento interpretado por Burt Lancaster en "De aquí a la eternidad". Sin embargo, la Crawford rescindió el contrato cuando supo que no se le permitiría ni elegir vestuario, ni maquillador, ni peluquero. En su lugar se contrató a Deborah Kerr. Bueno, al menos luego hizo "Johnny Guitar".

Otras veces las relaciones entre cine y moda han ido hasta el terreno de mostrarnos dicho mundo por dentro, pero con resultados poco prometedores en general. Ejemplos los tenemos en "Samantha" con Paul Newman, "Prêt-à-porter" dirigida por Robert Altman, y más recientemente la película "El diablo viste de Prada". Esta es uno de los últimos intentos en mostrarnos ese lado oscuro de la moda.

Lo único salvable de dicha película es la implacable Miranda Priestly interpretada por Meryl Streep, sobre todo cuando dice frases como: Oh, don't be silly - EVERYONE wants this. Everyone wants to be "us".

El principio de una pelicula: El Guión

2008-01-17T23:08:00.001+01:00

Probablemente el primer paso para la creación de una obra del séptimo arte sea un guión; el guión es el pilar fundamental de cualquier película, y puede estar basado en un libro, una pelicula ya hecha(remake), un cómic, un videojuego, o en el menor de los casos -por desgracia-, un guión original hecho para la película.

Un guión no es como una novela, necesita una estructura básica para servir a su propósito en la película, no nos vale una narración continuada de los hechos, ha de tener notas sobre los decorados, las situaciones, las actitudes de los personajes, y aunque la mayoría de estas cosas quedan a juicio y valor del director de la cinta, gran parte debe estar registrada en los guiones para asegurar la menor discrepancia entre las tomas, ya que a menudo las escenas no se ruedan en el orden cronológico del guión (aunque de esto espero hablar en una entrada dedicada al rodaje).

Básicamente se comienza con una idea muy primitiva de lo que será la historia y sus personajes, una sinopsis de la película, seguida de una sección mas detallada de la trama, pero sin entrar todavía en detalles interpretativos o de situación. Esta primera sección del guion suele ser útil para convencer a actores, productores o inversores potenciales a que se unan al proyecto ;)

Después viene el grueso del guión, separado por escenas se van detallando decorados, vestuarios, acciones, actitudes o expresiones del protagonista, ademas por supuesto de todos los diálogos. Aquí se realizan la división de escenas, y cada pagina del guión suele corresponder a un minuto de película.Esta parte del guión sufrirá múltiples modificaciones antes y durante el rodaje, sobre todo por el director, aunque dependiendo de lo flexible que sea nuestro director, también acoge aportaciones del resto del equipo y actores :D

Aparte del guión también es habitual hacer un storyboard, que viene siendo una guía visual a base de dibujos y bocetos de cómo deberían quedar las escenas rodadas, lo que resulta muy útil, sobre todo en películas de animación.

El storyboard matiza partes del guión que podrían ser interpretadas de varias maneras y facilita la labor del director.

Para terminar aquí dejo mas ejemplos de storyboards y un enlace a una muestra del guión de American beauty, película que aprovecho para recomendar a todos los que no la hayan visto ;)

American beauty script
Varias viñetas mas de storyboards

Fuentes:
wikipedia

Cinemaesencia
UEX

Crítica: Jungla de Cristal 4.0

2008-01-13T19:51:00.002+01:00

Pues nada, me he bajado al videoclub y he cogido La Jungla de Cristal 4.0 y Los 4 Fantásticos y Silver Surfer. ¡Os espera cine del bueno, asiduos lectores!. No esperaba ponerme a escribir la crítica ahora mismo, recién acabada de ver la primera, pero mira, visto lo visto, en dos patadas cuento de qué va. Ustedes ponen el ruido de las explosiones y ya tienen el panorama completo.

Jungla de Cristal 4.0 - Live Free or Die Hard 4.0

Director: Len Wiseman.
Actores: Bruce Willis, Timothy Olyphant, Justin Long, Maggie Q, Mary Elizabeth Winstead, Cliff Curtis.
Guión: Mark Bomback, David Marconi.
Año: 2007.

Sinopsis

Un grupo ultra-sofisticado de ciber-terroristas ayudados por unos hackers más bien pardillos llevan a acabo un asalto (CAOS TOTAL) sobre todas las redes de comunicaciones y eléctricas del país. Su objetivo es algo oscuro y misterioso... Sólo cometieron un error: cruzarse en el camino de un madero neoyorkino.... tachán tachán: ¡¡¡John McClane!!!

Crítica

Como ven, el título no es casual. Se llama cuatropuntocero porque el enemigo, además de contar con las tradicionales sub-machin-gun y helicóptero, cuentan también con sofisticados equipos informáticos de modernos colores: negro, azul, plata, como el Vista pero más. Mediante la ingenua colaboración de idealistas hackers (del estilo del informático de Camerá Café pero con menos gracia) han obtenido el control de... de...

Compréndanlo, los guionistas tenían dos opciones: estudiar con profundidad qué se puede hacer y qué no imaginando un hipotético asalto a las centrales tecnológicas del país. Esto requiere consultar a expertos, adquirir conocimientos y perder mucho tiempo... ooooo también pueden imaginar que los malos pueden controlarlo absolutamente todo y no dar muchos detalles de cómo lo hacen, ya que quedan un poco ridículos.

Doy tres segundos para adivinar qué opción tomaron los guionistas.

Vale, así que John McClane no sólo se enfrenta a malos con pistolas, no. También tiene que derribar a un helicoptero que monitoriza la posición de su coche, un F-30 de combate dirigido por los malvados malos y, atentos al tema, escapar de una avalancha de gas dirigida por conductos hacia la central eléctrica donde casualmente se encuentra. Por supuesto, John da buena cuenta de todo ello, faltaría más y, entretanto, se reconcilia con su hija rebelde (Mary Elizabeth Winstead), secuestrada por los malvados. Mala idea, chicos.

Le ayuda un jovencito pirata pusilánime (Justin Long) maravillado frente la camiseta sudorosa del detective. Para que él también pueda sudar algún día, McClane le recuerda la existencia de gimnasios. El joven, metido en su submundo virtual, se sentía atraído por la mística del CAOS TOTAL, que desbarataría el Sistema, concebido para hacernos comprar. Todo esto cambia cuando descubre las consecuencias de este desastre apocalíptico y McClane, en pleno Washington y en 4 de Julio, le descubre el valor del patriotismo. Así cualquiera se convence, claro, y el joven también acaba dando algunos palos, no por medidos menos convenientes y rescatadores.

A los malos, en cambio, eso del Sistema y el CAOS TOTAL se la trae bastante al pairo, porque son malos y los malos pueden ser idealistas y pueden citar a Lenin y se pueden creer los buenos y todo eso... pero si Hollywood dice que son malos el autentico objetivo es uno y está claro: robar la pasta gansa.

La película, por otro lado, no para y hace bien, porque si te deja pensar, estás frito. Muchos tiros desde el principio, explosiones, peleas (la mala -Maggie Q- parece sacada de X-Men) y bromas socarronas de McClane. En realidad, se echan en falta más de estas últimas, porque el talento de Bruce Willis interpretando SU papel es lo mejor de la película. Las relaciones que tiene con cada malo son ya una seña de identidad de cada filme de la saga y ésta no es una excepción. También es seña de identidad la risa de la muerte de McClane, esa que le sale cuando ha estado a punto de morir.

No faltan referencias a las anteriores películas, como la escena en que liquida a un malo arrojándolo por las escaleras. No faltan las impresionantes persecuciones automovilísticas y una escena increíble de coches volando en un túnel. Tanto dinero ahí invertido y luego no se acuerdan de dibujar los impactos de bala en el coche en las tomas largas.

En fin, que si obviamos las barbaridades tecnológicas que cometen, le quitamos la poca carga patriótica que lleva y pasamos por alto la mala imagen que dan de los informáticos (colectivo al que pertenezco) nos queda una película entretenida, animada por el detective más carismático de la gran pantalla.

Dos cosas respecto al tema informático: una, que no me enfado tanto como debería por haber tenido el acierto de dar el papel de Jedi-Gurú-Hacker-Brujo a Kevin Smith, que me cae muy bien por su papel de Silent Boy. Y dos, que sería necesario un blog al estilo Malaciencia para denunciar los excesos y tonterías que se comenten en las pelis cuando la informática se trata. Como mínimo, les dejo con una lista de todo lo que se puede hacer con un ordenador en una peli.

Lo peor: ya que tenían a mano a Kevin Smith, les podría haber ayudado con el guión.
Lo mejor: todas las respuestas de Bruce Willis al malote.
Mi opinión: es más exagerada que todas las 'Junglas' anteriores... pero menos divertida.

PD: Todo lo citado aquí sucede en la película. La cita a Lenin, lo del gimnasio, lo del sistema y el caos total, el jedi 'Brujo'... no exagero por hacer la gracia, vamos.

El Mejor Director de la Historia del Cine: Lista 4

2008-01-03T14:16:00.000+01:00

Con bastante retraso, y 328 votos, aquí están los resultados de la tercera encuesta para votar al mejor director de cine:

En el primer puesto, Martin Scorsese, con 124 votos, seguido de Stanley Kubrick, que cuenta con 122 votos.
En tercer lugar, ya muy por debajo, David Lean tiene 24 votos, y en quinto, con 21 votos, Robert Zemeckis.
El señor Shyamalan cuenta con 15 votos y entra en 6º lugar. El séptimo es para Mel Gibson, con 11 votos, y el octavo, con 6, para Peter Weir.

Quedan últimos con dos votos, Anthony Minghella y Sam Peckinpah. Finalmente, George Roy Hill ha conseguido un solo voto.

La encuesta fue propuesta en julio, para que decidierais entre todos qué director merecía el título de mejor director de la historia del cine. Como son tantos, decidimos hacer varias rondas, cada una con diez directores. El mejor de cada lista sería finalista para una votación final.

Os recordamos que el resto de resultados están aquí, aquí y aquí. Son vuestras preferencias, vosotros decidís.

Y pasamos a la lista número 4, que contiene a los siguientes directores:

1. Los hermanos Cohen
Entre sus películas, destacan Fargo, O' Brother y Ladykillers

2. Charlie Chaplin
Todos recordamos La Quimera del Oro y El Gran Dictador

3. Alejandro Amenabar
Obtuvo su fama con películas como Los Otros o Mar Adentro

4. Fritz Lang
Viajamos en el tiempo para encontrarnos con obras como La Mujer del Cuadro o Encuentro en la Noche

5. Akira Kurosawa
Tiene títulos universales, como Los Siete Samurais o Ran

6. Howard Hawks
Nos amenizó las tardes con películas como La Fiera de Mi Niña, Los Caballeros las Prefieren Rubias, o La Novia Era Él

7. Peter Jackson
La obra que le distinguirá siempre será la trilogía de El Señor de los Anillos, aunque ha dirigido películas como Tu Madre se Ha Comido a Mi Perro o Bad Taste

8. Sam Raimi
El Director de Spiderman tiene en su haber películas como Premonición o las películas Evil Dead.

9. Woody Allen
No podía faltar el genial Woody Allen, que desde Misterioso Asesinato en Manhattan hasta Match Point o Scoop, ha pasado por numerosas películas llegando a extremos de rareza como Tiger Lily

10. Alfred Hitchcock
A cuento de la promoción navideña de Freixenet, el omnipresente Alfred Hitchcock, que merece a mi parecer mención aparte, aparece cerrando la cuarta lista de las votaciones, presentado por películas como Vértigo, La Ventana Indiscreta, Con la muerte en los talones, Marnie la Ladrona..

Bueno, pues, en cuanto aparezca la encuesta (que será en breves instantes, espero), ¡a votar todo el mundo!

Nota: al que le parezca injusta la distribución de la lista, he de decirle que... a nosotros también. Pero se hizo a suertes, porque cada uno quería una forma distinta de distribución. Y estoy convencida de que a vosotros también se os habría ocurrido muchas más maneras de agrupar a los directores. Echando los dados es la manera más justa para todos. ;)

Nota 2:

Los finalistas hasta ahora son..

-de la lista 1: Steven Spielberg

-de la lista 2: Roman Polanski

-de la lista 3: Martin Scorsese

CRITICA: Casino Royale (1967)

2007-12-25T22:37:00.000+01:00

Saludos. Faltando a mi palabra de regularidad y compromiso con los administradores, despues de 2 semanas de problemas de disponibilidad (tanto por falta de internet en mis lugares habituales, como de tiempo material) pongo mi primera critica ya como colaborador de CpC. En la entrada de Redrum acerca de las secuelas ya comenté que pondría algo acerca de James Bond y allá va.

CASINO ROYALE

Directores: Val Guest, Ken Huges, John Houston, Joseph McGrath, Robert Parrish, Richard Talmadge.
Guionistas: Wolf Mankowitz, John Law, Michael Sayers.
Actores: David Niven, Peter Sellers, Ursula Andress, Deborah Kerr, Woody Allen, Orson Welles, Joana Pettet.
Año: 1967.

Sinopsis

Las grandes potencias de la postguerra (EE.UU.,U.R.S.S., Reino Unido y Francia) se ven amenazadas por la maligna organización SMERSH, la cual piensan que está detras de la muerte o desaparición de gran parte de sus activos en espionaje. Por ello se ven obligados a recurrir un James Bond retirado (David Niven) para impedir los planes de SMERSH, al cual se le ocurre poner "James Bond" como nombre en clave de todos los espias en activo y despistar a SMERSH.

Crítica

Humor absurdo, psicodelia y James Bond como excusa para reunir en un proyecto a un montón de celebridades. La película que comienza como una simple parodia de James Bond (con guiños más o menos directos) que se va acelerando a través de lo absurdo para acabar en delirio, locura y psicodelia ("Que malas son las drogas" pensará más de uno al verla), aunque es de agradecer que dentro de lo que cabe, el argumento sea fiel a si mismo desde el principio al final. Quien piense que esto podría ser algo parecido a Austin Powers, más vale que se quite el referente de la cabeza (o no del todo); si en la actual saga de parodias Mike Myers es el motor de la película, imagínese que aquí hay muchos motores, tirando cada uno por su lado y en su campo, pues no se sabe muy bien donde está el cameo, la colaboración o el personaje secundario (o incluso principal), y donde está el personaje o la persona (Woody Allen, Peter O'Toole y Orson Welles podrían ser claros ejemplos de ello). La música de Burt Bacharach es el protagonista indiscutible en su campo (la cual sí es recomendable al margen de la película) y quizás de las pocas cosas coherentes a lo largo de la película. Esto último dicho esto sin ninguna acritud, sino todo lo contrario, pues si hay una palabra que le puede hacer justicia al film es "confusión". De tus gustos depende que esto pueda ser un gran descubrimiento o un gran fiasco en la experiencia cinematografica de cada uno.

Lo mejor: Si digo que lo mejor de la película es el reparto y colaboraciones queda un poco soso, pero lo que yo podría calificar como lo mejor, más de uno dirá que es lo peor.

Lo peor: Los altibajos derivados del humor absurdo y del cambio de directores dependiendo de las escenas, y alguna que otra escena dedicada al lucimiento de los presentes.

Mi opinión: Podría catalogarla como "pelicula experimental" o como película para ver en compañía de amistades con ganas de cachondeo (y sin ninguna pretensión acerca de la película). Más vale sentarse y dejarse llevar por la locura (si es que decides verla), porque se requiere un poquito de paciencia (merece la pena aguantar hasta el final, sin lugar a dudas).

Banquetes cinematográficos

2007-12-22T11:05:00.002+01:00

Hay muchas cosas que caracterizan a las fiestas de Navidad. Una de ellas es la abundancia de comidas y manjares. Reconozcámoslo, en estas fiestas siempre decimos que vamos a intentar comer poco, y al final acabamos totalmente cebados.

En el cine, las escenas culinarias generalmente aparecen como una excusa para disponer a los protagonistas juntos y discutir de algo importante para la trama, o mostrar una determinada situación. Sin embargo, también hay ocasiones en que la comida es el protagonista. Bien por el tipo de alimento, por su preparación o presentación, por su deglución o bien por su digestión.

Probablemente una de las primeras veces en que una secuencia gastronómica se convirtió en un mito cinematográfico apareció en "La quimera del oro". Se trata de la comida de Acción de Gracias, y Chaplin demostró que puede existir algo más indigesto que un pavo al horno cocinado al estilo yanqui.

Hablando de indigestiones, si hay una película en la historia del cine que es perfectamente definida por ese apelativo, esa película se trata de "La grande Bouffé", título que debería haberse traducido por "La ley del pobre: antes reventar que sobre". Película deprimente y en algunos momentos escatológica (por no decir asquerosa). Pero recomendable si uno quiere ponerse a régimen. Puedo asegurar que después de verla no apetece nada tomarse ni un cochinillo, un cabrito o un conejo a la Provenzal.

Ahora, si realmente lo que queremos provocarnos es el vómito y la nausea nada mejor que el cine español. En esa categoría los platos fuertes son "El angel exterminador" o su posterior remake "Las truchas". Esta última es un efectivo emético, sobretodo por lo mala que llega a ser.

En un tono totalmente opuesto nos encontramos con "Muslo o pechuga". Una tonta satira de Louis de Funès sobre la guía Michelin, la fast food y la haute cuisine. Lo increíble es que los hermanos Farrelli aun no hayan hecho un remake.

Pero generalmente, el tratamiento cinematográfico del arte culinario ha dado lugar a buenas y apetitosas películas cuando no auténticas obras maestras. En ellas se nos muestra que la comida no sólo es algo necesario para la vida, sino que también puede servir para transmitir sentimientos. He aquí lo que yo considero un banquete cinematográfico.

Por ejemplo, el agradecimiento y la nostalgia tal y como podemos ver en la hermosa "El festín de Babbette".

El amor, la pasión y el desencanto mezclados con el realismo mágico de “Como agua para chocolate”.

“Deliciosa Martha” nos enseña que puede haber otras cosas además de la haute cuisine.

En ”Una gran noche" vemos las esperanzas en un giro de la fortuna, pero también el desengaño y la desilusión tras la perdida de la confianza. Y es que los negocios son una guerra, y en la guerra todo vale.

Y para finalizar, un buen postre tanto culinaria como cinematográficamente hablando: “Ratatouille”.

Felices fiestas

Huelga de guionistas

2007-12-20T23:19:00.002+01:00

Como casi todos sabréis, desde el 5 de noviembre se viene dando en EE UU una huelga de guionistas.Concretamente el principal sindicato de guionistas en Estados Unidos, la WGA ha organizado esta huelga en contra de los intereses del principal sindicato de productores, la AMPTP.
¿Y cual es el problema? os preguntareis, pues el de siempre, nuestro amigo que se intercambia por bienes y servicios: el dinero.

Para ser más concretos todavía, resulta que estas dos asociaciones estaban negociando las cantidades que se percibirían por la venta del correspondiente producto, ya fuese por ingresos de publicidad en las descargas por Internet de series, o por la cuota que se llevaba cada uno por la venta de cada película en dvd, cuestión esta última que parece haber levantado las iras de los guionistas, considerándose muy mal pagados.

Y os seguiréis preguntando: vale, pero ¿y esto en que me afecta a mi?
Pues así, de primeras, si como yo sois fans de alguna serie americana, pues toca fastidiarse, por que serán las mas perjudicadas, al necesitar guiones nuevos periódicamente. De hecho ahora mismo ya se sabe con seguridad que series como Héroes, Como conocí a vuestra madre, Smallville, 24, House, o Anatomia de Grey entre muchas otras no continuarán tras el clásico parón de navidades, y quedaran a expensas de lo que avancen las negociaciones en enero.
Al mundo del cine made in hollywood parece que no le va a afectar inmediatamente, puesto que los guiones de las películas que se estrenarán de aquí a un año vista no necesitan mas retoques, aunque el sindicato de actores podría solidarizarse con la huelga y tomar acciones al respecto. De hecho se habla que podría haber un boicot a los globos de oro del año que viene.

Esta es la segunda huelga de guionistas en la historia, la primera en 1988 duró casi seis meses y causó importantes perdidas a productoras, guionistas y cadenas de televisión. Y es que con esto todos tienen que perder: las series recién nacidas simplemente desaparecen, los productores no tienen producto que vender, los guionistas no trabajan y no pueden mantener a sus familias y las cadenas de televisión pierden espectadores.

Aunque de hecho no me extrañaría que en las televisiones americanas los grandes directivos se estén planteando eliminar para siempre cualquier tipo de serie o producción propia de la parrilla.
Viendo la cantidad de audiencia que consiguen espacios como los reality shows tipo gran hermano, o los talk shows tipo Oprah (Ana Rosa en nuestro caso), sumado al bajo coste de los mismos, a las cadenas no les compensa mantener una serie en prime time si va a conseguir la misma audiencia con un programa de mucho menor presupuesto.

En fin, solo nos queda esperar que esto acabe pronto y que no nos fastidien una de nuestras aficiones favoritas: disfrutar de una buena historia, sea en el formato que sea.

Y a vosotros, ¿os han fastidiado alguna serie con esto?

Crítica: Juntos, nada más

2007-12-18T09:54:00.001+01:00

Estuve en el cine el día de la Constitución para ver... cine francés. Y estaba lleno el cine, por cierto. Supongo que a medida que aumenten los precios de todo comestible bajará el consumo de cine (y teatro y conciertos) y aumentarán las descargas por Internet. Subirá el canon digital y la SGAE incrementará sus beneficios. Que Teddy Bautista se haga rico a causa del aumento en la producción de biocombustibles es una más de las maravillas de este mundo globalizado.

Cine francés se hace mucho, ignoro si decreto mediante o sin el mismo. Pero parece que funciona porque los franceses van a verlo. Habrá quien diga que esto es gracias al famoso chovinismo vecino. Habrá quien diga que lo que pasa es que hacen buenas películas. Me inclino más por lo segundo. Chovinismo es que sólo aparezcan Renaults y Citroëns en todos sus filmes.

Y basta de introducción. La película que fui a ver es:

Juntos, nada más

Director: Claude Berry.

Guión: Claude Berry.

Actores: Audrey Tautou, Guillaume Canet, Laurent Stocker, Françoise Bertin.

Año: 2007.

Sinopsis

Camille (Audrey Tautou) es "experta en superficies". Trabaja limpiando unas oficinas. Con ello apenas saca lo suficiente para una pequeña buhardilla en un viejo y señorial bloque de viviendas parisino. Unos pisos mas abajo y en un inmenso piso viven Philibert (Laurent Stocker) y Franck (Guillaume Canet). Philibert, cuya familia es dueña del piso, es un noble amanerado que trabaja en un museo y tiene serios problemas para relacionarse con otras personas. Franck es un cocinero rudo y malhablado que sólo desea pasar cada noche con una chica distinta y colgarse. Para su desgracia, tiene que ocuparse de su abuela Paulette (Françoise Bertin), incapacitada tras una caída.

Camille pasará a formar parte de sus vidas: ¿qué sucederá entonces?. ¡¡¡Qué emoción!!!

Crítica

Juntos, nada más es la adaptación de la novela homónima de Anna Gavalda. El libro, que no he leído, ha sido todo un best-seller en Francia. La película, pues, tiene las intenciones bien claras: aprovecha el tirón del libro y trata de construir una historia sencilla con cuatro personajes peculiares. Junta algo de comedia, unas gotas de drama, un poco de romanticismo y un principio de intriga que se resume en la linea del anterior párrafo. Y que dura lo mismo.

Tiene además el gancho de Audrey Tautou, a la que le costará horrores desembarazarse de su magnético papel en Amelie. Sería necesario, y de agradecer, que algún día interpretase a una psicópata asesina, para variar. Mientras haga de chica tierna a la que todos quieren bien la tendré encasillada. La actriz cumple sobradamente su papel, al igual que el resto de protagonistas.

El problema de la película es la historia, que no aparece por ninguna parte. Uno se pregunta dónde habrán ido a parar las 600 páginas del libro. Porque, aunque se plantea interesante en sus inicios, la trama de la película queda en nada a medida que avanza. El final se adivina con siglos de antelación. Entre tanto, la transición entretiene.

Los personajes de Philibert y Paulette, pese a ser interesantes (un aristócrata tartamudo cerca de Camille y una vieja mordaz y acaparadora) aparecen y se esfuman sin más, para que la película quede en un mano a mano demasiado predecible entre Franck y Camille. La historia del aristócrata pasa a un segundo plano para servir únicamente de recurso humorístico. Y a la pobre Paulette la llevan a un lado, la llevan a otro y la desplazan de nuevo para quitarla de en medio cuando ya no se sabe que hacer con ella. Más que entrelazar historias, el director las superpone.

Está bien la música, que podemos disfrutar en el trailer. Y está bien que uno pasa el rato que dura con una sonrisa en el cine. Eso es de agradecer. Pero ya.

Lo mejor: las interpretaciones. El buen rato. Ir al cine en día de fiesta.
El papel del cine que tengo delante dice que la fotografía es maravillosa y que convierte al piso en un personaje más. Si lo dicen ellos será verdad y me sumo: el piso está magnífico en su papel de piso.
Lo peor: la película daba para mucho más.
Mi opinión: ya está dada. Esta película es al cine... lo que el fondo de armario a la ropa.